Oscar 2006

[Ronny]

Ao bem da verdade, tudo o que se falou sobre BROKEBACK MOUNTAIN nesses últimos meses, foi uma espécie de preparação do longa para a corrida do Oscar - e que preparação, com direito ao Prêmio máximo no Festival de Veneza e ovação em Toronto!!!

Restava o mais importante ás pretensões do filme para o Oscar: a aceitação da crítica americana.

Eis que a NEWSWEEK traz uma matéria sobre o filme, inaugurando as resenhas oficiais dos principais meios norte-americanos ao longa de Ang Lee:

 

Forbidden Territory

In Ang Lee's devastating film 'Brokeback Mountain,' Jake Gyllenhaal and Heath Ledger buck Hollywood convention.

By Sean Smith

Newsweek

Nov. 21, 2005 issue - Two weeks ago, Ang Lee showed his new film to an audience in Los Angeles, and afterward he stuck around to answer questions from the crowd. Director Q&As are pretty common in the movie industry, and Lee—who won an Oscar for "Crouching Tiger, Hidden Dragon" and has directed such acclaimed films as "The Ice Storm" and "Sense and Sensibility"—has done more than his share. But something strange happened this time—the same thing that happens almost every time Lee screens "Brokeback Mountain." "People don't have many questions," he says. "Most of the time, they just stand up and tell me how they feel." When they're still crying, he already knows.

Based on the short story by Pulitzer Prize-winning author Annie Proulx ("The Shipping News"), "Brokeback" is the tale of Ennis Del Mar (Heath Ledger) and Jack Twist (Jake Gyllenhaal), two ranch hands who, in the summer of 1963, are hired to herd sheep on Wyoming's Brokeback Mountain. There, separated from the rest of the world, their laconic friendship develops, almost by accident, into a sexual relationship. As the summer ends, the two men are forced to separate, and they discover that their feelings for each other are stronger than they imagined. Jack dreams of buying a ranch together. Ennis thinks they'll be killed if anyone suspects their relationship. And so they marry women and have children, and for 20 years live apart, seeing each other only on rare camping trips, trying to hold on to the innocence and beauty of that first summer on the mountain. Inevitably, the longing and frustration, the years of repression, lead to a devastating conclusion.

Proulx's story caused a sensation when it appeared in The New Yorker eight years ago. Its raw masculinity, spare dialogue and lonely imagery subverted the myth of the American cowboy and obliterated gay stereotypes. It also felt like a sledgehammer to the chest. "This is a deep, permanent human condition, this need to be loved and to love," says Proulx from her home in Wyoming. "While I was working on this story, I was occasionally close to tears. I felt guilty that their lives were so difficult, yet there was nothing I could do about it. It couldn't end any other way."

The film, written by Larry McMurtry and Diana Ossana, is a near-perfect adaptation of Proulx's work. It has already earned the top prize at the Venice Film Festival and is almost certain to be an Oscar contender. More than that, though, "Brokeback" feels like a landmark film. No American film before has portrayed love between two men as something this pure and sacred. As such, it has the potential to change the national conversation and to challenge people's ideas about the value and validity of same-sex relationships. In the meantime, it's already upended decades of Hollywood conventional wisdom.

The day Jake Gyllenhaal was cast in "Brokeback," the chatter around the industry was not about what a wise choice he'd made. "It's the most stupid move he could make," said one top producer over lunch that afternoon. "It'll alienate his teen-girl fan base and could kill his career. What a waste." It's always been considered risky, if not career suicide, for actors with A-list aspirations to play gay roles. Tom Hanks's performance in "Philadelphia" helped a little, but even Hanks didn't kiss another man on screen. Gyllenhaal and Ledger don't dodge it. The kissing and the sex scenes are fierce and full-blooded. But if the actors were taking a risk, they sure don't seem to think so. "I never thought twice about it," Ledger insists. "For one thing, I never felt like I had anything at stake, and I think if you make decisions based on society's opinions, you're going to make boring choices. What terrified me was self-doubt. I knew that if I was going to do justice to this character, to this story and to this form of love, I was really going to have to mature as an actor, and as a person."

                         ‘Brokeback’: Too Much for Middle America?

There's no doubt he rose to the challenge. It is, without question, his most powerful performance ever. Far from killing Ledger's career, which was in trouble after a string of failures, the movie has reignited it. Gyllenhaal isn't exactly hurting for work either. "They were like the beta-testing guys," says James Schamus, co-president of Focus Features, who has produced all of Lee's films and is releasing "Brokeback." "They've had to go through the endless questions about 'So, what was it like to kiss a guy?'"

Yes, they get asked about the sex a lot. "I'm amazed, really," Gyllenhaal says, laughing. "Everybody is soooo interested in it." And their conversations with journalists have given them fresh insight into straight-male psychology. After seeing the movie, Gyllenhaal says, male reporters will enter a room to interview him and almost always follow the same routine. "They come in and they're all, like, 'I just want you to know I'm straight'," he says, and laughs. If they've been moved by the film, he says, they often rationalize it by saying things like "Well, it's really more of a friendship." No, it isn't. "It's a love story," Gyllenhaal says. "They're two men having sex. There's nothing hidden there." Ledger has a theory about why the movie makes some men uncomfortable. "I suspect it's a fear that they are going to enjoy it," he says. "They don't understand that you are not going to become sexually attracted to men by recognizing the beauty of a love story between two men."

That discomfort would seem to make the movie difficult to market. When the trailer plays in theaters where there are a lot of young men in the audience, it's often met with snickers or outright laughter. How do you get those guys to see the movie? You don't. "If you have a problem with the subject matter, that's your problem, not mine," Schamus says. "It would be great if you got over your problem, but I'm not sitting here trying to figure out how to help you with it." In an early meeting, Schamus told Lee that, from a marketing standpoint, they were making this film for one core audience. "Yes, of course," Lee said. "The gay audience." No, Schamus said. "Women."

When it came time to design the poster for the film, Schamus didn't research posters of famous Westerns for ideas. He looked at the posters of the 50 most romantic movies ever made. "If you look at our poster," he says, "you can see traces of our inspiration, 'Titanic'." Still, questions remain about whether the film will play in rural America, and whether it can make a profit if only women and gay men go to see it. But Schamus says that by selling off the international distribution rights, Focus has already broken even on the film. "Literally, if your mom and my mom go to the theater, we're in profit," he says, laughing.

And it's likely that more than our mothers will buy tickets. The constant stream of positive word of mouth is turning it into a must-see for film lovers. More encouraging to the filmmakers, however, is that it's often having a profound effect on people—even the most seemingly cynical. At the Toronto Film Festival, Lee and the cast faced off against a room of reporters who had just seen the film. One blogger raised his hand and stood up. He didn't have a question, he said. He wanted to apologize. "For the last year on my Web site I've been calling this 'the gay-cowboy movie'," he said. "I just want you to know that I'm not going to be calling it that anymore."

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[Ronny]

Jake and Heath: Their Love Will Go On

The countdown has begun to Brokeback Mountain, the movie that will test the outer man-on-man tolerance limits of even the most admiring of Ang Lee’s straight, male cineaste fanbase. Much is made in the current Newsweek of the, for lack of a better term, balls-out content of the Jake Gyllenhaal-Heath Ledger gay cowboy love story, and how that will play in Gay Pride Parade-free Peoria. But nothing would divert the filmmakers from the message this story set out to tell, not even in its marketing:

When it came time to design the poster for the film, [co-president of Focus Features and frequent Lee collaborator James] Schamus didn’t research posters of famous Westerns for ideas. He looked at the posters of the 50 most romantic movies ever made. “If you look at our poster,” he says, “you can see traces of our inspiration, ‘Titanic’.”

