Fernando
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Auf Der Anderen Seite
Passou ontem na motra competitiva com boa receptividade o filme Auf Der Anderen Seite (em inglês, Edge of Heaven, À Beira do Paraíso), do alemão de origem turca Fatih Akin. Há três anos, Akin ganhou o Urso de Ouro no Festival de Berlim com Contra a Parede. Mais uma vez, o cinema europeu reflete a questão das fronteiras e das diferenças entre culturas e países, entre o rico e o pobre, algo visto na segunda-feira na produção austríaca Import Export, de Ulrich Seidl, também competição.
Akin faz um filme de enorme coração, analisando as relações íntimas que unem alemães e turcos. Como no filme de Seidl, há duas histórias paralelas. Ali (Tuncel Kurtiz) é um alemão de origem turca, professor universitário sem muita convicção. Seu pai apaixona-se por Ayten (Nurgul Yesilkay), uma prostituta que não vê Yeter (Nursel Kose), a filha de 27 anos, há muito tempo. A paixão do pai por Ayten acaba tragicamente, deixando o filho dele, Ali, com o desejo moral de procurar a filha em Istanbul, e tentar garantir algum futuro para a garota.
Paralelamente, Lotte (Patrycia Ziolkowska), uma estudante alemã, conhece Yeter, que fugiu da Turquia por causa de problemas politicos. Lotte leva a turca para dentro de casa, sob a compreensiva observação da mãe de Lotte, Susanne (Hanna Schygulla). As meninas apaixonam-se e Lotte terá que
lidar com a deportação de Yeter de volta para o seu país.
Não deixa de ser maravilhoso observar que, num país tão marcado historicamente pelo ódio às diferenças, surja um filme feito por um imigrante turco que relate uma Alemanha tão mãe. A personagem de Schygulla (atriz maravilhosa, veterana de Fassbinder) parece simbolizar a Alemanha de hoje, compreensiva, experiente e dona de um coração aberto que parece ter lugar para muitos.
Links: Import Export
Contra a Parede
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Import Export (Cannes 2007)
Import Export não ficaria deslocado numa sessão dupla miserável com Baixio das Bestas, o filme pernambucano de Claudio Assis.
No filme de Seidl, um olhar brutamontes sobre a miséria social e humana na Europa, promove-se uma troca de lugares entre uma ucraniana que vai para Viena tentar ganhar a vida como babá e faxineira, e um jovem austríaco, aprendiz de segurança, que vai à Ucrânia tentar trabalho, fugindo de uma vida sem perspectivas em casa. Os dois personagens, ambos jovens, não se relacionam durante o filme, que é claramente dividido em duas partes que correm paralelas.
Eidl, cujo filme anterior, Dogdays, passou no circuito internacional de festivais na temporada 2002/2003 (não teve distribuição brasileira) era um retrato dantesco de um universo austríaco humano de classe media, perdida em perversões sexuais, parece ter melhorado um pouco. Sua personagem principal, Olga (Ekaterina Rak), mãe solteira que deixa o filho pequeno com a mãe, inspira nossa total simpatia, e as dores dela são as nossas.
Trabalhando num asilo para idosos, há muita humanidade nessa garota que, antes de abandonar seu país, tentou um emprego num site de pornografia. Os problemas do filme começam quando Seidl engata a sua marcha perversa ao mostrar um prazer/desejo peculiar em escancarar a miséria humana, aumentada via sua preferência de trabalhar com não atores. A linha que separa o documentário da ficção nesse filme é realmente muito tênue. Especialmente questionável é a utilização de idosos em estado vegetativo ou terminal, no asilo real, ao que parece inconscientes de que estão num filme.
A viagem de Paul (Paul Hoffmann) à Ucrânia na companhia do seu padrasto canalha num caminhão (vão entregar máquinas ultrapassadas de videopoker, "só o melhor para os russos") também é estranhamente repelente. Fazem um tour por alguns dos piores bairros do leste europeu, passando pela Eslováquia e entrando na Ucrânia, restos decrépitos de moradias soviéticas, uma delas especialmente assustadora que faz qualquer favela brasileira parecer um lugar bem mais humano. E é frio, Seidl fez questão de filmar tudo isso gelado e inóspito em dois invernos (2005/2006).
Na marca dos 90 minutos, qualquer tentativa de respeitar o filme esvai-se numa longa sequência em que padrasto e enteado humilham uma prostituta (provavelmente verdadeira), e o espectador começa a suspeitar que o diretor parece estranhamente interessado na cena. As semelhanças com Baixio acabam aí, pois Seidl partiu para fazer um documentário ficcionalizado com a sua visão de mundo, enquanto Assis fez um retrato claramente fabricado da sua visão de mundo.
Links: Baixio das Bestas
A Beira do Paraíso
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O Homem de Londres (Cannes 2007)
Eu não lembro de ter visto um filme tão lento e enlouquecedoramente monótono em toda a minha vida como The Man From London (O Homem de Londres), do húngaro Béla Tarr. Também na competição, passou terça à noite e viu a maior debandada até agora esse ano da sala, que sempre vem acompanhada do sinistro ruído das cadeiras, que batem nos encostos toda vez que alguém as deixa. E, claro, não estamos contando os que fizeram da Debussy um dormitório. Curiosamente, este que vos escreve não dormiu, talvez estimulado pela vontade mórbida de ver aonde aquilo ia dar.
Com duas horas e 20 minutos que passam como sete horas e 80 minutos, The Man From London poderia ser exibido para franco atiradores em tropas de elite no mundo inteiro como teste de atenção e paciência. Depois de meia hora sendo testado, comecei a desenvolver passatempos como cronometrar a duração de qualquer um dos planos. Uma porta, por exemplo, é trancada e permanecemos um minuto e dez segundos olhando para a mesma. Dois minutos e 30 vendo um homem comendo de costas. Quando o plano não é fixo, a câmera está muito lentamente tentando chegar a algum lugar, de uma luminária de teto até vermos a sala, a imagem leva 45 segundos para baixar. Hmm.
Para dar algum crédito a Tarr, não há dúvida de que ele fez um filme como nenhum outro, e que a repetição faz parte de uma trama que envolve culpa, morte e dor à beira de um mar europeu. As atuações (Tilda Swinton dublada em húngaro é uma das inúmeras excentricidades) que parecem querer destituir Robert Bresson do seu estilo bressoniano chamam a atenção pela estilização total do ator e da idéia de drama. Um rosto chora não pela face em si, mas apenas pelos olhos. De qualquer forma, a experiência completa de ver esse filme nos leva perdidos aos pântanos da visão torturante de um cinema que ainda vem acompanhado de uma partitura musical enervante (re-re-re-re-re-repetitiva), Tarr reforça a sensação de estarmos vendo uma piscina olímpica sendo enchida com uma xícara. -
Fox vai distribuir novo filme de Zé do CaixãoDeu na Variety, a mais importante revista da indústria, que a Fox vai distribuir no Brasil e em Portugal o novo filme de Zé do Caixão, Encarnação do Demônio, acordo fehado em Cannes. Este é seu primeiro longa em 28 anos, e fecha a trilogia até agora inacabada composta pelos hoje clássicos (pouco apreciados no Brasil, onde filme de horror é ainda mais desrespeitado do que em outros países) À Meia-Noite Levarei Tua Alma e Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver. Encarnação é uma produção da Gullane Filmes e Olhos de Cão. Zé do Caixão precedido pela vinheta da Fox, mundo estranho.
