Juliana Cappola

. . amei a lista, só achei meio exagerado Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças no segundo lugar, mais tudo bem...

Era Uma Vez No Oeste é um dos mais tristes.

filmes (re)vistos em fevereiro: 1. Oldboy (Park Chan-wook, 2003) - 9.0 2. Luzes da Cidade (Charles Chaplin, 1931) - 8.0 3. Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006) - 6.0 * 4. À Procura da Felicidade (Gabriele Muccino, 2006) - 6.0 * 5. Melinda e Melinda (Woody Allen, 2004) - 6.0 6. O Grande Ditador (Charles Chaplin, 1940) - 9.0 7. À Espera de um Milagre (Frank Darabont, 1999) - 7.0 8. A Rainha (Stephen Frears, 2006) - 6.0 * 9. Regras da Vida (Lasse Hallström, 1999) - 5.0 10. O Informante (Michael Mann, 1999) - 6.0 11. Tudo o que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo Mas Tinha Medo de Perguntar (Woody Allen, 1972) - 6.0 12. Apocalypto (Mel Gibson, 2006) - 6.0 * 13. Pecados Íntimos (Todd Field, 2006) - 8.0 * 14. Vôo United 93 (Paul Greengrass, 2006) - 7.0 15. Jurassic Park (Steven Spielberg, 1993) - 9.0 16. Chaga de Fogo (William Wyler, 1951) - 7.0 17. O Plano Perfeito (Spike Lee, 2006) - 5.0 18. Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976) - 9.0 19. A Morte Passou por Perto (Stanley Kubrick, 1955) - 6.0 20. Glória Feita de Sangue (Stanley Kubrick, 1957) - 8.0 21. O Segredo de Brokeback Mountain (Ang Lee, 2005) - 7.0 22. Dreamgirls - Em Busca de um Sonho (Bill Condon, 2006) - 4.0 * 23. Cartas de Iwo Jima (Clint Eastwood, 2006) - 7.0 * * no cinema em negrito o que eu mais gostei e o que eu menos gostei.

ah claro, Babel ganhando filme e direção seria uma justiça enorme.

Faça um favor a vc mesma. Assista assim q tiver oportunidade. É cinema de primeiríssima qualidade! A Montanha dos Sete Abutres, Farrapo Humano, A Íncrivel Suzana, Testemunha de Acusação, Sabrina, Pacto de Sangue, Se Meu Apartamento Falasse... qualquer obra desse gênio merece ser conferida.

01. Pecados Íntimos (Todd Field) - 8,0 02. Cartas de Iwo Jima (Cllint Eastwood) - 7,0 03. A Rainha (Stephen Frears) - 6,0 04. Apocalypto (Mel Gibson) - 6,0 05. À Procura da Felicidade (Gabriele Muccino) - 6,0 06. O Último Rei da Escócia (Kevin Macdonald) - 6,0 07. Babel (Alejandro González Iñárritu) - 6,0 08. Diamante de Sangue (Edward Zwick) - 5,0 09. Dreamgirls - Em Busca de um Sonho (Bill Condon) - 4,0Naomi Watts2007-03-17 11:53:40