The posters, pictured above, reveal more than just “traces” of similarity; they are nearly matching sets of pretty young matinee idols in love, all long lashes pointing meaningfully to the ground and chins nuzzled longingly onto shoulders. Indeed, even the bough of the Titanic is echoed in size and shape to Heath’s denim-clad, sturdy left arm.

As to whether the much reported-about Brokeback consummation scene can live up to the Leo-Kate steamy car window rendezvous, the jury is out, to be decided upon the film’s wide release December 9th by the audiences of gay men, women, and the hugely uncomfortable but open-minded boyfriends who begrudgingly agree to come along.

 

--> Do Oscarwatch!

O que voces acham?

[Ronny]

E' date=' pra acabar, só quero dizer que Marcas da Violência será indicado a Trilha Sonora. Ou talvez não, sei lá, heheheh. Mas que merecia, merecia.

[/quote']

Memo to the Music Branch of the Academy 2005

By Cary Wong
 
It's never too early for the music branch to start weeding out the good scores from the bad in preparation for this year's Oscar nominations. Like last year, there's no clear front-runner, but there are many high profile, year-end scores that may either lead the pack or burst in flames (Alexander, anyone?). However, enough scores are out and enough buzz has been circulating regarding the remaining high profile Oscar movies, that one can at least make recommendations. Last November, my top five yielded one (The Village), my Second Tier yielded two (Finding Neverland and The Passion of the Christ), my long-shots yielded one (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban was a surprise over Williams' The Terminal) and Unknown Quantities (late year scores) actually only produced one nominee (Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events). So, somewhere in this article, you're likely to find the five eventual nominees.

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The Top 5

Brokeback Mountain (Gustavo Santaolalla) -- Verve Forecast
Cinderella Man (Thomas Newman) -- Decca
A History of Violence (Howard Shore) -- New Line
Memoirs of a Geisha (John Williams) -- Sony Classical
The March of the Penguins (Alex Wurman) -- Milan

There is only one sure thing in this bunch, and that's Gustavo Santaolalla's gentle and wistful score to Ang Lee's Brokeback Mountain. Not that the other scores aren't worthy -- there are just other factors. More than likely, John Williams' score to Geisha will get nominated just because he's Williams and it's a high profile film. But Williams' problem is that he had four scores this year, with one that may even be a higher profile film (Munich). Cinderella Man seemed a lock when the movie opened this summer, but it was not a box-office success, and Newman's Jarhead may trump it. Shore has won twice in this category in the last four years, and that may hurt his chances here, but Violence is such a good movie and the unsensationalist score is so unlike his Lord of the Rings scores that he will still have a good shot. And the sleeper hit of the year has to be Penguins, and Wurman may be the lucky recipient of an Academy wanting to recognize this movie.


The Second Tier

Capote (Mychael Danna) -- unreleased
The Constant Gardener (Alberto Iglesias) -- Higher Octave
Dreamer (John Debney) -- Sony Classical
Jarhead (Thomas Newman) -- Decca   
North Country (Gustavo Santaolalla) -- Sony

Danna's minimalist-tinged score for Capote is one of the best of the year, but he has never been nominated and the film may be perceived as more of an actor's movie. Gardener and North Country will have a shot if the films get a lot of pre-Oscar awards and buzz. Jarhead will compete with Cinderella Man for the Newman vote (although Thomas Newman is one of the few composers who have been nominated in the same year for best score). If Newman really wants a shot to win the elusive prize, Cinderella may be the score, apropos to its title. Debney lost last year for his severe but popular The Passion of the Christ score, so the music branch may reward him for Dreamers, a critically acclaimed family film. What may work against him? It's a critically acclaimed family film. Debney may also have a shot with a showier family film, Zathura.


Long-shots

Charlie and the Chocolate Factory (Danny Elfman) -- Warner Bros.
The Dying Gaul (Steve Reich) -- unreleased
Harry Potter and the Goblet of Fire (Patrick Doyle) -- Warner Bros.
Proof (Stephen Warbeck) -- Varese Sarabande
War of the Worlds (John Williams) -- Decca

The music branch's welcoming policy for classical music composers may reward newcomer Steve Reich. But he might be a tad too radical for their taste. Charlie and the Chocolate Factory could factor in here, but some voters might mistakenly think it's a musical, due to the confusing music branch rules (see below). War of the Worlds may be an overload of Williams (ditto Revenge of the Sith, although the branch may want to reward Williams for creating a mammoth work of art, while keeping his sanity working with George Lucas). Proof may have peaked too soon. And while Doyle wrote a rich and fulfilling score for the latest Harry Potter installment, it may seem like he's subbing for Williams as opposed to creating a whole world all his own. This score has the best chance to make the leap, but a sprinkle of pixie dust couldn't hurt.


Unknown Quantities

The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe (Harry Gregson-Williams)
King Kong (James Newton Howard)
Munich (John Williams)
The New World (James Horner)
Syriana (Alexandre Desplat)

Just by pedigree alone, Munich and The New World should make it to the final five. Replacement scores rarely get an Oscar nod (Troy, The Horse Whisperer, Air Force One) but Howard is well respected (and he did get one for his replacement score to The Prince of Tides), and if the movie isn't anywhere near the disaster of Kong's last cinematic outing, Howard's score may get recognition. Desplat is due for his first nomination, and with three scores this year, he may sneak in, especially if Syriana is well received. And you can never discount an epic film based on a children's book, so while Narnia should have a bigger buzz at this point in the game, it may surprise us yet.

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Songs
 

"According to Plan" -- Tim Burton's Corpse Bride
"Hustle and Flow (It Ain't Over)" -- Hustle & Flow
"The Maker Makes" -- Brokeback Mountain
"There's Nothing Like a Show on Broadway" -- The Producers
"Wonka's Welcome Song" -- Charlie and the Chocolate Factory

Danny Elfman wrote great scores for two inventive Tim Burton movies, but the music branch might consider them to be musicals (Elfman was burned by the musical rule with Chicago), although by official rules, these scores should be eligible. Just to be safe in this weak year for movie songs, I would, if I was Elfman, have Celine Dion or Annie Lennox do a cover of one of the Corpse Bride songs as soon as possible. The frontrunner right now is Rufus Wainwright's crooning love song for the gay cowboys of Brokeback Mountain, although some of the Gustavo Santaolalla-penned songs may make the cut as well. Mel Brooks wrote a new song for The Producers just to be eligible for this award, and he will at least get a nomination. With Eminem's win a few years back, being a rap song will not count you out for at least a nomination, and while the title song from Hustle & Flow is the least integral to the movie, I don't think the Academy will want to have song titles like "Whoop That Trick" or "It's Hard Out Here for a Pimp" on the final ballot.

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Do OscarWatch.

By the way, eu também gostei muito da trilha de MARCAS DA VIOLÊNCIA. Aliás, quase tudo nesse filme me agradou.

E eu acho que é bem assim, pelas categorias técnicas, que o filme de David Cronemberg pode ir sedimetando suas indicações ás categorias principais.

Quem sabe?

[Ronny]

WARNER BROS.

UNDERCOVER: Clooney, center, with Damon, left, is the semifictional ex—CIA officer Bob Barnes

"So, You Ever Kill Anybody?"