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Minha lista :Fernando2007-05-28 15:20:331- A Dama de Shanghai (Orson Welles , 1948)2- Pacto de Sangue ( Billy Wilder , 1944)3- O Grande Ditador (Charles Chaplin , 1940)4- As Vinhas da Ira (John Ford , 1940)5- Festim Diabólico ( Alfred Hitchcock , 1948)6- Cidadão Kane (Orson Welles , 1941)7- Amar Foi Minha Ruína ( John M.Stahl , 1945)8- Núpcias de Escândalo (George Cukor , 1940)9- Rebecca - A Mulher Inesquecível (Alfred Hitchcock , 1940)10 - Gilda ( Charles Vidor , 1946)Menções honrosas :Laura (Otto Preminger , 1944)O Terceiro Homem ( Carol Reed , 1949)A Grande Ilusão ( Robert Rossen , 1949)Agora Seremos Felizes (Vincente Minnelli , 1944)Paixão de Fortes (John Ford , 1946)Rio Vermelho ( Howard Hawks , 1948)Jejum de Amor ( Howard Hawks , 1940)Fúria Sanguinária (Raoul Walsh , 1949)O Tesouro de Sierra Madre (John Huston , 1948)A Felicidade Não Se Compra (Frank Capra , 1946)
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Coletiva Death proof (Cannes 2007)"Para alguém como eu que já tem uma Palma de Ouro em casa, ver a lista de quem já ganhou me enche de orgulho. Agora, existe uma outra coisa capaz de me encher ainda mais de orgulho: ver a lista dos que nunca ganharam", disse ontem Quentin Tarantino na coletiva de imprensa do seu filme Death Proof (no Brasil, À Prova de Morte, na França, Boulevard de la Mort), tentando estabelecer sua relação com o Festival de Cannes. Com jeito e postura de super star, Tarantino chegou à coletiva com Kurt Russell, Rosario Dawson, Rosie McGowan e Zoe Bell. O chefão da Weinstein Company (ex-Miramax), Harvey Weinstein, e o amigo e colaborador do projeto Grindhouse, Robert Rodriguez, ficaram ali no cantinho acompanhando a conversa com jornalistas.
"O ponto alto de toda a minha vida foi ter sido respeitado nesse festival. Quando eu era criança e via a marquinha da Palma nos cartazes dos filmes, eu não tinha nem a noção do que seria um festival de cinema, mas já imaginava que Cannes deveria ser muito importante, um tipo de olimpo do cinema. Eu, inclusive, proibo meus atores de ver os filmes antes, pois eles têm que vê-los no Palais, em Cannes", continuou.
Tarantino discutiu as diferenças entre a versão do seu Death Proof lançada nos EUA, e esta versão mais longa que irá para o mercado internacional. "No Grindhouse original, quando meu filme começa a platéia já viu 95 minutos de filme, portanto, a primeira cena com as meninas no carro é bem mais curta. Agora, tenho mais tempo de apresentar as personagens como eu queria".
Ele falou também de uma cena que no original era cortada abruptamente como se a cópia estivesse faltando um pedaço, uma dança erótica que Stuntman Mike ganha de presented a personagem de McGowan. "Fora dos EUA, a dança passa inteira, os americanos não lidam muito bem com esse tipo de coisa", disse. Por outro lado, eu gostava de torturar a platéia com a promessa de uma dança erótica - lap dancing - e negar o desejo, sempre rolava um "Ahhhhhhhhhh. Tarantino filho da puta".
Kurt Russell levou a conversa para um lado claramente azêdo ao dar a sua opinião, dizendo, "eu preciso deixar claro que, para mim, é lamentável que os filmes sejam separados, porque ver Planet Terror e Death Proof juntos, numa sessão única, era uma experiência indescritível sem concorrência no mundo do cinema. Eu ainda não vi o Death Proof sozinho, mas lamento muito".
Harvey Weinstein pediu a palavra para vender o filme bem, que é a melhor coisa que ele sabe fazer. "Ao se liberar do Grindhouse, eu acho que cada filme ganha espaço e respiração. Tanto Robert como Quentin foram obrigados a cortar pedaços importantes para entrarem na sessão dupla. Death Proof é uma experiência totalmente diferente do filme anterior, e creio que o filme ganhou bastante nesse sentido. Estava semana passada na Inglaterra, onde inicialmente a imprensa me atacou muito por ter separado os filmes, mas depois de terem visto Death Proof, a reação é unânime de que a decisão foi a certa". Ele ainda adiantou que o Festival de Veneza está louco pelo filme.
Sobre a gênese da idéia de Death Proof, Tarantino disse que surgiu da vontade de fazer um slasher film, tipo assassino à solta. "Isso, claro, traz toda a bagagem da mulher forte que sempre foi muito presente no cinema B e exploitation. Nos anos 70, a única demonstração de força pelas mulheres estava no cinema B. Cadê que exitiu uma Pam Grier branca? Nos filmes de terror, nos slasher movies, a mulher era a que sobrevivia a tudo, de Massacre da Serra Elétrica a Halloween e Sexta-Feira 13. Tudo isso me interessa."
Perguntado sobre a sua capacidade de influenciar/estimular não apenas jovens cineastas, mas também a crítica, Tarantino definiu que "sempre quis fazer filmes que estimulassem gente como eu a fazer filmes". Lembra que ao ver filmes, ainda muito jovem, como Totalmente Selvagem (Something Wild), de Jonathan Demme, ou O Enigma do Outro Mundo (The Thing), de John Carpenter (apontando diretamente para Kurt Russell, do seu lado), ele entrava num transe que só dissipava depois de voltar e ver esses filmes mais três ou quatro vezes. "Esse era meu remédio".
Dawson interviu e relatou que Cães de Aluguel teve esse efeito sobre ela. Eu não cresci vendo filmes, cresci vendo televisão, mas tive a sorte de fazer Kids aos 15 anos de idade. Logo depois, meu pai chegou pra mim e me deu uma fita, "veja esse filme", e terminei vendo Cães de Aluguel sete vezes. Fiquei tão chapada vendo aquele filme, tão vidrada que posso afirmar hoje que foi ali que surgiu essa vontade de continuar trabalhando como atriz".