"O balbuciar de um bêbado" Este parecer, dado pelo então professor da Universidade de Princeton, Albert Einstein, às obras de Karl Jaspers, foi a melhor maneira que encontrei de começar este artigo. Afinal, é assim que a maioria das pessoas se sente em relação a David Lynch, e é certamente a impressão que nos dá aos assistirmos pela primeira vez um filme dele. Esquisitices sem nexo postas ao acaso na narrativa. Não que não sejam também um pouco isso, mas as obras dele são bem mais profundas do que aparentam - um tema em si predominante nos filmes dele. Para começar, devo esclarecer que Lynch não é um surrealista (estigma essa tão freqüente e irritante quanto classificar Bresson como austero). O que temos em Lynch é uma constante busca pela 'imagem diferente'; uma imagem arrebatadora e inesquecível, cuidadosamente trabalhada, e que, por vezes (mas não sempre) utiliza-se do surreal e do obscuro para causar impacto, e fazer-nos entrar no clima. Clima: essa sim é uma boa palavra para definir a obra do diretor. Há de se perceber também que Lynch não é um diretor de cinema, e sim um artista que se utiliza do meio cinematográfico para se expressar. Mas não somente isso, também faz pinturas, fotografias, esculturas, desenho, animações, música... Ele nunca teve uma carreira artística legítima como Jean Cocteau ou Peter Greenaway, mas já houve e ainda há diversas mostras com seus outros materiais. Nascido em 20 de janeiro de 1946 numa cidadezinha no interior dos Estados Unidos, e passando boa parte da infância se mandando de um local para outro, ele diz ter tido seu primeiro contato com arte aos 14 anos. Naquele tempo, era impensável para ele que um adulto fosse fazer desenhos - quanto mais viver deles - até que um colega lhe disse que o pai era pintor profissional. A partir de então, Lynch pôs na cabeça que era o que iria fazer e, aos 19 anos, ingressa na Academia de Belas Artes de Pensilvânia, na Filadélfia. Começando com pinturas abstratas, seus quadros logo ganharam um aspecto mórbido quando, enquanto esperava a tinta de uma recém-pintada tela secar, uma mariposa bate nela e gruda na tinta, ficando lá até morrer. Lynch gostou tanto dessa dicotomia entre o vivo (a mariposa) e o morto (a pintura em si), que não só deixou-a lá, como passou a pôr em seus outros quadros objetos do mundo real, animais mortos, folhas secas ou um pedaço de bife. Sua aproximação com o cinema se deu numa experiência que teve quando, ao observar um de seus quadros, ouvi o vento soprar, e era como se a folhagem na pintura estivesse se movendo. Percebendo a maior limitação das artes plásticas (a imobilidade), Lynch decidiu incluir movimento em seus quadros, e fez seu primeiro curta de animação, Six Figures Getting Sick (1966), onde seis cabeças esculpidas por ele aparecem vomitando 6 vezes seguidas. Ele ainda viria a fazer mais dois curtas, The Alphabet (1968) e The Grandmother (1970), antes de se mudar para Los Angeles. Seus anos passados na Filadélfia foram um eterno tormento para ele, onde se viu perdendo o controle de sua vida, engravidando sua namorada e se vendo obrigado a casar com ela. Todo esse pesadelo claustrofóbico e sentimento de ter perdido o tato com o real (ou o que lhe era entendido como real), juntamente com a assustadora paisagem industrial de Pensilvânia, viria a se transformar no primeiro longa-metragem do diretor, Eraserhead (1976). Nele, Henry (Jack Nance, num dos muitos alter-egos de Lynch) parece estar preso a esse estranho mundo onde nada faz sentido, quando sua namorada lhe diz que está grávida e teve um filho. Só que o filho é, na verdade, uma espécie de monstro (numa alegoria à sua filha, Jessica Lynch, que nasceu com os pés disformes), e sua namorada não agüenta os constantes choros da criança à noite, deixando-a aos cuidados de Henry, que se vê escravizado pela constante atenção necessária ao filho. Esse filme, feito ao longo de sete anos com verbas esporádicas da AFI, logo se tornaria um cult absoluto nos midnight movies, atraindo a atenção de ninguém menos que Mel Brooks. Este estava querendo produzir um filme e, ao assistir à Eraserhead, contrata imediatamente Lynch para ser o diretor. O filme que saiu desta parceria, O Homem Elefante (1980), conta a estória real de John Merrick, um homem na Inglaterra vitoriana nascido extremamente deformado, e usado como aberração circense. A fotografia em chiaroscuro, o tom barroco e dramático do filme fez com que Brooks retirasse seus créditos como produtor (com medo que sua fama de comediante desse às pessoas a impressão errada), e deu à Lynch sua primeira indicação ao Oscar de Melhor Diretor. Com todo o sucesso deste filme, ele é convidado por Hollywood a dirigir a adaptação da ficção-científica Duna, de Frank Herbert, e é a ele dado um orçamento astronômico para seus padrões. Mas Lynch nunca se adaptou ao modelo estúdio de se fazer filmes e, junto com sua inexperiência quanto a filmes de grande escala e à não terem lhe dado o direito ao final-cut, Duna (1984) foi um grande fracasso tanto do ponto de vista monetário quanto crítico. Em minha opinião, esta foi a melhor coisa que já aconteceu com Lynch, uma vez que isso lhe permitiu desvencilhar-se do chamado 'sistema', e voltar para os filmes autorais, de onde nunca mais saiu. Mas ele foi esperto; ao fazer o contrato de Duna com seu produtor, Dino de Laurentis, ele concordou apenas caso a produtora bancasse seu próximo filme, e lhe desse total liberdade de produção. Dessa segunda parceria dos dois, nasceu o filme que botou por definitivo a carreira do diretor nos holofotes jornalísticos. Veludo Azul (1986) tem como palco um dos temas preferidos do diretor, que é a da calma cidadezinha interiorana. Nela, Jeffrey (Kyle MacLachlan, grande habitual do diretor) é um pacato cidadão de sua aparentemente perfeita cidade, até descobrir num descampado uma orelha humana. Isso o leva a uma espiral no submundo do crime que habita embaixo do nariz de todos, indo de encontro ao psicopata Frank e à cantora Dorothy. Todo o sucesso do filme rendeu-lhe sua segunda indicação à Melhor Diretor no Oscar, e começou aqui sua eterna parceria com o compositor Angelo Badalamenti. Lynch, 4 anos depois, é convidado a fazer um seriado de televisão nos mesmos moldes de Veludo Azul, e disso sai, numa parceria com o roteirista Mark Frost, Twin Peaks, um seriado que se tornou amplamente cultuado e redefiniu o conceito de programa televisivo. Aqui temos novamente a cidade de interior, desta vez a Twin Peaks do título, localizada na fronteira oeste dos Estados Unidos com o Canadá, na região das grandes tundras. Em Twin Peaks, o conceito do 'debaixo do tapete' é levado ao extremo quando é encontrada morta Laura Palmer, adorada garota da cidade e líder de torcida, embrulhada em plástico e com sinais de estupro e uso de drogas. Isso leva à cidade o agente do FBI Dale Cooper para investigar o caso, e lentamente percebemos que todos na cidade tem algo para esconder. A primeira temporada, que teve apenas sete episódios mais um piloto, o que rendeu uma segunda temporada, desta vez bem maior. Lynch comandou a série até meados desta nova temporada, quando se revela o assassino de Laura; mas o público não estava pronto para deixar Twin Peaks e seus habitantes e a série continua, enquanto Lynch toma 'férias' dela para trabalhar num outro longa, Coração Selvagem (1990), uma adaptação do livro homônimo de Barry Gifford. Temos aqui Sailor e Lula, um casal moderno que vive uma intensa paixão enquanto tenta escapar da mãe de Lula, que é contra o namoro. Eles então caem na estrada, fugindo de um grupo de assassinos profissionais, numa jornada pelo bizarro, onde apenas o amor dos dois parece impulsioná-los para frente. Aqui Lynch começa a flertar novamente com o universo que ele criara em seus curtas e Eraserhead, e o filme não vai muito bem em sua terra natal; mas é amplamente visto na Europa, e ganha a Palma de Ouro em Cannes no ano seguinte. O diretor volta então à Hollywood, apenas para ver uma Twin Peaks completamente desvirtuada de sua idéia original, trocando todos os conflitos e complexidade por uma trama boba e em dissintonia com o resto da série. Ela já não dava mais tanto sucesso e uma terceira temporada não iria ocorrer, o que impossibilitava Lynch de botá-la novamente nos trilhos. Não satisfeito de abandonar sua criação naquele estado, ele dirige um último episódio da série, e sai para fazer um longa-metragem que serve de prelúdio para a estória, Twin Peaks - Os Últimos Dias de Laura Palmer (1991). Neste filme, o ambiente da falta de tato com o real e do bizarro tomam conta, e vemos uma Twin Peaks