On an epic research trip, filmmaker Stephen Gaghan asked an ex--CIA officer, gunrunners and Saudi sheiks all sorts of questions. He turned their answers into his thriller Syriana

By JOSH TYRANGIEL/LOS ANGELES

Posted Sunday, Nov. 13, 2005

Very few screenwriters get kidnapped. In Hollywood, where most of them live and work, they're considered low-value targets. But moments after arriving in Beirut in 2002, Stephen Gaghan, the Oscar-winning writer of Traffic, found himself in what seemed to be a hostage situation. His cell phone rang, and the voice on the other end said, "I've got something really special you can do, but you have to do it right now and I can't tell you what it is." Gaghan walked out of the airport and got into a car with a stranger. As they drove, he was stripped of his backpack, pens and belt, and was blindfolded, hooded and thrown into the back of another car. "There was a bad 10 minutes in there where I'm thinking, 'You are really an idiot,'" he says. "'You're like Mr. Magoo. You just wander over to the Middle East and, literally, within the first 20 minutes get kidnapped and beheaded. World record!'"

The abduction turned out to be standard procedure for anyone visiting Sheik Mohammed Hussein Fadlallah, spiritual leader of the Lebanese Shi'ite militia Hizballah, who, unbeknownst to Gaghan, had an interest in movies and had decided to grant the screenwriter an audience--even though Gaghan hadn't requested one. Naturally, the near kidnapping found its way into Gaghan's new film Syriana, which dramatizes the politics of oil, terrorism and the Persian Gulf in much the same way Traffic spun entertainment out of addiction, drug policy and the U.S.-Mexico border. If anything, Syriana, which opens Nov. 23, is more ambitious and demanding than its predecessor. The movie has multiple narratives that are deliberately confusing. It casts an actor known for his likability, Matt Damon, as an oil trader profiting on the death of his son. It takes a star, George Clooney, known for his sex appeal and hides him behind a thick beard and a ring of flab. "It's a miracle this film got made," says Gaghan.

More miraculous is how it was made. Before agreeing to write and direct the movie, Gaghan got Warner Bros. to give him an unlimited research budget and no deadline. For a year and a half, he read books on the Middle East in his Malibu beach house and then, at his leisure, jetted off to meet people he had read about. He crossed Lebanon's Bekaa Valley on the first anniversary of 9/11, dined with men now suspected of killing former Lebanese Prime Minister Rafiq Hariri, and sipped cappuccino in the kitchen of former Defense Policy Board chairman Richard Perle. Being a guy from Hollywood was often all it took to get people talking. "Steve got to do some amazing things," says Clooney, who is also Syriana's executive producer. "Other screenwriters probably want to kidnap him out of jealousy."

How Gaghan, 40, got such latitude is a tribute to the virtues of failure. In his teens and 20s, he had a serious drug problem that led to more than a dozen arrests. On his way to sobriety, he became perhaps the only writer in history to be rejected by both Baywatch Nights and Red Shoe Diaries before landing a job on NYPD Blue under celebrated writer guru David Milch. But struggling for years imbued him with an uncommon sense of purpose. After winning an Oscar for Traffic in 2001, Gaghan turned down seven-figure offers to write the fourth Indiana Jones movie and adapt The Da Vinci Code. Instead, inspired by an anecdote about an oil lobbyist in See No Evil, a memoir by former CIA officer Robert Baer, Gaghan decided to make a complex, journalistic movie about the politics of crude. "It's rare in Hollywood to get the chance to work on something that you actually care about," says Gaghan. "The tragedy of the place is all these talented people trying to get excited about stuff they themselves would only view at gunpoint."

Steven Soderbergh, who directed Traffic and whose production company, Section Eight, bought the rights to See No Evil, negotiated the deal with Warner Bros., even though details about the movie were nonexistent. "In those situations," says Soderbergh, "you never expect the studio to see the UFO, but you've got to make them believe you saw it." Still, Gaghan needed a story, and See No Evil was no help. Even Baer admits that much of the book is so esoteric that it's "wasted on everyone but Israeli intelligence."

So Gaghan did what everyone in Hollywood does--lunch. Sitting across from Baer for the first time, at a Santa Monica restaurant called Pedals ("A little fey for a high-level spook meeting," says Gaghan) in 2002, he sensed that the ex-spy, who was once accused of trying to arrange the assassination of Saddam Hussein, was far better movie material than his book. As it happened, Baer, who speaks Farsi and Arabic, was a willing conduit into the culture and characters of the Middle East. "Summer was ending, and I had to take my daughter back to boarding school in Europe," says Baer, 53. "All the players in the Gulf spend August in the south of France, so I told Gaghan, 'Come along. We'll see some arms dealers, some people from Fatah intelligence, some oil traders.' I wasn't a consultant on the film. This was just a road trip. The terrorism-arms-dealer-oil-trader tour!"

Gaghan, Baer and Baer's then 13-year-old daughter Charlotte met up in Nice. Within a few hours, they were relaxing on the yacht of a former Fatah intelligence officer. Then a representative of the Carlyle Group, the global investment behemoth, anchored next to them. "It kept getting crazier and crazier," says Baer. "You could see Gaghan beginning to frame a picture." Part of the insanity was the disconnect between Baer and his old associates. "I'm an ex-bureaucrat," says Baer. "I have no money. I got a $70,000 advance for my book--which in their world is a three-day trip to New York. I think Gaghan saw the tension there."

After 10 days, the trio piled into a Renault 25 and set off for Venice. In a hotel restaurant on the road, with Charlotte upstairs watching MTV, Gaghan felt comfortable enough to ask, "So, you ever kill anybody?" Baer said, "I've made decisions that resulted in people's deaths, maybe hundreds of people's deaths, but I never lost a night's sleep. Never. Because I had 500 pages of U.S. law to hide behind." Gaghan's initial thought was that he had been fed a line--and a bad one. Gradually, though, he realized Baer's candor with a flourish was not affectation but a kind of verbal rosary. Baer had done some bad things, and he needed to reassure himself and others that he had done them for a good cause. "When I started this whole process, I ran across this Victor Hugo quote. 'Exile is not a material thing, it is a spiritual thing,'" says Gaghan. "And what ever happened to Bob inside the CIA, he felt to me like an exile."

When they got to Geneva, Gaghan learned that "all the business of the Middle East is conducted in hotel lobbies." Schmoozing with oil traders and arms dealers at the Hotel Intercontinental, he spotted former Saudi Oil Minister Sheik Ahmed Zaki Yamani, still one of the world's most powerful people, and sent him a note requesting an interview, revealing what Gaghan calls the "pathetic ineptitude of my methodology."

Yamani never called, but he was in the minority. Gaghan was stunned by how eager people were to chat with him. "You're on the boat of the head of military intelligence for a North African nation. This man is worldly. And when the conversation turns to me, it's, 'Do you know Leonardo DiCaprio?'" Besides being fascinated by fame and flattered by Gaghan's interest in the Middle East, most believed themselves experts on the movie business; they pitied Gaghan because, as everyone knows, so few scripts ever get filmed. "That mix of interest and condescension was really useful. 'Such a shame you'll never get your movie made.' 'Yep, now tell me how you armed Saddam in the '80s ...'"

Gaghan developed his own connections ("It's exactly like backpacking from hostel to hostel," he says of navigating the social byways of the oil industry) and traveled alone to Beirut. There he was abducted by Hizballah and rewarded with such colorful Fadlallah quotes as "People moved to terrorism are like the people in a school or post office who are pressured, feeling there is no alternative" and "You can go to www .fadlallah org. Gaghan knew by then that an Arabist ex-- CIA agent would be a major character in the aborning film. But as in Traffic, he wanted multiple points of view, so he logged more miles--he guesses his expenses approached $70,000--and did similarly intensive research stints with oil traders in London and lawyers in Washington. Through a journalist friend, he arranged a meeting with Perle a few months before the invasion of Iraq. Over what Gaghan calls "the best cappuccino of my life," they bantered in Perle's palatial kitchen until Gaghan, at that point quite knowledgeable about the Middle East, questioned the viability of Perle's friend Ahmad Chalabi as a future Iraqi leader. "[Perle] steepled his hands just like Mr. Burns on The Simpsons and stared at me. Then the doorbell rang--beat ... beat ... beat--'Excellent. I'll introduce you to Bibi on the way out.'" (Neither Perle nor former Israeli Prime Minister Benjamin Netanyahu returned calls for comment.)