"Antes de fazer meus filmes, eu era tão pobre que mal tinha saído do condado de Los Angeles durante boa parte da minha vida. Com os meus filmes, e trabalhando com cinema, eu ganhei o meu passaporte para o cinema. Com Cães de Aluguel, eu virei cidadão do mundo, e tirei um ano inteiro só para viajar pelo mundo".
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"ô chris nolan ô' date=' ei fiu fiu, aqui mesmo cara, o coringa é a cleo pires mermao!"[/quote']A Bale é foda !
Vai que a Cléo Pires consegue uma carreira em Hollywood com essa dica ?!
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Também ainda não assisti ao filme , mas o texto é primoroso - o que já era de esperar do Silentio .
É , o slogan do Forasta é acertadíssimo : a melhor crítica do ano , tem aparecido a cada semana . O que confirma o Cineclube como o melhor tópico de todo o fórum .Fernando2007-05-23 11:45:59 -
Crítica do Cinemascópio para Death Proof :
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Death Proof (Cannes 2007)Saí agora da sessão do Death Proof, de Quentin Tarantino, que passou para uma Debussy especialmente lotada, mostra competitiva. Bom começar dizendo que é fantástico passar por uma descarga elétrica de cinema desse tipo, e também tão rara. Se a obra de Tarantino tem uma carga toda especial de eloquência, até agora ele não havia se dedicado especificamente ao gênero "ação", e, em tratando-se de Tarantino, ele parece entender que a palavra significa movimento, deslocamento, solavanco e ruído. Efeito sobre a platéia indescritível, o que me leva a crer que o objetivo do projeto Grindhouse (resgatar a experiência comunal do cinemaFernando2007-05-21 21:28:59
foi amplamente atingida, não apenas no sentido cerebral e conceitual, mas especialmente de maneira visceral.
Esse efeito de empolgação da experiência de cinema é algo que ilustra alguns dos temas discutidos em Cannes desde que o festival começou, seja no alarde de "uma revolução na imagem de cinema o futuro" trazido pelos responsáveis por U2 3D, exibido sábado, ou a afirmação via Cronenberg de que "o cinema acabou", defendido no seu curta do projeto Chacun Son Cinèma que traz 35 filmes dedicados a pensar sobre a própria experiência de ir ao cinema. Curioso que dois dias depois de ver a demonstração cristalina do que seria a imagem asséptica do futuro em U2 3D, passa Death Proof com suas apaixonadas piscadelas de olho para uma experiência cinematográfica ótica-analógica, com pulos na cópia, riscos, pedaços errados de celulóide e trechos de cópia refeitos em laboratório para substituir estragos perdidos. Viva a diversidade.
Eu tinha previsto com amigos, e acertei, a organização escolheu o curta do Lars Von Trier para o Chacun Son Cinema, para abrir a sessão do Death Proof, e a combinação foi devidamente aplaudida. Os dois filmes, de maneiras muito semelhantes, parecem defender violentamente a experiência do ir ao cinema.
O que me chama a atenção particularmente nesse novo Tarantino é o tema recorrente do poder das fêmeas. Mais uma vez (Jackie Brown; Kill Bill), a mulher é força da natureza, e Tarantino não apenas parece celebrá-las via fetiches generalizados que situam o filme como tendo sido feito por um macho (bunda, pezinhos), mas a coisa vai ficando mais sofisticada além da punheta visual básica (nada contra) quando vemos que Death Proof é todo construído em cima do lero de meninas.
Me parece quase bizarro que um cineasta que surgiu com Cães de Aluguel, filme que sugeria algo não muito longe do homo com total ausência de mulheres e uma camaradagem de caserna que oferecia espaço para ambiguidades, firme-se cada vez mais como um fã totalmente devoto do poder que as mulheres têm. Em Death Proof, ele atinge níveis Almodovar de feminilidade, mas sem nunca perder o ponto de vista interessado de um homem.
Tarantino construiu seu filme em torno de dois grupos de mulheres, ambos lindamente delineados com o tipo de investimento em construção e diálogos que a grande maioria dos filmes não têm interesse de fazer, ou capacidade para construir. São quilômetros de diálogos sobre homens, moda, maconha, álcool, paquera, namoro, sexo, e as atrizes seguram a onda nesse lero maravilha. Numa discussao sobre andar ou não armado, uma delas manda "Você sabe o que acontece com quem usa faca pra se defender? Leva tiro" - é uma das pquenas jóias.
De longe, os dois grupos (o primeiro no lado A do filme, o segundo no lado são observados por um predador chamado Stuntman Mike (Kurt Russell) que usa como arma letal um carro preto todo preparado para o trabalho em cinema. Protegido dentro de uma cixa de aço, Stuntman Mike considera o carango "à prova de morte", e as citações a filmes pouco conhecidos dos anos 70, para mim clássicos não exatamnte de cinemas de segunda categoria, mas do Corujão da Globo, tipo Corrida Contra o Destino (Vanishing Point), sao constantes. Stuntman Mike diz também que trabalhou em Vega$, seriado do final dos anos 70 e início dos 80, acrescentando sabor delicioso de verdade. Quem mais lembraria de Vega$, exibido na Globo, acho que nas quartas-feiras?
E Tarantino, dominando totalmente a languagem, leva o filme do longo lero ao filme de horror e ação num tempo espetacularmente curto. A perseguição, tortura automobilística e grotesca execução do primeiro grupo de mulheres é desagradável e pavorosa, e totalmente coerente com o espírito do filme, do cinema irresponsável de exploitation que simplesmente nao é feito mais. Eu só lamento que Tarantino não tenha feito qualquer referência a dois filmes essenciais do tipo, os dois primeiros Mad Max australianos, de George Miller, embora a ferocidade filmada de Death Proof só encontre parceiros à altura nesses dois.
Quando vamos para o segundo grupo de meninas, numa ação que se passa 14 meses depois do primeiro incidente, Death Proof estabelece magistralmente a idéia de "pay off", e o filme, o espectador e as mulheres vão à forra espetacularmente. Acontece que Stuntman Mike tem o azar de ir mexer com quatro meninas que trabalham com cinema, no Tenessee, em locação fazendo um filme, todas de folga. Duas delas, alias, também são dublês e logo o jogo vira rumo a um final sensacional que descarrega energia incomum de agressividade visual, nonsense de primeira categoria e perfeito senso de diversão. Bravo!
Filme visto na Debussy, Cannes, Maio 2007
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Paranoid Park (Cannes 2007)Fernando2007-05-21 21:26:13
Por Kleber Mendonça Filho
Acabo de sair do Paranoid Park, do Gus Van Sant, e na inha opinião ele se supera. Elephant visto agora seria uma experiência de erro e acerto, Last Days uma experiência radical mais segura e esse novo filme o formato bem desenvolvido e, ao que parece, no ponto. Super bom.