extremamente sombria; acompanhamos a ultima semana de Laura Palmer, suas interações com os personagens e como ocorreu o crime. Os fãs da série detestaram o filme, acusando-o de faltar com o humor característico dos personagens, e de não explicar nada, só confundir ainda mais; enfim, acusaram Lynch de ter pervertido a série. Só que Twin Peaks nunca foi tão Lynch como agora, e este mostrou o que teria saído caso ele e Frost tivessem tido total liberdade de criação. Com o estrondoso fracasso de seu último filme, Lynch entra num hiato que dura seis anos, fazendo apenas algumas produções para a televisão aqui e acolá, assim como alguns comerciais. Aparece então a oportunidade de fazer um novo longa, A Estrada Perdida (1997), que por fim define o sentimento dos espectadores em 'amor à Lynch' e 'ódio à Lynch'. Aqui, o diretor faz um projeto semi-experimental misturando música eletrônica e videoarte a uma narrativa fragmentada, e um roteiro (co-escrito por Barry Gifford) que não parece fazer sentido. Temos Fred, um jazzista que mata sua mulher por ciúmes e é condenado à pena de morte. Na prisão, ele passa a ter alucinações, e cria uma outra persona totalmente oposta a si, o jovem Pete, que é levado por Alice a cometer um assassinato. O filme virou cult, mas foi completamente massacrado pela crítica como uma picaretagem, uma divagação sem sentido. "O balbuciar de um bêbado". Como resposta, ele então dirige História Real (1999) uma produção tão serena e fora de seus padrões que quase não dá para notar a mão dele; 'quase', eu disse. Desta vez foi o contrário, o filme foi aclamado pela crítica, mas preocupou os fãs, que temiam que o diretor fosse abandonar de vez o estilo que o deixou famoso. Três anos depois veio a tranqüilizadora resposta. O ano de 2000 marcaria o retorno de Lynch à televisão, visando uma nova série sobre o submundo do crime de Los Angeles, para reprisar o sucesso que teve Twin Peaks. Mas os tempos haviam mudado, a televisão estava entrando numa faxina moral contra a violência e temas pesados, e a série, depois de ter seu piloto gravada, foi cancelada pelo estúdio. Só que Lynch, muito cultuado na França desde seu Coração Selvagem, leva o piloto para o estúdio francês Canal +, que decide liberar a verba para mais uma hora de filmagem, e transformá-lo num longa. Depois de muito pensar em como condensar as várias estórias espalhadas pelo piloto, vem como um estalo à Lynch numa noite e, usando elementos já trabalhados em Estrada Perdida, ele termina o seu mais recente longa, Cidade dos Sonhos (2001). Nele, vemos duas versões de uma mesma estória, o sonho e o pesadelo, onde personagens trocam de nome e identidade, num conto de amor e ciúmes na chamada 'fábrica de sonhos' que é Hollywood. Este filme pego a todos de surpresa, fazendo um sucesso enorme tanto de bilheteria quanto de público, ganhando o prêmio de melhor diretor em Cannes, e Lynch recebendo sua terceira indicação à melhor diretor no Oscar. Dentre filmes tão diferentes, podemos ainda assim notar a marca do diretor em cada quadro e, apesar dele ter suas situações tipicamente “lyncheanas”, o que está mais presente é o som. Lynch sempre trabalhou muito com o som, e de forma tão peculiar que poderíamos fechar nossos olhos e reconhecer qualquer filme dele apenas por este aspecto. No começo do cinema falado, muitos críticos apontaram a nova tecnologia como a morte do cinema, que se havia acabado o mistério e o refinamento, apontando para uma arte banal e vazia. O problema é que, na época, as pessoas não sabiam direito como usar o som (e ainda não sabem), mas Lynch foi dos poucos a realmente entender seu funcionamento. Todo clima do filme vem do som, feito sempre pelo próprio Lynch (inclusive, este às vezes pensa no som antes de pensar no próprio filme) e por seu compositor habitual, Angelo Badalamenti. Esse clima de terror e medo que predomina em seus filmes seria impossível caso o filme fosse mudo. O medo de que falamos aqui não é o horror puro - aliás, quase nunca tomamos sustos nos filmes dele - mas sim um medo trabalhado, sempre crescente, que por horas quase nos sufoca; um medo do desconhecido, a falta de tato com o real que os personagens sentem transcendendo a tela e se mantendo em animação suspensa, ad infinitum. Todo esse clima é produzido pela estranheza ao som em si, como se ele estivesse em um constante jogo de frustração entre o que percebemos como real e o que de fato está (ou não está) acontecendo. Quero ressaltar outros dois aspectos da obra de Lynch que têm papel pivotal na elaboração do clima. O primeiro diz respeito à direção de arte: se em seus dois filmes preto-e-branco - Eraserhead e Homem Elefante - havia um intenso jogo de luz e sombra, remetente do cinema noir e do expressionismo, para criar a visão de um mundo não-natural, é no uso das cores que ele se destaca. Cortinas vermelhas são uma presença quase que obrigatória em seus filmes, e elas sempre anunciam a chegada de algo inesperado, uma mudança de eventos; quando vemos as cortinas pela primeira vez em Veludo Azul, é quando deixamos a pacata cidade e penetramos em seu lado obscuro, com o aparecimento de Frank Booth; em Twin Peaks, a famosa seqüência do sonho é toda dada em uma sala cercada de cortinas vermelhas; em cidade dos sonhos, a primeira vez em que tomamos a noção da grandiosidade do problema é numa sala com cortinas vermelhas, onde um anão, chefe do submundo, dá as ordens para acharem Rita; em Estrada Perdida, vemos as cortinas no apartamento de Fred pouco antes de ocorrer o assassinato. Aliás, este apartamento como um todo é extremamente macabro, com seus longos e escuros corredores dos quais queremos fugir, mas a câmera nos obriga a entrar. Apenas com uma arquitetura arrojada (bem moderna, nada de casa-dos-horrores) e jogos de iluminação, Lynch transformou o lar - por si só, nosso abrigo contra as mazelas do mundo - em algo assustador, que nos suga para dentro, um reflexo do mal que paira lá fora. O mesmo ocorre em Twin Peaks e Veludo Azul, onde o ambiente de familiaridade da cidade é desmascarado, e não reconhecemos mais a proteção que nosso lar nos proporciona (respectivamente, os reflexos de Bob na casa de Laura, e a orelha decepada na vizinhança). O segundo aspecto diz respeito ao duplo. O duplo é uma característica também bastante presente, e novamente serve para realçar o sentimento de estranheza para com aquilo que conhecemos, ou aquilo que aceitamos. O duplo é tudo aquilo que nós não somos, seja aquilo que queríamos ser ou aquilo que queremos esconder. Em toda sua obra, Lynch cria vários duplos de si mesmo, sendo os dois mais famosos (e óbvios) Henry Spencer de Eraserhead e o agente Dale Cooper de Twin Peaks, mas também poderíamos citar Jeffrey de Veludo Azul, o pai de Lula em Coração Selvagem e Adam Kesher de Cidade dos Sonhos. Entre os personagens, o duplo começa a aparecer em Veludo Azul, com a constante indecisão de Jeffrey pela misteriosa e perturbada Dorothy (que aqui assume o papel de mãe) e a inocente e calma Sandy (que assume o papel de irmã). O duplo voltaria a aparecer em Twin Peaks com Madeleine, prima de Laura; Madeleine é alegre, introvertida, todas as qualidades que a impressão de Laura passava aos outros eram na verdade da prima, além do fato de uma ser loira e a outra morena, e ambas serem interpretadas pela mesma atriz. Essa dicotomia do positivo/negativo voltaria a aparecer em Estrada Perdida, onde temos Alice como a projeção de tudo que Fred gostaria que sua esposa Reneé fosse - fiel, apaixonada, amável... Mas o duplo não serve meramente como uma antítese a alguém, ele é um reflexo da pessoa. Alice é um reflexo de Reneé, e Fred começa a perceber isso ao olha uma foto onde estão as duas e perguntar "Essa é você? Ambas são você?". O duplo serve como um tapa na cara, um convite à realidade, como se dissesse 'isto é você, esta é a realidade que você não quer enxergar'. Em Cidade dos Sonhos, temos vários duplos; a começar com o casal principal, Betty e Rita. Betty é esperançosa, confiante e independente, enquanto Rita é a mulher indefesa, que não se lembra de nada e que certamente morrerá sem a ajuda da companheira; já na versão do pesadelo da estória, as duas trocam de papéis, e Betty passa a se tornar a dependente, inclusive ficando louca quando Rita a deixa. Também temos nesta parte todos os outros personagens aparecendo com nomes e personalidades diferentes, duplos de si mesmos, convidando Betty/Diana a enxergar a realidade - "Time to wake up, pretty girl". Electriiiiiiiiiiiiicity Outro elemento predominante na obra “lyncheniana”, talvez mais que todos os outros, é a presença de