In the final film, the plot, rather, plots are wholly invented and the names have been changed. Clooney's character is called Bob Barnes, although his expertise and undercurrent of melancholy are pure Baer. (Barnes' prodigiously sarcastic son Robby is modeled on Charlotte Baer.) But the fruits of Gaghan's research are obvious. Syriana's characters--from would-be Arab princes to American oil traders, CIA agents to terrorists--behave in exquisitely detailed and complicated ways. They cross paths and challenge one another's assumptions, just as Gaghan's were challenged. Of course, Syriana is entertainment first and foremost. It just happens to feel true.

REVISTA TIME

[Ronny]

Antevisão - Brokeback Mountain

Western-gay? Nem por sombras. Ang Lee vai muito para além das convenções sociais. Em Brokeback Mountain há amor, dor e uma beleza visual como dificilmente seria de imaginar com um realizador norte-americano. Não há aqui a exaltação da homossexualidade, como se tem querido fazer crer. Há simplesmente uma história de amor que merece ser cantada.

Diz quem esteve em Toronto que não havia uma cara que não deixasse cair uma lágrima. O mesmo já tinha acontecido na sempre selectiva Veneza. Por onde passa, Brokeback Mountain quebra tabus e barreiras e conquista o seu público da forma mais antiga de sempre: contando uma história de amor.
A diferença - grande, apesar dos dias de estarmos em pleno século XXI - é que não há aqui um principe ou princesa. Quanto muito, haverá dois principes encantados. Mas nem isso. Brokeback Mountain começa por ser um filme sobre dois homens que são obrigados a cruzar o mesmo caminho. Um caminho longo, silencioso e imponente como são as montanhas Brokeback. E é nesse pano de fundo, que já vimos em filmes de Hawks, Ford ou Mann, que se começa a desenvolver uma forte amizade entre dois jovens cowboys. Da amizade ao amor a diferença revela-se pequena. E de repente um fantasma paira sobre as suas cabeças. A dor de saberem não poder ficar juntos leva-os a afastarem-se, acreditando que o tempo e a distância vão amenizar a dor da separação. Mas nem o casamento nem o nascimento de filhos serve para se esquecerem do seu amor mais primitivo. E quando se reencontram decidem enfrentar tudo e todos para voltarem a ser felizes.
Em traços gerais é esta a história de Brokeback Mountain, o filme que Ang Lee filmou com mestria e uma extrema sensibilidade. Utilizando a beleza natural do oeste americano, a rudeza dos homens que por lá vivem, que transformam as palavras vãs em olhares profundos e sentidos, que dão vida a este drama. O realizador asiático continua assim a mostrar ter dedo para adaptar profundas obras literárias, depois do sucesso de Sense and Sensibility.

Annie Proulx assina um belissimo romance. Lee segue fielmente a história, explorando não só a dimensão de western na primeira fase do filme, com as paisagens, os rituais e comportamentos a que estamos habituados a ver num verdadeiro filme de cowboys na velha acepção da palavra, mas também a profundidade dramática de um amor proibido, no segundo acto do filme. O livro, vencedor de um Pulitzer, quebra tabus e barreiras. O filme faz o mesmo. E os prémios não se fizeram esperar. O Leão de Ouro em Veneza foi o mais significativo de todos eles. Pela primeira vez desde 1981 - ou seja, desde Atlantic City, USA - um filme de produção made in Hollywood vence a prestigiada festividade de Veneza. E muitos começaram já a apostar em Brokeback para conquistar muitos dos prémios da critica no mês de Dezembro. Talvez uma ideia arrojada, dirão outros. Afinal a homossexualidade ainda é um tema tabu para muito boa gente e um filme explicitamente gay terá dificuldade em conquistar o público mais conservador que preenche o grupo de criticos, argumentistas, produtores, actores, realizadores, enfim, os elementos nucleares da indústria. Os produtores esperam que o enfoque dado ao enredo amoroso e ao drama humano ultrapassa a questão gay. E essa será sempre uma das perguntas que ficará sem resposta até Março. Como é que Hollywood olhou para Brokeback Mountain?

Para além de ser um filme brilhantemente trabalhado por Lee e pela sua equipa técnica - a banda sonora de Gustavo Santaollala e o brilhante trabalho de fotografia de Rodrigo Prieto - o filme fica marcado pelo excelente desempenho do seu elenco.
Jake Gyllenhall e Heath Ledger são autênticos rancheiros, quer na pose quer na forma como desenvolvem as suas personagem. Ledger - que diz quem por lá andou que esteve com a Copa Volpi nas mãos e só por pouco a perdeu para Straiharn - é poderosissimo num exercicio de contenção e de mágoa interior. É ele o elo mais frágil da relação, aquele que mais sofre com a descoberta do amor, mas também depois com a sua partida. É também a sua relação a mais explorada, por ser a mais frágil e "tipica" de acordo com a velha história de um casamento onde o amor corre apenas numa direcção. Já Jake Gyllenhall, num ano espantoso, é mais solto e dinâmico, mas consegue igualmente imprimir grande emotividade ás saus cenas, funcionando perfeitamente como contraponto a Ledger.
E há ainda o elenco feminino do filme. Michelle Williams, que curiosamente acabou de casar com Ledger, é a encanração perfeita da dona de casa sofredora, profundamente apaixonada pelo o único homem que conheceu, e ao mesmo tempo em constante sofrimento por saber que o seu coração não lhe pertence. E mais fica quando começa a perceber a verdade dos factos. Já Anne Hathaway é uma mulher mais moderna, mais dinâmica, emparelhando bem com Gyllenhall, mas é igualmente emotiva quando se depara com a relação tabu do seu marido.

O que esperar de Brokeback Mountain? Certamente não um grande sucesso de bilheteira ou um filme consensual. O filme tem conquistado corações num circuito selectivo, mas quando chegar ao grande público, ás capas de revista - que vão explorar ao máximo o tema - e tocar na "América profunda", só ai se vão começar a perceber as verdadeiras implicações do filme na sociedade norte-americana. No entanto, em termos cinematográficos, que é o que mais nos interessa, ninguém duvida que aqui esteja um dos mais serios candidatos a filme do ano. Um titulo que poderá não lhe vir a pertencer de facto no final do ano. Mas muitos nunca mais voltarão a julgar sem pensar duas vezes, um amor tabu depois de verem Brokeback Mountain.

O QUE SE DIZ

"Este ostensivo western gay é marcado pelo forte peso de tacto e sensibilidade, bem como uma notável performance de Heath Ledger."

Todd McCarthy - Variety

 

"Brokeback Mountain vai conquistar aqueles que vão ao cinema e que gostam de grandes filmes e profundas histórias de amor, sejam elas gay, herexo ou qualquer outra coisa."

Ray Bennet - Hollywood Reporter

 

"O melhor filme de Ang Lee é não só um belissimo e bem conseguido western (no primeiro acto), mas uma intimista épica história de amor no sentida mais clássico da tradição de Hollywood."

Jim Emerson - RogerEbert.com

 

 

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Fonte: blog Hollywood

[Ronny]

Antevisão - Memoirs of a Gueisha

Um drama profundo num país que caminha para o precipicio sem o saber. O Japão do pré-guerra é o cenário para a competição de duas gueishas pelo poder e amor de um homem. Atravessam tempos inesqueciveis mas ainda não o sabem. Quando o perceberem será tarde demais. Memórias de mulheres de outros tempos...