O Americano, Palma de Ouro 2003 por Elefante e que esteve na competição com Last Days em 2005, apresentou Paranoid Park, mais um de uma série de filmes sobre jovens, rodados com não-atores, e com resultados empolgantes. Van Sant vem fazendo um cinema sofisticado e de coração aberto para os adolescentes e este filme enfoca skatistas de Portland, Oregon, cidade natal do diretor. Feito com dinheiro francês, aponta para um autor americano trabalhando bem longe das rédeas de Hollywood, onde já obteve enorme sucesso com filmes como Gênio Indomável (1997), com Matt Damon e Ben Affleck.
Narrado em tom constante de sonho, utilizando super8, cameras lentas imprevistas e música de Nino Rota (colaborador de Fellini), o filme acompanha o misterioso envolvimento de Alex, um garoto, na morte de um vigia do parque titular. Vendo o filme, e colocando-o numa obra recente que inclui alguns dos outros acima citados, percebe-se uma série de obras com olhar incomum sobre a adolescência, com a escrita inconfundível de um diretor que está fazendo um cinema que passa ao largo do tipo de coisa feita para os multiplexes do mundo. Filme parece ter a lógica e o torpor da juventude, fazendo de Van Sant um dos cineastas americanos mais curiosos do cenário atual.
Links: Elephant
Last Days
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A Mighty Heart (Cannes 2007)
Também ontem o glamourômetro de Cannes subiu alguns graus com a projeção de A Mighty Heart, do operário padrão SESC do cinema mundial, Michael Winterbottom. Angelina Jolie é a estrela do filme, que dramatiza o triste fim do jornalista Daniel Pearl, do Wall Street Journal, sequestrado e executado cruelmente na frente de uma câmera de video em Janeiro de 2002, no Paquistão, por um grupo ligado ao Al Qaeda.
Filmado como um documentário, estilo que Winterbottom vem aperfeiçoando em filmes como A Festa Nunca Termina e Caminho Para Guantanamo, A Mighty Heart automaticamente, finda a sessão, iniciou os trabalhos rumo ao Oscar 2008, com Jolie sendo apontada como candidata desde já. Ela interpreta Mariane, a esposa francesa de Pearl, que estava grávida dele quando o marido foi morto, apontado como espião da CIA. O fato de ser judeu também não ajudou, vítima de uma operação cuidadosamente planejada. O filme adapta o livro de Mariane de mesmo título. Resultado é sóbrio e competente dentro desse cinema de reconstituiçoes históricas pós-11 e setembro.
Links: A Festa Nunca Termina
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Eu sou fã da Nicole Kidman , sempre a considerei belíssima e muito talentosa : do nível de uma estrela da Hollywood clássica . No entanto , duas coisas vêm me preocupando : a obsessão com botox e os filmes que têm sido escolhas equivocadas .
Eu sempre torço por ela e espero que se recupere , pois ainda sou fã dela .Fernando2007-05-21 12:43:45 -
Sicko (Cannes 2007)
Por Kleber Mendonça FilhoFernando2007-05-21 08:02:56
O novo documentário de Michael Moore, Sicko, teve première mundial no sábado, em Cannes, atraindo enorme atenção da imprensa internacional. Moore, um imã de controvérsia e um estrategista hábil aliou-se nos seus últimos filmes aos irmãos Bob e Harvey Weinstein, ex-Miramax, agora à frente da Weinstein Company. É como casar fogo com gasolina. Os Weinsteins, que saíram da Miramax (empresa deles, mas vendida à Disney) por causa da controvérsia em torno de Fahrenheit 911, filme que a Disney não queria lançar, vão distribuir Sicko internacionalmente, com lançamento previsto para os EUA no final de junho. Sicko terá ainda longa quilometragem de mídia, uma radiografia demolidora do sistema desumano de saúde nos EUA.
Na verdade, a quilometragem já começou a contar semanas antes da projeção de Sicko em Cannes. Já amplamente divulgado na imprensa, Moore está sendo investigado pelo Departamento do Tesouro do governo dos EUA por ter, supostamente, quebrado o embargo comercial a Cuba, numa sequência importante do filme. Depois de levar sobreviventes do massacre em Columbine numa loja da Wal Mart para comprar munição (em Tiros em Columbine), desta vez ele leva um grupo de trabalhadores que sacrificaram suas saúdes durante o trabalho de resgate e limpeza do que sobrou do World Trade Center, nos meses que sucederam o 11 de setembro, para tratamento em Cuba, onde saúde é gratuita. "Segundo a ONS, cubanos vivem um ano a mais do que americanos", informa Moore.
Desconsiderados pelo governo dos EUA pelo fato de que o trabalho nas ruínas do WTC foi voluntário (não faziam parte do quadro municipal ou federal), e movidos pelo patriotismo, esses heróis do 11 de setembro desenvolveram problemas respiratórios depois de semanas de exposição contínua a gases tóxicos. Em Cuba, o grupo é tratado gratuitamente. É talvez a maior provocação de Moore neste filme, que pode ser considerado relativamente sóbrio em relação aos seus outros.
Abrindo o filme com mais uma trapalhada de George W. Bush na frente das cameras, achada pela hábil equipe de pesquisa de Moore - "espero que ginecologistas ao redor do país mostrem o amor que têm pelas mulheres", diz Bush, sorridente, a um grupo de médicos -, Sicko ilustra o seu ponto de vista sobre um sistema que, como no Brasil, lucra com a necessidade básica de todo o ser humano em sociedade, a de cuidar da saúde. Sicko, aliás, será visto no Brasil com especial ranger de dentes, o que, mais uma vez, nos leva a pensar no porquê da total inexistência de uma obra com esse teor crítico na mídia brasileira.
Moore explica o lobby anti-saúde no congresso Americano, protegio a ferro e fogo pelas grandes empresas seguradoras, inclusive dando nome a uma dezena de politicos. Moore ainda põe etiquetas com preços em cada um deles. Hilary Clinton, que tentou no governo do marido empurrar um sistema forte de saúde, foi derrubada pelo lobby, mas, sugere Moore, sua atual vida política rumo à presidência vem sendo fartamente recompensada por aquele fracasso.
Com causos perfeitamente ilustrativos como o do homem sem seguro de saúde que perdeu dois dedos numa serra, e foi obrigado a escolher qual o dedo que seria reimplantado (só tinha dinheiro para um), Moore, investiga, na verdade, a América que paga uma fortuna por um plano e, mesmo assim, não é servida humanamente. Com depoimentos de ex-funcionários de grandes empresas, entendemos que a noção de lucro está diretamente relacionada à negação do atendimento.