eletricidade. Sempre há eletricidade, seja na forma de uma lâmpada, um raio, ou uma corrente vinda deus-sabe-de-onde, e os personagens parecem atraídos a ela, como insetos. Mas, ao contrário do que pode parecer, a eletricidade não é um aspecto bom; ela não está lá para nos ajudar, e sim para nos atormentar. Vivemos na escuridão, cegos aos problemas que ocorrem à nossa volta, e a eletricidade serve como um veículo para nos mostrar a realidade. É como um grande tapa na cara, um balde d'água na cabeça, onde acordamos e vemos o mundo como ele realmente é. Isso não ocorre com a luz do sol, pois, durante o dia, todos são amáveis; é durante a noite que a máscara social cai, e a eletricidade nos permite ver o que há por trás dela. Isso é mostrado bem em Veludo Azul, quando Frank Booth, após ter estuprado Dorothy, apaga as luzes e diz "Agora está tudo escuro". Esta frase pode ser muito bem traduzida por 'agora está tudo bem', como se voltássemos à aconchegante escuridão. Mas não é isso que ocorre, uma vez que já não somos mais ignorantes quanto à realidade, e voltamos à escuridão com medo. Lynch nos apresenta então à dois escapismos: o suicídio e a ilusão. Em Estrada Perdida, Fred percebe pela primeira vez os seus atos ao contemplar a lâmpada em cima de sua cela, e cria a ilusão de Pete e Alice, reflexos idealizados de sua própria vida. Mesmo quando a ilusão acaba ele permanece nela, em sua eterna fuga (aliás, neste filme temos a constante presença de correntes elétricas vindas do nada, como se quisessem chamar Fred de volta à realidade); tanto Henry de Eraserhead quanto John Merrick de Homem Elefante buscam a morte para fugir da realidade; Diana em Cidade dos Sonhos tenta ambos, falhando na ilusão e suicidando logo em seguida. A única exceção é a do velho Alvin de História Real, que, ao observar os relâmpagos em sua casa, resolve tomar responsabilidade e enfrentar a estrada atrás de seu irmão, surgindo assim como uma alternativa mais otimista frente ao absurdo. Há também muita especulação sobre a eletricidade como um veículo aos chamados 'monstros' de Lynch, então abrirei um breve parênteses para falar dessas criaturas. Os monstros “lynchenianos” não são propriamente reais, e sim manifestações do real. Eles são uma forma quase metafórica de nos mostrar a realidade, aquilo que não queremos enxergar. É como aquele medo de infância de olharmos embaixo da cama ou dentro do armário e virmos lá um monstro; Lynch nos diz que sim, eles estarão lá assim que ligarmos as luzes. O Homem Misterioso de Estrada Perdida é a personificação do ciúme de Fred pela traição da esposa, e a primeira vez que o percebemos é numa gravação de vídeo; tanto Frank Booth em Veludo Azul quando Bobby Peru em Coração Selvagem nos mostram o lado negro e violento do mundo à nossa volta; o Bob de Twin Peaks é a própria manifestação do mal presente no assassino de Laura, enquanto o mendigo de Cidade dos Sonhos é o detentor da caixa azul (realidade), assim como 'aquele que controla tudo'; em Eraserhead temos tanto o bebê, que mostra a Henry seu novo universo de responsabilidades ao qual está preso, e a mulher do aquecedor elétrico, que leva o rapaz ao suicídio; assim como o personagem de David Bowie em Últimos Dias de Laura Palmer e o cowboy de Cidade dos Sonhos, ambos vindos de um pique de luz, e ambos carregando consigo a percepção da realidade. Todos estes personagens (e outros) estão de alguma forma conectados à eletricidade, e todos são a catapulta inicial para o desabar daquilo que temos como palpável. A eletricidade também pode ser vista como luz artificial, uma crítica à artificialidade do mundo vista na paisagem industrial de Eraserhead, nas 'cidades perfeitas' de várias outras obras, e à própria artificialidade do cinema, vista em Cidade dos Sonhos. Não é à toa que no Clube Silencio deste filme, a realidade seja reproduzida fielmente através de aparelhos eletrônicos. Há outros elementos presentes na sua obra, mas em geral remetem ao que já foi abordado aqui, como a freqüente presença de telefones pretos, que sempre tocam, mas parece nunca ter ninguém na outra linha. As já citadas cortinas vermelhas, o fogo e a pirotecnia em geral como símbolo da fragilidade psicológica do personagem no momento, as famosas cantoras de cabaré, várias cenas de estrada, tanto para escapar da realidade quanto para encontrá-la, e uma fixação por olhos, bocas e dentes. Outra marca de Lynch são seus atores; ele teve vários regulares durante a carreira, com destaque especial para Jack Nance (seu maior colaborador até Estrada Perdida, quando faleceu após o filme), Laura Dern, Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper e o famoso anão Michael Anderson. Seu trabalho de ator também é bastante conhecido; Sheryl Lee, que interpretou Laura/Madeleine em Twin Peaks, conta que foi chamada para fazer o teste, e tudo que fez foi conversar com Lynch sobre diversos assuntos, nenhum relacionado ao seriado; a presença de Bob no seriado foi dada totalmente ao acaso, uma vez que o ator Frank Silva (que na verdade era apenas uma ajudante na produção) apareceu sem querer refletido num espelho durante uma cena, Lynch achou aquilo fantástico e resolveu incluir o sujeito com aquela mesma expressão no episódio seguinte, e assim escreveu todo o papel para Bob; Robert Blake, que fez o Homem Misterioso, disse que tinha uma idéia de como o personagem seria fisicamente, e Lynch pedir para que ele lhe mostrasse, e não falasse. Blake então foi ao camarim, raspou o cabelo, pôs uma forte maquiagem kabuki, se vestiu de preto e, para sua surpresa, o diretor adorou. São apenas detalhes, mas servem para traçar uma maneira bastante livre em que ele trabalha. Só por curiosidade, durante os 6 anos de filmagem de Eraserhead, Jack Nance permaneceu o tempo todo com aquele excêntrico corte de cabelo de seu personagem. Bom, depois de algumas divagações sobre o estilo de Lynch, posso então chegar a uma conclusão: Lynch é um realista, e não um surrealista. Talvez ele seja o maior realista de todos, uma vez que ele pretende desmascarar toda a sociedade e mostrar sua verdadeira faceta, e é nada menos que curioso que ele o faça usando-se de uma estética surreal. Mas Lynch não condena essa sociedade em si, e sim o que ela esconde. Nesse ponto ele se afasta mais ainda dos surrealistas (inclusive ele diz que sua grande influência cinematográfica foi Fellini, tendo visto apenas poucos filmes de Buñuel). Twin Peaks é realmente um lugar maravilhoso, e quem mais consegue aproveitá-la e o agente Cooper, exatamente o mais transparente de todos; ele também prova que é possível achar a felicidade verdadeira, desde que você pare de fugir, como é mostrado nos finais de Veludo Azul, Coração Selvagem e História Real. Essa talvez seja a grande mensagem da obra de Lynch (se é que há uma), vivemos num mundo sádico e hipócrita, mas há esperança apesar de tudo. Como dito no começo deste artigo, durante sua carreira Lynch se dedicou a vários projetos diferentes; dirigiu vários episódios e curtas para a televisão; produziu um musical, que mais tarde foi editado e lançado como o filme Sinfonia Industrial No. 1; de 1983 a 1992 ele desenhou para o jornal L.A. Reader a tira de quadrinhos O Cão Mais Bravo do Mundo, sobre um cachorro com tanto ódio de tudo que mal podia se mover, comer ou latir, só rosnava; produziu videoclipes de bandas que gostava, como Rammstein e Roy Orbison; continuou sua carreira artística, tanto na pintura quanto na fotografia. E onde está Lynch agora? Há alguns anos ele estreou seu website, davidlynch.com, onde contém várias amostras dessas diferentes mídias onde ele trabalha, assim como a produção de novas séries. Em 2002 ele dirigiu, exclusivamente para o site, a mini-série de 8 capítulos chamada Rabbits, onde 3 pessoas vestidas de coelhos habitam uma mesma casa. A Câmera nunca se move, não há cortes, nunca sabemos direito o que está acontecendo, e os diálogos estão espalhados aleatoriamente no roteiro. É um dos projetos mais sombrios e ousados do diretor, voltando às raízes de seus curtas e de Eraserhead. Em 2003 ele lançou um curta-metragem 'escondido' no site, chamado Darkend Room, e vem prometendo uma nova série chamada Axxon-N, que parece ter sido posta de lado. Bem recentemente foi confirmado o novo filme dele, provavelmente para 2006, chamado INLAND EMPIRE (tudo em maiúsculo), que terá Laura Dern no elenco, e todo filmado em digital. Se for tão bom quanto seus outros trabalhos só saberemos na hora, mas desde já podemos esperar ao menos uma coisa, já de praxe do diretor: Lynch nos surpreenderá. http://cineplayers.com/perfil.php?id=11685 .