Dirigido por Rob Marshall, este Memoirs of a Gueisha é a adaptaçõ do romance homónimo de Arthur Golden. O pano de fundo é o Japão da primeira metade do século passado e a acção segue uma jovem que é escolhida para se tornar numa gueisha. Vestigios de uma era que parece já distante, as gueishas eram as mulheres mais belas, cultas e sociáveis do Japão imperial. Acompanhantes, amantes dos grandes homens do reino, conseguiam transformar a sua influência em poder e eram por isso uma verdadeira elite. O processo de como uma dessas jovens se torna na mais requisitada gueisha do reino é o pano de gundo da primeira fase do filme. A segunda fase diz respeito à forma como a jovem se integra numa sociedade que, sem o saber, caminhava a passos largos para o precipicio que se revelou ser a 2º Guerra Mundial.
Dois dramas num só, num espaço criado com o minuciosismo dos japoneses num filme dirigido por um habituado a coreografias perfeitas, e produzido por um dos grandes perfeccionistas de Hollywood, o inevitável Steven Spielberg.
Memoirs of a Gueisha não deixa de ser uma incógnita. Ainda muito pouca gente viu o filme e por isso não há verdadeiramente ecos reais do que está por detrás desta adaptação. Os trailers são convincenes, os test-screenings também o foram, mas a incógnita mantem-se: o que é este Memoirs de facto?

Uma das particularidades do filme, produzido e realizador por norte-americanos, é o facto do seu elenco ser oriental. Uma história contada à americana - o romance é de um norte-americano - mas que visa retratar na perfeição uma sociedade e uma cultura bem distantes da nossa. E curioso será ver como Hollywood vai receber um filme só com actores estrangeiros. Zhang Zihy, Michelle Yeoh, Gong Li e Ken Watanabe já são conhecidos doutros projectos, mas ainda não deram provas num drama falado em inglês e com um ritmo completamente diferente dos filmes chineses e japoneses. Aliás o facto de serem actrizes chineses a viver as miticas gueishas japonesas - dois mundos completamente diferentes - causou bastante polémica, algo que já parece estar ultrapassado mas que pode ter deixado as suas marcas.
A própria competição interna promete não ser pacifica. Zhang Zyhi é a estrela imergente do cinema asiático mas Michelle Yeoh e Gong Li já levam uns anos disto e vão querer o máximo protagonismo possivel no filme que será a afirmação - ou talvez não - do cinema asiático nos Estados Unidos. E só por isso a sua importância transcende a de um mero drama como poderia ser Memoirs of a Gueisha noutra conjuntura.

O filme, que estreia a 9 de Dezembro nos Estados Unidos, é a grande aposta da Columbia aos óscares. E percebesse. Tem potencial para conquistar mais nomeações que qualquer outro projecto. É um dos filmes que pode ter melhor resultados no box-office. E pode ajudar a revelar um sem número de actores de uma indústria em expansão e com uma crescente penetração no mercado norte-americano. Mas as incógnitas continuam. O filme decidiu não aparecer em nenhum festival apesar de já estar pronto há algum tempo. Quer aproveitar o último dia de nomeação para os Globos para surpreender. O público norte-americano será o primeiro juiz do filme, mas o papel dos criticos será fundamental. Rob Marshall nunca conquistou a critica com o seu Chicago, apesar dos óscares. Mas com Spielberg ao leme e numa época em que as minorias se começam a impor, Memoirs of a Gueisha tem tudo para ser um dos filmes do ano.

O QUE SE DIZ

"Decidimos contar a história como uma fábula, uma história tão inatingivel como a própria gueisha o era. Espero que tenhamos feito justiça ao livro."

Rob Marshall

[Ronny]

Antevisão - Jarhead

Não é um filme de guerra. É um filme sobre a guerra. Sobre o impacto que ela tem num pelotão em plena Guerra do Golfo. Não esperem batalhas, cenas de um heroismo nunca antes visto. Neste pelotão não há herois, só homens vulgares. Para eles, estar ali não significa nada. E este é um filme sobre a monotonia de se ser soldado.

O novo filme de Sam Mendes estreia na próxima sexta-feira nos Estados Unidos mas muito pouca gente sabe o que esperar. O critico David Poland, um dos mais respeitados criticos de cinema norte-americano, arrasa o filme de alto a baixo. Outro dos grandes nomes da critica americana, Emmanuel Levy, pelo contrário, exalta a coragem de Mendes em fazer um filme de guerra nada convencional. Em que ficamos?
O facto é que desde há muito que uma nuvem de incerteza paira sobre Jarhead. O livro escrito por Anthony "Swoff" Sworfford, marine norte-americano estacionado no Iraque durante a Guerra do Golfo, foi um sucesso de vendas e a história pareceu interessante o suficiente para conseguir convencer Mendes a voltar á realização, depois do fracasso que foi Road to Perdition. A verdade é que o jovem realizador inglês, depois do sucesso de American Beauty, não esperava uma reacção tão negativa ao seu trabalho seguinte, e desde então tem-se mantido afastado de Hollywood. Será que este seu regresso segue as linhas do seu primeiro filme, um trabalho de grande imaginação e irreverência, ou terão ficado sequelas da eperiência falhada que foi o filme de gangster com Tom Hanks, o mais improvável dos assassinos a sangue frio, a liderar o elenco?

 

A história de Jarhead é bem diferente da que encontramos nos outros filmes de guerra que têm feito o mosaico da sociedade norte-americana dos últimos trinta anos. Semelhanças com Deer Hunter, Apocalipse Now, Platoon ou The Thin Red Line não devem surgir ao longo do filme. Aqui há mais um sentimento herdado directamente de Full Metal Jacket, mas com uma visão menos negra e mais divertida do que é ser um marine. O próprio titulo - alusivo ao corte raso dos soldados norte-americanos - indica que não estamos diante de uma história convencional. Seguimos o soldado Swoof, um jovem acabdo de chegar ao Iraque. Não interessa aqui a sua posição sobre legitimidade da guerra, dos mortos inocentes, das baixas entre os colegas ou nada que se lhe pareça. Em Swoof há uma imensa despreocupação por tudo á sua volta. E é para explorar esse vazio que existe nos soldados durante uma guerra - não as suas preocupações ou sentimentos sobre a guerra - que vive a suprema ironia de Mendes. Entre o dia a dia, a monotonia das mesmas caras e das mesmas paisagens, vão-se criando laços de amizade no pelotão, vivem-se situações embaraçosas, mas nunca se vive como um soldado. Ou, pelo menos, como o soldado que o cinema idealizou e que todos nós nos fartamos de ver, filme atrás de filme, onde só muda o actor. A personagem, essa é sempre a mesma.

No elenco deste Jarhead destaca-se Jake Gyllenhal. O jovem actor está a ter o ano da sua vida. Para além de viver o protagonista do filme é ainda parte do elenco de Brokeback Mountain e Proof, dois titulos interessantes e a seguir com atenção. Com o seu ar masculo, o corte de cabelo á tropa, e uma imensa frieza, Gyllenhal consegue viver bem a sua personagem, com um enorme á vontade, e isso é meio caminho andado para seguir o espirito do Swoof original. Já á sua volta vive um imenso pelotão de figuras e figurões onde há o eterno instrutor durão - neste caso vivido com estilo pelo recém-oscarizado Jamie Foxx - o amigo insperável de Swoff - mais um papel inesquecivel de Peter Saasgard ao que se pensa - e um grupo de competentes actores, prontos a viver estes quase "não-soldados".
E a comandá-los está o talentoso Mendes, que continua a ser demasiado irreverente para muitos. Dono de uma ironia mordaz, o britânico encontra neste palco de guerra bem actual, a base perfeita para desenvolver uma teoria sobre o nada, com todo o peso simbólico que isso acarreta.