Como em Tiros em Columbine, Moore vai ao Canadá mostrar que canadenses não pagam nada num sistema de saúde socializado. Vai também à Inglaterra e à França, que têm seus sistemas elogiadíssimos. Num hospital de Londres, Moore prega peça típica sua, saindo à procura de algum lugar com caixa registradora - "deve entrar dinheiro aqui, de alguma forma, não é possível" -. Acha uma, mas dessa caixa não entra dinheiro, apenas sai, pois o governo paga o transporte dos que tiveram alta, caso não tenham como voltar para casa.
Na coletiva de imprensa, Moore, super articulado, neutralizou a crítica de um jornalista de Toronto que acusou o filme de transformar o SUS canadense "numa coisa linda". "O sistema canadense não está entre os melhores do mundo, como o inglês ou o francês, é subfinanciado, mas lhe pergunto, você trocaria o seu sistema pelo americano?" O canadense respondeu "nunca", agradeceu e sentou-se.
Moore é atualmente o tema de pelo menos três documentários que o acusam de mentir e maquiar a realidade - Manufacturing Dissent (Fabricando a Discórdia) e Michael & Eu são dois deles). Qual sua reação a esse tipo de pedra na sua vidraça?
"Eu respondo lembrando que meus filmes trabalham com a verdade. Roger & Eu (1989) abordou a GM, se passaram quase 20 anos e a GM está praticamente falida. Tiros em Columbine abordou massacres na escolas e armas de fogo, e recentemente vimos que esse problema persiste piorado, Fahrenheit 911 questionou a Guerra do Iraque através de um governo fictício, mentiroso, e as coisas hoje comprovam ainda tudo isso. Trabalho com a verdade". K.M.F
Links: Fahrenheit 9/11
Tiros em Columbine
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U2 3D (Cannes 2007)
WHERE THE IMAGES HAVE NO NAMEFernando2007-05-21 08:02:35
Por Kleber Mendonça Filho
As pretensões pop do Festival de Cannes se concretizaram na noite do sábado em enorme estilo com um show surpresa da banda U2 nas escadarias do Palais des Festivals, com certeza um dos momentos mais inusitados já testemunhados por mim nesses nove anos de cobertura. O boato de que a super banda irlandesa se apresentaria antes da première mundial de meia noite do seu filme U2 3D começou a correr na tarde do sábado, estimulando uma multidão bem maior do que a normal para o tapete vermelho. Às 23h30, com o início da instalação de bateria, guitarra, baixo e microfones, o público começou a transformar a Croisette numa arena de rock.
Esperados no tapete por uma pequena multidão de celebridades em black-tie, a mais energizada delas o ator espanhol Javier Bardem, em Cannes com No Country For Old Men, dos Irmãos Coen, o U2 desembarcou dos carros diante de uma tempestade de flashes fotográficos, selando de vez a vocação pop do Festival de Cannes que, ao longo da sua história, recebeu de John Lennon a David Bowie, Michael Jackson e Madonna.
Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr. chegaram ao topo das escadas, assumiram os microfones e deram início a uma versão enérgica de Vertigo com a saudação de Bono para os 60 anos do festival com um bem pronunciado ""Bon Anniversaire, Cannes!!!". A segunda música do micro-show foi Where The Streets Have no Name, que gerou imagens históricas na Croisette, e ver os mundialmente mau humorados seguranças do festival tirando fotos e gritando a letra da música pode dar uma idéia do abalo U2 nessa noite de sábado. A sala de imprensa, com vista privilegiada da cena, também virou uma inesperada pista de dança.
O show, na verdade, ainda estaria por vir e aconteceria dentro do Grand Theatre Lumiere, a maior sala de Cannes, que exibiu U2 3D com lotação esgotada (capacidade três mil), de longe o ingresso mais cobiçado do dia. Na entrada, cada um dos espectadores recebeu um par de óculos estilo Woody Allen, com claras informações de que o mesmo não deveria ser usado como óculos de sol.
O sistema de projeção digital que vimos a seguir tem sido auto-promovido como uma revolução na imagem de cinema, e, de certa forma, há espaço para ficar impressionado. Exibido na tela gigante da Lumiere, e com som que não parecia ser de cinema, mas de show de rock em cristalino formato digital 5.1, U2 3D pode ser descrito como uma irresistível (para não fãs, os já convertidos irão se descabelar por completo), e também esquisitíssima janela aberta para dentro de um estádio repleto. Diferente de uma janela, no entanto, as imagens mudam com cortes! O efeito do terceira dimensão é presença constante, especiamente na espacialidade do show e sensação de distância entre cada integrante da banda. Em alguns planos, meninas montadas no ombro de namorados inspiram no espectador a vontade de gritar "SAI DA FRENTE!!!", tamanho o realismo que beira o bizarro.
Diferente do também empolgante U2 Rattle and Hum, lançado nos cinemas em 1988, que misturava documentário, entrevistas e a banda em ação, U2 3D é só música, traduzindo o show da turnê Vertigo (que passou pelo Brasil, ano passado). Pontos altos incluem Bullet the Blue Sky e The Fly, com perfeita integração de grafismos projetados como fundos, ou melhor, caindo do que mais parece ser dentro da sala. Ângulos de dentro da platéia, com milhares de braços erguidos na sua frente em efeito 3D, dão sensação desconcertante de estar no show, e não vendo um filme.
Essa experiência luxuosa em 3D configura-se atualmente como a grande aposta da indústria cinematográfica para o futuro da imagem. Sabe-se que o filme que fará o formato chegar aos cinemas do mundo em grande escala será o novo projeto do diretor James Cameron (Titanic), Avatar, que tem lançamento previsto para 2009. O filme do U2 chega com certo ar de pioneirismo, e deverá ajudar a divulgar a tecnologia quando do seu lançamento nos cinemas ainda esse ano. U2 3D funciona como uma demonstração empolgante e poderá cair como uma luva para os cerca de 700 cinemas nos EUA já equipados para apresentar o formato, e famintos por programação em 3D (ainda rara). No Brasil, atualmente, existem duas salas equipadas (uma no Rio, outra em Sao Paulo).
Na tarde do sábado, a co-diretora de U2 3D, Catherine Owens, e os produtores Sandy Climan e John Modell, se reuniram com jornalistas. Owens, que desde a turnê Pop Mart (1997) é a responsável pelo conteúdo audio-visual projetado nos telões gigantes de LED nos shows da banda, informou que a versão mostrada em Cannes é um aperitivo para o filme final de 80-90 minutos.