que foto assustadora . meu modesto top Lynch: 1. Cidade dos Sonhos 2. História Real 3. O Homem-Elefante 4. Veludo Azul hm, Cidade dos Sonhos é obra de gênio e está no meu top 10 dos meus filmes preferidos, amo esse filme. História Real e O Homem-Elefante tem uma sensibildade incrível e personagens que eu pouco tinha me envolvido antes a ponto de chorar toda vez que revejo os dois filmes. Veludo Azul eu não entendi/curti o filme muito bem na época que eu vi, é um daqueles que eu preciso rever urgentemente e vai subir muito de conceito, pois é no estilo que eu gosto. eu tenho muita curiosidade de ver Coração Selvagem, mais eu li que o filme é uma espécie de homenagem ao Mágico de Oz, então prefiro ver ele primeiro antes de conferir a obra de Lynch. Eu tenho medo de ver Eraserhead e A Estrada Perdida mentira, sou louca pra ver, mais meu VHS tá estragado ainda, mais vou ver antes de Inland Empire, concerteza. Eu tbm quero ver o Duna, mesmo o Lynch não gostando do resultado do filme... eu já vi todos os episódios de Twin Peaks na locadora da minha tia na outra cidade, qualquer dia eu arrumo coragem pra alugar. .Naomi Watts2007-02-23 18:56:46