Uma das cenas mais faladas do filme centra-se á volta de um grupo de soldados que decide ir ver um filme pornográfico. O entretenimento está garantido, mas, a meio da projecção, um dos recrutas descobre na actriz, a sua mulher. Poland critica a falta de emotividade da cena. Talvez a essência de Jarhead esteja nisso mesmo. Nem tudo tem de ser emotivo apenas porque o cinema assim o tem feito nos últimos 100 anos. Há momentos em que os sentimentos, sejam eles de compaixão, amizade, diversão, desaparecem num burraco. Fica um vazio. O vazio que uma bala deixa no corpo de um soldado. O vazio que uma retirada em pleno campo de batalha deixa na alma de um homem. O vazio que Sam Mendes nos quer mostrar em Jarhead.

O QUE SE DIZ

"Jarhead presta tributo a uma unidade militar, neste caso os snippers dos Marines, ao mostrar que o espirito de equipe e a natureza do grupo, ao mesmo tempo que nunca neglegencia as especificidades de cada um dos soldados."

Emmanuel Levy.com

"Jarhead é o Seinfeld da temporada...um filme sobre nada!"

David Poland - The Hot Button Ronny38671.2711689815

[Ronny]

Antevisão - The Constant Gardener

John Le Carré escreveu sobre a presença inglesa em África. Fernando Meirelles decidiu filmar o continente negro na sua essência, deixando do lado os ideiais colonizadores europeus. A junção de ambos os planos é um magnifico tratado de amor. Por uma mulher, por uma causa, por um continente...

Um dos mais brilhantes escritores da actualidade, John Le Carré fez questão de acomapanhar de perto a rodagem da adaptação de um dos seus maiores romances ao cinema. No final insistiu que esta adaptação está perto da perfeição e que o trabalho de realização e do elenco superou todas as suas expectativas. E aparantemente não foi só o escritor que ficou maravilhado. A critica apaixonou-se por The Constant Gardener em toda a sua essência. Pelo argumento fielmente adaptado do livro para o cinema, pelo trabalho de realização de Meirelles - com a ajuda de uma notável equipa técnica que soube captar a verdadeira essência do continente negro - mas em especial pelo desempenho da sua dupla de actores principais, Ralph Fiennes e Rachel Weisz.
The Constant Gardener conseguiu ainda passar o teste do público, aguentando-se bem no Box Office nas primeiras semanas de exibição, apesar da estreia inicial ter estado reduzida a poucas salas. E a critica não poupou elogios a este thriller politico que também é uma história de amor e devoção. A classificação de 81% no site Rotten Tomatoes indica isso mesmo, uma opinião praticamente generalizada que estamos diante de um dos filmes do ano. E temos todas as razões para acreditar.

Em The Constant Gardener encontramos um casal britânico a viver no Quénia. Ele é diplomata, um ser passivo que tem uma imensa paixão por jardinagem e pouqissima preocupação com o que se passa á sua volta. Já a sua mulher - com quem ele casou antes de partir e de quem sabe muito pouco - é uma activista apaixonada que descobre nesta sua nova casa uma causa pela qual acredita que deve lutar. Á medida que a sua contestação aumenta, e a sua relação com um médico local se torna mais próxima, todos acreditam que Justin Quayle, o jovem diplomata, vai intervir. Mas ele deixa-se ficar, passivamente a cuidar do seu jardim. Até ao dia em que alguém assassina misteriosamente a sua mulher. A partir daí assistimos a uma espantosa transformação do pacifico jardineiro numa verdadeira máquina de fazer justiça, pronto a vingar o destino da mulher, apesar de desconhecer por completo o mundo em que ela tinha entrado e aqueles que atentaram contra a sua vida.

O filme resulta num contraste imenso entre o corpo diplomático britânico, com todos os seus maneirismos, e a vida cruel de um país que teima em se libertar do espartilho que parece ter agrilhoado um continente inteiro. E onde um realizador europeu teria focado o primeiro aspecto, o brasileiro Meirelles aposta forte no segundo. E ganha essa aposta. Como se previa pela sua experiência em Cidade de Deus, o cineasta brasileiro não tem medo de filmar a realidade mais cruel, desde que o faça com um profundo sentido estético. Era isso que encontravamos no grande sucesso recente do cinema brasileiro, e é isso que podemos ver neste The Constant Gardener. Mas se o seu trabalho é elogiado por tudo e por todos, que dizer do seu leque de actores.
Do fabuloso Ralph Fiennes - indiscutivelmente o melhor actor britânico da sua geração - já se disse de tudo. Que este é o seu maior papel (ele que tem tantos bons papeis que é dificil escolher), que é uma transformação espantosa de um under-acting tão habitual nele para uma personagem completamente oposta á do inicio do filme. Um desempenho cativante, brilhantemente conseguido, e que pode mesmo vir a valer a Fiennes a nomeação ao óscar, uma nomeação que cada vez peca por tardia, tal como a pequena estatueta dourada.
Também Rachel Weisz não escapou aos muitos elogios da imprensa internacional. A jovem actriz britânica, até aqui dividida entre comédias e filmes de cariz imintentemente comercial, sabe explorar na savana africana toda a sua profundidade como actriz dramática, dando um tom mais sensual e mais feminino a uma história de vingança extremamente masculinizada. Weisz é uma das surpresas do ano e confirma aqui as boas indicações que vinha deixando nos últimos anos.
Também Bill Nighty e Danny Houston oferecem sólidos e interessantes desempenhos secundários no filme, ajudando a fortalecer a base da narrativa que é sem dúvida alguma a transformação da personagem interpretada por Fiennes, num autêntico tour de force.

Mais do que um mero trilher politico - como foi por exemplo The Tailor of Panama, outro romance de Le Carré recentemente adaptado ao cinema - este The Constant Gardener sabe enquadrar a história no espaço. Não há aqui nada enfiado a murro e pontapé. Há uma sólida preparação de toda a equipa na realidade que se vive no Quénia e em muitos dos paises do Terceiro Mundo, que torna o retrato do filme extremamente realista e credivel. Não estamos aqui apenas a ver também uma história de amor post-mortem. Estamos a seguir uma personagem - a de Fiennes - que, enquanto procura vingar a morte da mulher, descobre um Continente que desconhecia por completo. E essa descoberta é também feita pelo espectador, lado a lado com a personagem. E se o fascinio de África não tem fim, então esse é sem dúvida um gigantesco trunfo deste The Constant Gardener. Um trunfo aliado a muitos outros ases que o filme guarda no bolso, e que fazem dele certamente, um dos filmes obrigatórios de 2005.

O QUE SE DIZ

"Este é sem dúvida um dos filmes do ano!"

Roger Ebert - Chigado Tribune

"The Constant Gardener é uma genial mistura de suspense, com perfume do Terceiro Mundo, e uma história de partir o coração, para todas as idades."

Kitt Bowen - Hollywood.com

 

"Este não é o filme que o vai chocar, entusiasma-lo ou abanar o seu mundo. Em vez disso vai mexer consigo, colar-se a si, vai faze-lo parar para pensar e deixar efeitos dificeis de descrever - o que é algo que os grandes filmes fazem sempre."

Tom Long - Detroit News Ronny38671.2717592593

[Ronny]

Antevisão - Good Night and Good Luck.

É o segundo filme do galã convertido em realizador, George Clooney. E que filme! Os criticos elogiam a coragem com que Clooney descorre na sua defesa ao mundo do jornalismo durante o complexo periodo da "Caça ás Bruxas". Good Night and Good Luck. , filmado em tom de documentário, é mais do que um filme. É uma carta de amor de Clooney. Ao jornalismo. Ao cinema. Ao seu pai!