Perguntei a Owens se, como diretora, ela tomou procedimentos especiais para pensar o filme em 3D. "Por causa da sensibilidde das câmeras, precisamos baixar um pouco o nível de luminosidade dos telões. Por eu conhecer um show do U2 tão bem, diria que tinha já uma boa idéia do que filmar. A própria arquitetura do palco fala por si só, e o filme é uma combinação de material captado na Cidade do México, Buenos Aires, Santiago do Chile e São Paulo. No Brasil, rodamos planos dos lados direito e esquerdo do palco, na Cidade do México ao fundo da platéia, em Buenos Aires ângulos altos e m Santiago um ângulo alto de Larry com a mono-bateria. A banda achou que registrar o filme na América Latina, onde a banda não ia há oito anos, seria garantia de shows maravilhosos".
Filme visto no Lumiere, Cannes, 19 Maio 2007 -
Nicole Kidman até se mostrou capaz de boas atuações' date=' mas agora acabou. Ela vai abandonar a carreira de atriz e se mudar para o museu de cera de Madame Tussaud.[/quote']É triste ler isso , mas é a pura verdade . Pelo menos , ela pode fazer um bom dinheiro , sendo a única boneca de cera viva do museu .
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Les Chansons D'Amour (Cannes 2007)
Por Kleber Mendonça FilhoFernando2007-05-19 15:09:56
Ano passado, a Quinzena dos Realizadores foi
encerrada com um filme que eu gostei bastante, Dans Paris,
de Christopher Honoré. Esse ano, o diretor foi promovido
para a competição da mostra official com Les Chansons
D'Amour, que passou na competição hoje de manhã. Não parece
ter empolgado muita gente, e o filme investe em mais um
formato musical onde, de repente, personagens começam a
cantar para externar suas dores, felicidades e observações
sobre a vida. A música termina tendo papel irrelevante no
filme, que desenvolve personagens e situações com o bom e
velho diálogo entre as pessoas, em situações naturais. Pouco
inspirador esse filme, uma aliga crítica espanhola pôs a pá
de cal em cima associando-o ao espanhol Do Outro Lado da
Cama. Louis Garrel, incorporando claramente Jean Pierre
Léaud sempre sob o comando de Honoré (em Dans Paris,
especialmente), sempre um ator de interesse.
Links: Dans Paris
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No Country For Old Men ( Cannes 2007)
Saí agora há pouco do novo filme dos Irmãos Coen, No Country For Old Men, que está na competição. Detesto essas comparações fáceis, mas o tempo é curto, esse espaço wi-fi da Orange (Palais des Festivals) fecha em 35 minutos, e quero facilitar referenciando Fargo, lançado há 11 anos.
Desde aquela época que os Coen não tinham feito algo tão malvado, violento e molhado de sangue. Como vocês que conhecem a marca dos irmãos bem sabem, eles têm esse talento para rascunhar histórias caricaturais, com personagens caricaturais que falam muito bem e funcionam como arquétipos.
O grande destaque nesse aqui é Javier Bardem como uma besta do apocalypse chamado - ahem - Chigurh, que um dos personagens logo pergunta, "sugar??!!". Doce essa figura não é, o monstrinho é capaz de estrangular um policial ao ponto de deixar o chão parecido com uma pista de pouso (vítima debate-se e risca o piso butalmente), ou também identificável como vilão pela capacidade que Chigurh tem de usar uma bomba de ar como arma mortal. A presença de Bardem, ator geralmente tido como de presença masculina forte, emula um maluco beleza que mistura The Terminator com capacidade oral e verbal capaz de soletrar ameaças via peculiar escrita Coen, afinada como sempre.
Ele vem atrás de um dinheiro grande achado no que mais parece um pequeno cemitério no meio do deserto texano, com 6 cadáveres trucidados e deixados ao lado de carros abandonados. A coisa mais próxima de um herói no filme é o outro com nome estranho, Llewelyn (Josh Brolin), ao que parece decendente de uma longa lista de ancestrais caubóis.
Curiosamente, filme se passa em 1980. Há também um xerife, Tommy Lee Jones, personagem irmão do seu outro caubói texano de Os 3 Enterros de Melquiades Estrada.
Os Coen sabem criar um inferno perfeitamente orquestrado, e longas sequências do filme transcorrem sem fala, uma em especial deixou a platéia gigante da Debussy totalmente petrificada, no silêncio. Quando os personagens abrem a boca, mais uma vez temos a esperança de que as legendas no Brasil façam justiça ao lero especial e muito engraçado desse filme que, surpreendentemente, dá uma guinada especial ao final e revela-se um comentário reflexivo sobre os EUA e seu histórico de violência. O filme de Cronenberg, bem longe dali, está também perto, de certa forma, assim como Os Três Enterros de Melquiades Estrada, mas tudo redimensionado para as especificações Coen.
Filme visto na Debussy, Cannes, maio 2007
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Savage Grace ( Cannes 2007)Bem mais desconcertante é o segundo título trazido pela Quinzena, exibido hoje à tarde. Savage Grace, do americano Tom Kalin, com mais um papel destemido da atriz Julianne Moore (Magnólia). Ela interpreta a personagem real Barbara Daly, que casou com herdeiro da indústria de plásticos e com ele teve um filho, Tony. O filme analisa a vida de uma família que nunca teve a preocupação de trabalhar para existir, e a existência que eles têm é marcada pelo ócio e a noção de que são seres especiais, mudando de endereços europeus ao longo de duas décadas (Londres. Majorca, Paris). Isso traz problemas a longo prazo.
Kalin fez um filme bem interessante nos anos 90, um dos poucos ttulos que permanecem de respeito de safras Sundance, Swoon, relato em preto e branco da historia real que havia inspirado Festim Diabolico (Rope), de Hitchcock.
No seu novo filme, a relação entre mãe e filho, em especial, irá ganhar contornos cada vez mais delicados, numa série de carências afetivas e sexuais que levam a uma incrível momento filmado onde o incesto ganha uma das suas imagens mais fortes e bem articuladas.
Essa parte de cima eu escrevi pouco depois de ter tido visto o filme, e agora retomo o texto jah tardao da noite e o filme passou por um processo maravilhoso de expansão. Melhora cada vez que penso nele.
Primeira coisa adoravel em Savage Grace: é claramente um filme barato, feito na marra e de época. "Paris" é apenas um plano timidamente aberto, e logo cortamos para interiors bem decorados e ajudados por uma fotografia afinada não apenas no sentido de luz, mas também (e principalmente) na mise en scene do Kalin. Vez ou outra, o filme me lembrou o franzino cinema brasileiro de época, que na falta de recursos, grana, etc, filma mirradinho e você percebe constrangido as deficiencies de produção.
Acontece que o filme de Kalin tem qualidades que fazem das suas visíveis dificuldades um charme e uma prova de que existe ali roteiro, conflitos humanos, diálogos significativos, e um elenco que defende o filme com os dentes, Moore, claro, sendo o destaque.