em ordem de preferência: 1. Thelma & Louise - 8,0 2. Gladiador - 5,0 3. Cruzada - 5,0 Naomi Watts2007-02-23 15:42:34

e outra de um policial salvando a mulher segundos antes do carro explodir... e a do tiro de festim é quase a definição de sutileza. Naomi Watts2007-02-21 09:35:42

19/02/2007 - Ron Howard pode dirigir refilmagem de "Caché" Caché, filme dirigido por Michael Haneke e lançado nos cinemas brasileiros no ano passado, em breve ganhará uma versão feita por Hollywood. O produtor Brian Grazer adquiriu os direitos sobre o filme e já negocia com Ron Howard (O Código DaVinci) para que dirija a nova versão. A nova versão será produzida pela Universal Pictures. (Variety)

21/02/2007 - Sacha Baron Cohen recusa convite para o Oscar Sacha Baron Cohen, indicado ao Oscar de melhor roteiro original por Borat, recusou o convite feito pela Academia para ser um dos apresentadores da cerimônia de premiação, que ocorrerá no próximo domingo. Entre os apresentadores já confirmados estão Jennifer Lopez, Tom Cruise, Cate Blanchett, Abigail Breslin, Steve Carell, Anne Hathaway, Jack Black, Tom Hanks, George Clooney, Will Smith, Penélope Cruz, Daniel Craig, Ben Affleck, Nicole Kidman, Hugh Jackman, Kirsten Dunst, Reese Whiterspoon e Rachel Weisz. A mestre de cerimônia será a atriz Ellen DeGeneres, que estréia na função. (France Presse) .

21/02/2007 - Ray Liotta é preso após acidente O ator Ray Liotta (Os Bons Companheiros) foi preso nesta segunda, sob suspeita de dirigir alcoolizado. A prisão ocorreu após Liotta bater seu carro em outros automóveis estacionados próximo à sua casa. Após ser fichado pelo ocorrido, o ator foi liberado após o pagamento de fiança. (Reuters) .

meu top: 1. O Grande Ditador 2. Luzes da Cidade 3. Em Busca do Ouro 4. O Circo 5. O Garoto Tempos Modernos e Luzes da Ribalta são meus pecados.

lá vai, levantando tópico, notas de 0 a 10: 2007: - Babel - 6,0 - Os Infiltrados - 8,0 - Cartas de Iwo Jima - 7,0 - A Rainha - 6,0 Média: 6,75 2006: - Crash - No Limite - 4,0 - Capote - 7,0 - O Segredo de Brokeback Mountain - 7,0 - Munique - 8,0 - Boa Noite e Boa Sorte - 6,0 Média: 6,4 2005: - Sideways - Entre Umas e Outras - 8,0 - Ray - 5,0 - Menina de Ouro - 8,0 - Em Busca da Terra do Nunca - 7,0 - O Aviador - 6,0 Média: 6,8 2004: - Seabiscuit - Alma de Herói - 5,0 - O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei - 8,0 - Mestre dos Mares: O Lado Mais Distante do Mundo - 6,0 - Sobre Meninos e Lobos - 7,0 - Encontros e Desencontros - 9,0 Média: 7,0 2003: - Chicago - 7,0 - Gangues de Nova York - 7,0 - As Horas - 7,0 - O Pianista - 8,0 - O Senhor dos Anéis: As Duas Torres - 8,0 Média: 7,4 2002: - Assassinato em Gosford Park - 8,0 - Uma Mente Brilhante - 5,0 - Moulin Rouge - Amor em Vermelho - 7,0 - O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel - 8,0 Média: 7,0 2001: - Traffic - 6,0 - Gladiador - 5,0 - Chocolate - 5,0 - Erin Brockovich - Uma Mulher de Talento - 6,0 Média: 5,5 2000: - Beleza Americana - 8,0 - O Sexto Sentido - 8,0 - À Espera de um Milagre - 7,0 - O Informante - 6,0 - Regras da Vida - 5,0 Média: 6,8 1999: - Shakespeare Apaixonado - 7,0 - A Vida é Bela - 6,0 1998: - Gênio Indomável - 6,0 - Melhor é Impossível - 6,0 - Titanic - 6,0 Média: 6,0 1997: - O Paciente Inglês - 5,0 voto para 2003: 1. 2003 - Média: 7,4 2. 2002 - Média: 7,0 3. 2004 - Média: 7,0 4. 2000 - Média: 6,8 5. 2005 - Média: 6,8 6. 2007 - Média: 6,75 7. 2006 - Média: 6,4 8. 1998 - Média 6,0 9. 2001 - Média: 5,5 Naomi Watts2007-03-18 08:00:49