E o filme mais amado pela critica neste final de ano. Um amor que está para lá das fronteiras norte-americanas, como ficou bem provada a dupla vitória no Festival de Veneza, onde só faltou o Leão de Ouro para juntar aos prémios ganhos pela dupla de argumentistas, composta pelo próprio Clooney e Grant Heslov, e para o actor David Straiharn.
Filmado a preto e branco, em registo praticamente documental, o filme segue a equipa de produção See It Now, na sua demanda por expor a campanha denunciadora que o senador Joseph McCarthy vinha a comandar contra os nucleos comunistas nos Estados Unidos. Foi o periodo conhecido como Caça ás Bruxas, onde muitos comunistas, mas mais do que isso, muitos não-comunistas, foram denunciados pelo comité do senador, impedidos de trabalhar, presos e totalmente colocados de lado pela sociedade norte-americana. É nessa altura que esta equipa de produção, fiel ao ideal jornalistico, decide expor a campanha de McCarthy em directo, num programa que ficaria para a história. Não só representaria o principio do fim do senador, mas acabaria por ser o golpe fatal para o próprio programa, entretanto completamente marcado junto do "establishement" norte-americano. Criando um claro paralelismo com o que se passa nos dias de hoje, George Clooney faz aqui uma verdadeira evocação do que deve ser o jornalismo, e como este deve funcionar em dias onde a verdade deixa de ser algo garantido a priori. O filme segue a equipa de produção, desde o pivot e figura central da narrativa, o jornalista - que se tornaria um icone - Edward Murrow, mas também toda a equipa de produção, incluindo o produtor Fred Friendly, que Clooney fez questão de interpretar.

Apesar de ser um filme com um pequeno orçamento, a Warner Indepedent - uma subsidiária da Warner Bros - aposta forte em Good Night and Good Luck. (o titulo está ligado á frase de despedida de Murrow no final de cada programa), para este ano. E com razão.
O filme ainda não estreou nas salas de cinema, e por isso é dificil antever a reacção que o público poderá ter de um filme já classificado por alguns como demasiado "Intimista" ou "elitista" para o povo norte-americano. Mas ter 97% de criticas positivas no site Rotten Tomatoes é algo a que muitos poucos filmes, em toda a história do cinema, podem clamar ter conseguido. E se um filme conseguiu impressionar criticos tão heterogéneos da mesma forma (até agora só existem 3 criticas negativas ao filme), então a pespectiva para já é que o sucesso de bilheteira se venha a tornar uma realidade.
Um feito para um filme que é uma aposta pessoal de risco por parte de Clooney. Depois da sua excelente estreia como realizador em Confessions of a Dangerous Mind (outra aventura no universo do entertenimento), apostar em algo como Good Night and Good Luck. teria os seus riscos. Mais, Clooney não quis que mais ninguém, a não ser o próprio Joseph McCarthy, surgissem no grande ecrãn. Por isso as imagens de arquivo da mitica edição do See It Now completam o filme. Realidade e ficção juntas numa aventura que ainda tem tempo para criticar a politica das empresas jornalisticas da época em proibirem o casamento entre membros da mesma equipa, e que surge como um retrato mais duro e realista do universo jornalistico do que filmes como All the President´s Men, Network ou The Insider. Há aqui um sentido de realismo, mas pintado em tons românticos. Murrow era o idolo do pai de George Clooney, também ele um jornalista e pivot, que desde sempre ensinou ao filho os principios básicos do jornalismo. Talvez por isso o argumento alterne entre o facto, que foi a edição do See it Now com o senado McCarthy, com o romantismo da figura de Murrow, retratada aqui como o pioneiro do jornalismo televisivo nos Estados Unidos.

E para dar vida a Murrow, a opinião é unânime. Clooney não poderia ter feito uma escolha melhor. Vindo do universo da Broadway e sem grande história em Hollywood, David Straiharn encarna com uma frieza e uma simplicidade avassaladoras a sua personagem, e funciona claramente como motor do filme. A critica já falou em prémios, em nomeação aos Globos e aos óscares, e a verdade é que a Copa Volpi em Veneza foi um bom sinal. Mas Straiharn tem aqui, acima de tudo, a possibilidade de mostrar todo o seu valor num projecto credivel em cinema, algo que nunca conseguiu em quase vinte anos de carreira.
Aliás, outro dos grandes trunfos deste Good Night and Good Luck. acaba por ser o seu elenco. O leque é imenso e as escolhas parecem todas perfeitas. Como produtor do programa, e paladino da verdade, está George Clooney, num despojamento das suas habituais personagens como galã (mas isso, Clooney faz ainda melhor em Syriana). Sóbrio, imerso na sua personagem, Clooney apaga-se para deixar brilhar tudo á sua volta, numa clara demonstração de amor pela sua obra.
Como "casal-segredo" da equipa de produção encontramos Patricia Clarkson e Robert Downey Jnr, dois actores altamente subavaliados que aqui provam ter uma quimica que, apesar de secundária, traz profundidade dramática á narrativa. E claro, por lá também passeiam Jeff Daniels e Frank Langella, para não falar de Joseph McCarthy, em versão de arquivo.

Good Night and Good Luck. pode ser mais do que simplesmente o "queridinho da critica" de 2005, como Sideways foi no ano passado. Pode ajudar a passar uma imagem mais séria do mundo do jornalismo, e criar um importante paralelismo com o que se passa hoje nos Estados Unidos. Apesar de ser um filme para mexer com a consciência interna, quem conhece essa página negra da história norte-americana percebe a importância deste filme. Não só a sua importância como cinema, mas também como um falso-documentário sobre o papel da imprensa e a sua relação com o poder. E para aqueles que olham para o cinema apenas na sua vertente de entertenimento, Good Night and Good Luck. também pode ter algumas surpresas na manga. O tom sóbrio e imaginativo são captivantes, e não há grandes dúvidas de que aqui está um dos mais sérios candidatos a filme do ano, quando as contas se fizerem, lá para Janeiro. E nós por cá, continuamos á espera da definição de uma data de estreia, algo que pode esta para breve.

O QUE SE DIZ

"Um capitulo vital da história de meados do século, ganha vida de forma conscisa, com intimidade e uma clara marca artistica."

Variety

"O filme de George Clooney sobre o pivto da CBS Edward Murrow não podia ser mais apaixonado, um ensaio sobre o poder, a verdade e a responsabilidade."

New York Times

"Good Night and Good Luck não podia ser menos sui generis, menos out...ou mais captivante."

Los Angeles Times

[Ronny]

Antevisão - A History of Violence

Cronenberg sempre foi um cineasta de culto. As massas torciam o nariz ao ouvir o seu nome, que só por si já se podia estabelecer como elemento de comparação a titulos de obras suas. Mas desta vez o público - e a critica - rendeu-se por completo ao seu novo filme. Chama-se A History of Violence, é um retrato cru sobre um homem que é forçado a expor um passado que pensava bem enterrado e conta com um elenco de luxo!

O Hollywood abre aqui uma nova rúbrica. O espaço Antevisão passará a funcionar regularmente ás segundas-feiras. Todas as semanas será feita uma antevisão sobre os grandes titulos a estrearem em Portugal nos tempos mais próximos. Numa primeira fase, a Antevisão será composta por uma análise aos 20 titulos mais importantes a estrearem por cá entre Outubro e Fevereiro. O filme de David Cronenberg abre este novo espaço!