Toda vez que eu vejo essa mulher atuando eu lembro da cena de Magnólia onde ela pergunta ao atendente da farmácia se ele sabe o que é perder alguém, e ele já viu a morte na casa dele. Em Savage Grace, ela é bem definida pelo próprio filho como "histriônica" (a legenda francesa traduziu como "teatral"), uma socialite doidivanas que Moore nunca deixa que fiquemos totalmente irritados com ela, mas com ela.
Numa cena onde obriga o filho a ler um trecho de Justine, em francês (durante estadia em Paris), ela reverte o quadro soltando uma metralhadora formidável de impropérios que revelam a sempre comentada tensão entre europeus e americanos, que por mais ricos que sejam, estão sempre em situação de desvantagem cultural. Isso me fez lembrar de algo nas linhas de Tender is the Night, ou Great Gatsby.
O tom do filme traz também uma carga cinéfila deliciosa que parece honrar Douglas Sirk ou mesmo Sam Fuller. Talvez tenha me lembrado Fuller, em especial, por ser um filme barato, realizado por um cineasta de visão que filma em termos pessoais e fora do alcance do radar de Hollywood. Savage Grace é diferente de qualquer coisa que o cinema dos EUA está fazendo, e imagino a contovéersia que irá gerar quando lançado.
Logo depois da exibição, Moore participou de uma coletiva, onde disse que não pensou duas vezes em fazer o papel, "mas tenho que admitir que meu marido pensou sim". "Sempre me interesso por filmes onde o drama humano e a maneira como as pessoas lidam com dores e dificuldades de viver estão em destaque".
Filme visto no Noga Hilton, Cannes, 18 de maio 2007
Links: Magnolia
O Beijo Amargo
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Control ( Cannes 2007)
A Quinzena dos Realizadores teve sua abertura na
noite de quinta-feira em sessão super-ultra concorrida,
deixando cerca de 500 pessoas do lado de fora, que tiveram
que esperar a seguinte. O filme de abertura é o desde já
cult 2007 Control (Inglaterra), primeiro filme do peso
pesado da fotografia pop (capas de disco, diretor de
videoclipes) Anton Corbjin, colaborador, há três décadas, de
bandas como Depeche Mode, New Order, U2 e o próprio Joy
Division.
O lead singer do Joy Division, Ian Curtis, que matou-se em
1980 aos 23 anos, entrou para a história melancólica da
música pop. Control, de fato, é um relato correto e
objetivo, num adequado e previsível preto e branco, sobre o
jovem Curtis, poeta triste que deu cara especial ao pop inglês.
Curtis e o Joy Division já haviam sido dramatizados no super
bacana A Festa Nunca Termina (24 Hour Party People), filme
de Michael Winterbottom que passou na competição de Cannes
2002, sobre a cena musical de Manchester nos anos 70, 80 e
90. Desta vez o foco é estritamente em Curtis, sua
capacidade de escrever poemas sobre o que sentia, sua
alegria inicial com o relativo sucesso da banda e seu
casamento precoce com Debbie (Samantha Morton, outra vez
excelente), que foi sua namorada ainda na escola.
O filme lista os mesmos problemas de sempre dos que lidam
com a fama, em especial o momento que vê o fim da diversão e
o início da obrigação, em especial pelos fãs que exigem
presença e o culto àquela personalidade, aspectos
recorrentes nesse tipo de bio-filme sobre artistas (Pink
Floyd The Wall, etc). A fôrma é tão parecida que Control,
todo pop-sorumbático-britânico, lembra perfeitamente La Vie en Rose, o épico franco-barrôco sobre Edith Piaf que abriu
Berlim esse ano. Especialmente semelhante nos dois é a
suspeita do espectador de que a música hino dos referidos
artistas irá tocar no momento chave de sua vida e do filme.
De fato, Atmosphere, do Joy Diision, toca exatamente onde
você, fã e conhecedor do Joy Division imagina que ela irá tocar.
O filme, que investiga sem medo a confusão amorosa de Curtis
ao apaixonar-se por Annik, uma garota belga, na época em que
Debbie teve a única filha do casal, Nathalie, foi produzido
pela própria Debbie Curtis, e o roteiro adaptado do livro
que ela mesma escreveu sobre Ian. A atmosfera da Inglaterra
nos anos 70 e 1980 é perfeita, num filme afetivo e verdadeiro.
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Texto do site Cineweb :
Cannes decola nos sentimentos elaborados de Wong Kar-wai
Neusa BarbosaCannes – Os 60 anos do festival começaram com uma comemoração romântica, como convém à tradição que garante que os franceses estão entre os povos mais sedutores do mundo – ou assim diz o seu marketing, alimentado justamente pelo cinema, que aqui erigiu um de seus mais notáveis altares. Mas não se esqueça de que é de sentimentos intensos que se faz um bom romance. Foi essa justamente a matéria-prima do cineasta chinês Wong Kar-wai, abrindo a festa de Cannes com a première mundial de My Blueberry Nights.
Houve quem não gostasse na sessão de imprensa, na manhã desta quarta (16) – a sessão de gala, com direito ao tapete vermelho, só acontece à noite. Houve quem apontasse que não há novidades, ou que o grande diretor de Amor à Flor da Pele (2001) e 2046 (2004) pode estar se repetindo. Tudo é possível, assim como quem critica ter esquecido como é estar apaixonado e, com isto, ter perdido a senha para mergulhar no filme devidamente, ou seja, de coração aberto. Porque nem só de racionalidade cartesiana deve ser feita a crítica de cinema.
Aos fatos: há uma indiscutível novidade neste que é o primeiro filme em língua inglesa de Kar-wai e em que ele aposta justamente numa não-atriz, a cantora novaiorquina Norah Jones, como protagonista. Duas ousadias nada desprezíveis do cultuado diretor que em mais de um sentido abandonou seu território. Não esqueceu, porém, da gramática da dor e da perda, que no mundo cinematográfico que ele cria, governam os destinos humanos como deuses caprichosos e vorazes, devoradores de vidas e corações.
Há pelo menos uma outra tradição – embora aqui a palavra seja irônica – quebrada pelo cineasta neste 60º. Festival – o fato de que seu filme tenha chegado um dia antes de sua exibição, sem o estresse que costuma marcar sua chegada na Croisette. É fato conhecido que o perfeccionista Kar-wai fica montando e remontando seu trabalho até o último minuto, o que provocou, por exemplo, que 2046 chegasse a Cannes, onde concorria à Palma de Ouro em 2005, um dia depois do marcado para sua exibição, para horror dos programadores locais e de todos os envolvidos. Contam-se nos dedos os cineastas que ousam fazer isso, aqui ou em qualquer outro grande festival do mundo.