Quem poderia prever que Todd Field, um anônimo coadjuvante perdido no elenco de filmes tão opostos entre si, como Twister e De Olhos Bem Fechados (ele interpreta o pianista que cede a senha para que o personagem de Tom Cruise tenha acesso àquela estranha festa), sairia da obscuridade para se tornar um cineasta de tanto talento? Logo em seu filme de estréia, Entre Quatro Paredes, lançado em 2001, Todd Field já disse a que veio. De cara, levou para casa o prêmio de melhor filme da Associação dos Críticos de Los Angeles (uma das mais respeitadas nos EUA) e cinco indicações ao Oscar. Para um diretor estreante, chamava a atenção a maturidade com que trabalhava um material tão denso e delicado (no caso, o modo como os pais lidam com a trágica e estúpida morte do filho). Demorou cinco anos para que Todd Field voltasse para trás das câmeras. Valeu a pena esperar. Pecados Íntimos é o melhor filme americano de 2006. Pecados Íntimos (Little Children, no original) lança seu olhar para um grupo de pessoas de classe média, que reside nos subúrbios de Boston. A comunidade está assustada com a recente libertação de Ronnie (Jackie Earle Haley), um adolescente na pele de um adulto, acusado de pedofilia. Mesmo proibido de se aproximar das crianças em locais públicos, os pais não concordam em ter ao lado um ser que represntar uma ameaça real aos seus filhos. Parecendo não se importar com isso, Sarah (Kate Winslet), casada e mãe de uma menina, leva sua filha para brincar no parque. Sentada num banco, lendo seu livro, observa com certo distanciamento a conversa de três outras mulheres que também freqüentam o local com a mesma finalidade. A atenção delas é despertada pela presença do bonitão Brad (Patrick Wilson), que volta e meia aparece por lá com seu filho pequeno. Sem coragem de iniciar um diálogo, as moças o chamam de O Rei do Salão. Este, por sua vez, mesmo sem saber, desperta nelas desejos sexuais há muito escondidos. Sarah aposta com as três mães que não apenas conversará com o rapaz, mas que também dele arrancará um beijo. Do breve diálogo entre Sarah e Brad, dois estranhos até aquele instante, um romance brotará. Pecados Íntimos trabalha num registro semelhante a filmes como Beleza Americana, Veludo Azul, Felicidade e, voltando mais no tempo, A Caldeira do Diabo. O cinema americano sempre se interessou em investigar a vida de pessoas aparentemente comuns, mas que, vistas de perto, deixam transparecer suas verdadeiras faces. Nos últimos anos, até mesmo a televisão já embarcou nesta temática, em séries de sucesso como Desperate Housewives e A Sete Palmos. A idéia geral destas obras pode ser bem resumida pelo tagline de Beleza Americana ("look closer"). Em síntese, serve para que todos tenhamos a consciência que, no fundo, ninguém é normal. Todd Field consegue imprimir algo novo a um material de certa forma desgastado. Baseado no livro As Criancinhas, de Tony Perrota, seu co-roteirista, a transposição para a tela grande foi feliz em todos os sentidos. Da interpretação dos atores ao desenvolvimento lento e gradual dos personagens, passando pela bela e irônica narração em off, Pecados Íntimos acerta em praticamente todos os quesitos. De minha parte, saí da sala de exibição trazendo o filme comigo, refazendo-o e montando-o na minha cabeça. Hoje, continuo com os personagens vivos na minha mente, e a cada nova reflexão, me surpreendo ao encontrar outras camadas de interpretação. Filme bom é assim, sempre se auto-renovando. Talvez o principal mérito de Pecados Íntimos esteja na construção dramática de seus personagens. As ações de Sarah e Brad, certas ou erradas, são coerentes com os respectivos sentimentos ao longo da trama. Não há pressa. Não há exageros. Nada soa forçado. Por mais reprovável e injustificável que seja, o adultério cometido pelos dois protagonistas surge como uma conduta perfeitamente compreensível no contexto da história. Por sua vez, a reação nada romântica de Ronnie ao final de um primeiro encontro amoroso, é por nós aceita como plenamente possível diante do momento dramático do personagem. Roteiro bom é isso: timing é o segredo de tudo. Kate Winslet constrói uma Sarah que está nitidamente infeliz com sua vida. Ao mesmo tempo, demonstra inaptidão para o casamento e para a maternidade. Mestre em literatura inglesa, parece não fazer um uso produtivo do título. Passa o tempo isolada num quarto reservado só para suas coisas, ao qual nem mesmo a filha tem fácil acesso. Seu encontro com Brad no parque, de uma brincadeira com as amigas, ganha contorno eróticos quando ela descobre que seu marido transferiu sua atividade sexual para as mulheres virtuais da internet. É o sexo seguro dos tempos atuais: de um lado, não se contrai doenças transmissíveis; e de outro, experimenta-se, ainda que no imaginário, diversos parceiros sem necessariamente ser infiel ao casamento. O romance faz com que Sarah passe a rever seus próprios conceitos sobre o matrimônio e a busca da felicidade. Num sarau literário, ela comenta o livro Madame Bovary, de Flaubert. Para Sarah, as ações adúlteras da protagonista, até então vistas como reprováveis, são, agora, entendidas como reações naturais de uma mulher insatisfeita com os rumos da sua vida. Presa a um casamento infeliz, Emma Bovary tinha o pleno direito de encontrar a alegria e realização pessoal por outros meios, ainda que isso significasse a traição ao seu companheiro. Sarah, a Bovary dos tempos atuais, simboliza a mulher Século XXI, auto-suficiente, detentora de uma autonomia sobre suas próprias decisões e capaz de assumir as devidas responsabilidades. Na outra extremidade, o talentoso Patrick Wilson demonstra que não teve culpa naquela tragédia chamada O Fantasma da Ópera. Seu personagem é um imaturo até o último fio de cabelo. Desempregado e já reprovado por duas vezes no exame da ordem dos advogados, Brad parece ter se acostumado ao fracasso. Como uma criança cabulando aula, prefere acompanhar as manobras radicais de skates praticadas por adolescentes desconhecidos, em vez de se debruçar sobre os livros de direito. Enquanto isso, sua esposa Kathy (Jennifer Connelly) banca com dificuldades as contas da casa trabalhando como documentarista. Brad sente-se nitidamente inferiorizado em relação à mulher. É ela que assume a função – normalmente masculina – de provedora do casal. Além disso, Brad percebe que a esposa revela prazer em seu ofício, sentimento que a advocacia parece não lhe despertar. Por fim, sua condição de marido e de homem é colocada em xeque quando Kathy passa permitir a presença do filho no leito conjugal com uma freqüência cada vez maior. Colocado em segundo plano como objeto de desejo sexual da própria mulher, Brad tem que buscar a auto-afirmação perdida em outro lugar. Retrato do homem contemporâneo – ou talvez do homem em qualquer momento no tempo – ele preenche o vazio da sua vida iniciando um romance com Sarah. Mesmo perdendo de longe numa comparação estética com sua mulher, Brad consegue erotizar sua amante e daí extrair um novo oxigênio para sua vida. A necessidade inconsciente de Brad em ser aceito por terceiros, o leva a integrar-se a um grupo de policiais da comunidade, praticantes de futebol amador. Ao ingressar naquele pequeno gueto, Brad sente como se tivesse comprado um bilhete só de ida para o mundo adulto. O jogo é violento. Os jogadores, visto como uns brutamontes, se arrebentam uns aos outros. Todd Field os filme como verdadeiros leões, quase primatas, reis de uma selva materializada num campo de jogo. Ainda assim, mesmo combalidos, todos saem felizes e satisfeitos com os próprios desempenhos, prontos para entrar no primeiro bar e continuar o papo ao sabor de uma cerveja. Field parece querer mostrar que a saciedade dos homens ao sair do campo de jogo é inclusive sexual. Os touch-downs são a própria metáfora do orgasmo. Sua mensagem é a de que o homem de hoje sente-se mais à vontade em exibir seu lado masculino ao lado de outros homens. A virilidade é exteriorizada dentro dos chamados clubes do bolinha, e não em casa, entre quatro paredes, ao lado das esposas, por quem esta conduta é esperada e, mais que isso, desejada. Teria o homem moderno tanto receio – ou quem sabe vergonha – de se desnudar na frente de suas próprias mulheres, mais independentes e auto-suficiente do que nunca? Os casamentos atuais se baseariam mais no medo do que no amor? O diretor não dá a resposta, mas é possível inferi-la na figura do treinador dos times de futebol. Sentado sobre uma cadeira de rodas, ele é o símbolo da impotência e a dificuldade masculina em lidar com esta situação. Por mais destaque que o roteiro dê ao romance entre Sarah e Brad, o personagem resume a essência da obra é o de Ronnie. O ator Jack Earle Haley sai de uma reclusão aparentemente voluntária (ele foi um dos garotos do time de beisebol, no sucesso Garotos em Ponto de Bala, lançado há mais de 30 anos e que tinha Walter Matthau e Tatum O´Neal nos papéis principais) para viver um pedófilo, filho de uma mãe extremamente castradora. Adulto de direito e adolescente de fato, Ronnie, após ganhar a liberdade, tenta reiniciar sua caminhada. Para tanto, sua mãe providencia a publicação de anúncios para encontros amorosos, descrevendo as características do filho. A idéia dá certo em parte. A personalidade deturpada de Ronnie é mais forte, arraigada que está numa infância que talvez tenha sido vivida mais pela mãe do que por ele mesmo. A piscopatia de Ronnie e o perigo que ela representa perante a comunidade, serve para que os personagens se sintam menos culpados pelas suas próprias neuroses. Visto como uma verdadeira aberração da natureza, as pessoas transferem a ele todo o mal existente no ser humano. Esquecem-se de olhar para o espelho, onde veriam refletidos seus próprios pecados. A seqüência da piscina, na qual Ronnie é expurgado daquele meio social como um vírus mortal, diz tudo e mais um pouco. Por melhor que seja título nacional, teria sido melhor manter o original. Quem são as verdadeiras criancinhas? Seria Ronnie, o adulto infantilizado pela mãe dominadora? Seria o casal Sarah e Brad, imaturos na forma como tentam resolver suas próprias fragilidades? Seriam as próprias crianças, assustadas com a ameaça de um psicopata na casa ao lado? Seriam as três esposas do parque, que de tão fiéis à instituição do casamento, praticam sexo com hora marcada e nem percebem que o parceiro adormece durante o ato? Na verdade, as criancinhas somos todos nós, imediatistas, egocêntricas, inimputáveis, irresponsáveis pelos próprios atos. Tudo em nome de uma incessante luta pelo crescimento e afeto do próximo. Amadurecer requer um pouco mais trabalho e dedicação do que se pode imaginar. 8/10 Régis Trigo. http://cineplayers.com/critica.php?id=926

os que eu vi, em ordem de preferência: 01. O Rei Leão (Roger Allers/Rob Minkoff) - 9,0 02. A Bela e a Fera (Gary Trousdale/Kirk Wise) - 9,0 03. Branca de Neve e os Sete Anões (David Hand) - 8,0 04. Aladdin (Ron Clements/John Musker) - 8,0 05. Bambi (David Hand) - 8,0 06. Fantasia (James Algar/Samuel Armstrong/Ford Beebe) - 8,0 07. Mogli - O Menino Lobo (Wolfgang Reitherman) - 8,0 08. O Cão e a Raposa (Ted Berman/Richard Rich) - 6,0

ah, poucos vai: 01. Pecados Íntimos (Todd Field) - 8,0 02. A Rainha (Stephen Frears) - 6,0 03. Apocalypto (Mel Gibson) - 6,0 04. À Procura da Felicidade (Gabriele Muccino) - 6,0 05. Babel (Alejandro González Iñárritu) - 6,0 06. Diamante de Sangue (Edward Zwick) - 5,0 07. Dreamgirls - Em Busca de um Sonho (Bill Condon) - 4,0Naomi Watts2007-02-25 17:46:28

na verdade é o contrário, ..., felizmente ou infelizmente? até hj ainda não cheguei a uma conclusão definitiva algumas vezes sim e algumas vezes não... hm, vamos aos exemplos... Reese Witherspoon ano passado, ela vinha de "filmes bobos" assim como Will Smith e recebeu o Oscar pela sua atuação ou vc acha que ela recebeu o Oscar pela sua carreira (Legalmente Loira 1 e 2 e Doce Lar) ??

gostei dessa Naomi Watts2007-02-12 13:59:28

O___O é, mais é uma pergunta meio complexa de quem teve muita imaginação . outro filme que isso acontece que lembrei agora é em O Império (do Besteirol) Contra-ataca, Ben Affleck fala de si mesmo no filme. mais em filmes como O Jogador existem atores/diretores interpretando a si mesmos em várias cenas e tal...Naomi Watts2007-02-11 21:47:51

WTF? WTF²?Naomi Watts2007-02-11 21:41:01