Muito bem-humorado, o próprio cineasta ironizou seu histórico neste quesito, quando comentou porque aceitou entrar na competição pela Palma de Ouro (o que nem sempre é o caso dos filmes de abertura): “Esta é mais uma mudança. Quase sempre meus filmes chegam no último minuto. Desta vez, cheguei um dia antes. Todo mundo ficou surpreso”, brincou o sorridente Kar-wai, arrancando risadas gerais.
Ele contou que foi a voz de Norah Jones, que ele nem conhecia pessoalmente, o que o atraiu para convidá-la a atuar – coisa que nem passava pela cabeça dela, como Norah admitiu na mesma coletiva. “Uma voz contém diversos personagens dentro dela, com diferentes histórias cada um”, descreveu Kar-wai, dentro do seu habitual estilo poético e compassado, nunca abandonando os óculos escuros em qualquer ambiente.
O diretor procurou mesmo não lembrar o público de que Norah é uma cantora – aliás, famosíssima e premiada com Grammys -, evitando colocar suas canções na trilha. Para embalar a jornada da personagem Elizabeth/Lizzie pelos EUA (Nova York, Memphis e Las Vegas), ele preferiu recorrer aos americaníssimos Otis Redding e Ry Cooder (que assina a trilha, aliás) e também ao tema principal de Amor à Flor da Pele, não como era tocado no longa, mas como foi repaginado para musicar um curta, inspirado em The Blueberry Nights, do escritor Lawrence Block, que devia ter entrado naquele longa, mas ficou de fora na montagem final.
My Blueberry Nights, este longa, veio daquele curta descartado e serviu à dupla vontade de Kar-wai de fazer um filme nos EUA e com Norah. Para ele, esta história serve à cantora-atriz. O diretor, que trabalhou diretamente com Block para montar o roteiro, estendeu geográfica e emocionalmente a história que, originalmente, se passa inteiramente de uma lanchonete (no filme, em Nova York, comandada por Jeremy, papel de Jude Law).
Para o cineasta, o filme “não é sobre a jornada, mas sobre a distância”. Pelo mesmo motivo, ele saiu de seu habitual figurino visual, escolhendo a amplidão do cinemascope. “Queria o máximo de espaço, porque ele te dá uma certa liberdade, você pode escolher”.
Cinematograficamente, mais do que essas paisagens americanas já tão visitadas antes – como pelo Wim Wenders de Paris, Texas -, My Blueberry Nights provavelmente será lembrado pelo beijo entre Norah Jones e Jude Law, que nasce aspirando seu lugar na história dos mais bonitos do cinema. Um posto que ele merece, mas será o público quem decidirá isso depois. Kar-wai acredita tanto na força dramática e emocional desse beijo que se deu ao luxo de entregá-lo na tela no mais absoluto silêncio, sem o apoio de uma única nota musical. Os diretores em geral deviam fazer mais isso – ter confiança no entendimento e na sensibilidade de quem assiste seu trabalho.
Não se deve deixar de mencionar, sob pena de uma grosseira injustiça, as participações inspiradas dos atores David Strathairn, como um policial alcoólatra e emocionalmente destruído, Rachel Weisz, como sua mulher, e Natalie Portman – arrasando os estereótipos que se possa ter construído sobre ela, encarnando Leslie, uma sexy e inveterada jogadora de pôquer, dentro de um figurino colorido e cafona, de cabelo curto e loiro.
O 60º. festival decola bem. Com amor, superação, reconstrução, convivência entre diferentes, inclusive de nacionalidades distintas. Está de bom tamanho no mundo conturbado e conservador em que nos coube viver. Mais visões do amor desembarcam por aqui nesta quinta (17), quando começam a desfilar os representantes brasileiros, como A Via Láctea, de Lina Chamie, dentro da programação da Semana da Crítica.
Fernando2007-05-18 21:10:47 -
É a recepção saiu morna , pois haviam grandes expectativas , principalmente ao histórico do diretor no Festival de Cannes . No entanto houveram elogios , à composição dos planos , à fotografia e às interpretações de Rachel Weisz, David Strathairn e Natalie Portman .
Em todo caso , eu gosto do diretor e dos atores . Espero que seja um bom filme , ainda está na lista dos mais aguardados por mim .
Fernando2007-05-18 21:04:05 -
18/05/2007 - 15h41Sombrio filme romeno empolga críticos de Cannes
Fernando2007-05-18 20:55:22Por Mike Collett-White e Bob Tourtellotte
CANNES (Reuters) - Um filme romeno ambientado perto do final da ditadura de Nicolae Ceausescu vem fazendo sucesso nesta fase inicial do Festival de Cinema de Cannes, tanto que os críticos já o descrevem como favorito, apesar de a competição ter começado há apenas três dias.
A história de "4 Meses, 3 Semanas e Dois Dias", de Cristian Mungiu, acontece em um único dia e trata de Gabita, que faz um aborto ilegal, e das provações pelas quais passa sua amiga e cúmplice Otilia.
O filme mostra não apenas a infelicidade e pobreza pessoal dos personagens, mas também a dureza sombria da vida no país.
"4 Meses..." é um dos 22 filmes da competição principal e, para os críticos, será difícil de derrotar, embora a opinião dos críticos raramente corresponda à dos jurados quando se trata da entrega da cobiçada Palma de Ouro, que terá lugar em 27 de maio.
O crítico Jay Weissberg, da revista especializada "Hollywood Variety", elogiou todas as atuações principais, a direção de Mungiu e a fotografia do filme, dizendo que "4 Meses..." é "uma realização espantosa".
"As cores são todas em tons de cimento, captando a feiúra esmagadora da vida no bloco europeu oriental", escreveu.
Outra publicação especializada, a "Screen International", conferiu a "4 Meses..." sua avaliação máxima, quatro estrelas, e disse que o filme tem "chances acima da média de ser premiado pelo júri deste ano".
Numa sondagem não oficial feita com os críticos de cinema presentes em Cannes, "4 Meses..." recebeu a média de mais de três estrelas, o que o coloca à frente de "My Blueberry Nights", que abriu o festival, e do drama "Zodíaco", sobre um serial killer.
"My Blueberry Nights" tem no elenco a cantora Norah Jones, Jude Law, Rachel Weisz e Natalie Portman. O "road movie" sobre amor perdido e encontrado decepcionou a maioria dos jornalistas, que esperavam grandes coisas do diretor chinês Wong Kar Wai, de "Amor à Flor da Pele".
A Bússola de Ouro
in Filmes em Geral
Posted
Pode parecer bobagem , mas também prefiria a Warner , por questão de distribuição , copiagem , design e outras besteirinhas ,hehehe .
Espero que esse filme seja bom e se torne uma franquia . Nicole está precisando , desesperadamente , de um sucesso blockbuster . Até porque The Invasion , a cada dia que passa , aparenta ser a bomba do ano .