O mito David Croneberg começou a desenhar-se nos anos 70 e consolidou-se na década seguinte com três obras fundamentais: DeadZone, The Fly e DeadRingers. A partir daí deixou de existir qualquer dúvida sobre o enorme talento do canadiano em passear por universos alternativos e obscuros, retirando deles a dose certo de magia para criar verdadeiras obras miticas. E se nos anos 90 a carreira do realizador continuou a seguir os mesmos moldes, aventuras mais intimistas como Spider não conseguiram o eco que mereciam e podiam ter tido. Talvez por ser um realizador demasiado conotado com o universo fantástico, foram poucos os que acreditaram que Cronenberg fosse capaz de trasnformar um filme mainstream num verdadeiro sucesso.
Mas foi isso que aconteceu!
Com uns espantosos 87% de reviews positivas no Rotten Tomatoes e com resultados espantosos no box office (o maior sucesso de sempre do realizador), que fazem com que o filme ainda esteja no top10 com um lucro acumulado de mais de 15 milhões de dólares, A History of Violence tornou-se num fenómeno raro. Pela primeira vez Cronenberg é popular. Não só entre os criticos que não poupam elogios ao seu trabalho contido nos efeitos e na camara, mas extremamente intenso na acção e nas personagens que desenvolve, como entre o público que parece ter elegido este como um dos grandes sucessos de Outono deste 2005. Será por isso natural perguntarmo-nos o porquê deste surpreendente sucesso.

A History of Violence é a adaptação de uma comic book de sucesso de John Wagner e Vince Locke. O filme conta com uma duração de hora e meia - bem ao estilo do realizador - e leva-nos até a uma pequena vila no coração do estado do Indiana. É lá que encontramos Tom Stahl. O homem que parece o marido e o pai perfeitos, dono de um pequeno café local vai ser um dia colocado á prova, quando dois assaltantes decidem entrar no seu café, roubar e matar todas as testemunhas. Stahl vai reagir com uma frieza que ninguém conhecia, e com uma imensa habilidade, e o pacifista acabará por matar os assassinos, tornando-se no heroi da vila, que vê nele o exemplo de coragem e de moral a seguir. Daí até se tornar famoso é um saltinho, mas com a fama chega também o passado que Stahl sempre quis esconder, mesmo dos que mais amava. Um passado sombrio que poucos imaginavam ser possivel num homem daquele calibre. Um passado que pode destruir em segundos, o que ele levou uma vida a construir.

Para esta história Cronenberg apostou na direcção de actores. O realizador que já trabalhou com nomes como Christopher Walken, Jeremy Irons ou Ralph Fiennes, decidiu eleger como personagem principal Viggo Mortensen, que vai, aos poucos, tentando-se livrar da eterna imagem de Aragorn, o rei dos Homens na trilogia fantástica Lord of the Rings. E a escolha parece ter sido perfeita. Mortensen, um actor com provas dadas já antes do fenómeno tolkiano, gere as emoções na perfeição e a sua mestria é tal, que domina todas as cenas onde entra, do primeiro ao último instante. A critica não lhe poupou elogios e este pode ser mesmo o papel que o actor procurava para se afirmar definitivamente como um nome a respeitar.
Feliz foi também a escolha para viver Edie, a mulher de Tom e talvez a personagem mais fascinante do filme pela forma como é confrontada com a realidade de estar casada com um homem que desconhece por completo. A dificil tarefa foi entregue a Maria Bello, actriz do sucesso popular Coyote Bar, mas, mais importante que isso, de The Cooler, o filme que consagrou William H. Macy como actor principal. Se a critica e o público gostaram de Mortensen, que dizer de Bello. A actriz transforma-se por completo de uma parte para a outra do filme, expõe-se sem qualquer pudor, sofre as cenas mais violentas do filme e enfrenta-os com uma coragem estarrecedora e ajuda a contrabalançar o poder masculino que vai pautando o filme, e que surge nos papeis secundários de Ed Harris e William Hurt, dois nomes grandes que têm uma importante palavra a dizer ao longo da narrativa.

Depois de ter brilhado no último Festival de Cannes, A History of Violence tem tudo para se tornar num dos filmes do ano. Um argumento espantoso e já sobejamente conhecido dos amantes de banda-desenhada. A mão genial de Cronenberg na camara e um elenco que se apresenta ao seu melhor nivel. É sempre dificil imaginar como as grandes instituições da indústria de Hollywood, ou mesmo muitos dos criticos, irão olhar para este filme. Se tudo indica que tanto Mortensen como Bello estão na lista dos melhores do ano, poderá sempre haver a habitual tentação de fazer passar a imagem de que falta algo para coroar definitivamente o autor canadiano. Mas, mesmo assim, A History of Violence - que estreia por cá a 17 de Novembro - dificilmente escapará as listas dos melhores do ano de muitos amantes de cinema, um pouco por todo o mundo.

O QUE SE DIZ

"Um trihller que é uma obra-prima visceral. O último quebra-cabeças de Cronenberg é o feel-good e o feel-bad do ano!"

New York Times

"Apesar da sua temática, "History" nunca perde de vista a ideia de não seguir o modelo a la Tarantino na forma como trata a violência."

Los Angeles Times

"Não glorifica a violência, não a torna gratuita. É súbita e chocante!"

Ebert and Roeper

[Ronny]

Munique (Alemanha) - 1972

Um pouco da História

O fim do sonho olímpico

Reportagem da Revista VEJA publicada em 13 de setembro de 1972

"Meu nome é Aaron Lahn, sou jornalista israelense. Hoje de madrugada o chefe de nossa delegação, Shmuel Lalkin, me telefonou avisando que algo muito grave tinha acontecido."

Aaron Lahn foi a primeira pessoa a contar a história que na semana passada derrubou o mito da paz olímpica. Quando entrou no centro de imprensa, pálido e exausto, às 7 da manhã de terça-feira, o sol já alto e o céu muito azul prometiam um dia ideal para a cidade de Munique. A gigantesca quermesse diária das Olimpíadas ainda não tinha sido aberta ao público, mas tudo estava pronto.

Os três imensos cérebros eletrônicos instalados pela Siemens velavam noite e dia para que nenhum erro de organização viesse perturbar o sono dos turistas e agora já chegavam ao centro da Vila as dezenas de vendedores, com sua carga de símbolos olímpicos ingenuamente gravados em pratos, cachimbos e canecas de louça, selos, copos, medalhas e camisas.

Jovens recepcionistas e intérpretes retocavam a pintura diante do espelho, vestiam o uniforme azul-claro e preparavam seus sorrisos. Nas lojas centrais, esperavam lado a lado os manequins de gesso em improvisadas poses atléticas e o cachorro bassê que, por ser um animal brincalhão e inofensivo, foi escolhido para representar, em couro, camurça, pano ou sobre rodas, com a cauda móvel, o espírito alegre da cidade de Munique. Uma hora mais tarde, a horda de visitantes estrangeiros invadiria novamente, a capital do esporte para, mais uma vez, se maravilhar com o selvagem hábito nativo de substituir o café da manhã por um chope duplo com salsichas.

A grande questão do dia era saber se o nadador prodígio, Mark Spitz, continuava ou não seu romance com a loura Jo Ann Harshbarger, de quinze anos, especialista dos 800 metros. E a opção cultural, na parte da manhã, incluía uma apresentação do grupo musical Jesus Freaks, uma peça de vanguarda na Spielstrasse e um concerto de flauta.

Mas, enquanto a cidade despertava com olímpica inocência, no centro de imprensa Aaron Lahn prosseguia seu relato. "Às 6 e meia da manhã cheguei à Vila Olímpica e vi o cadáver de Moshe Weinberg. Estava coberto de sangue, após ter sido metralhado na cama. Três fugiram. Os outros - doze ou treze - estão prisioneiros. Depois, a polícia expulsou todo mundo e ninguém sabe mais nada."

Até ser estabelecida a verdade, ou parte dela, Munique atravessou seu dia mais longo e confuso, marcado de violência, hesitações e mentiras. Às 2 horas da madrugada seguinte, quando o drama se encerrou com a morte de nove atletas israelenses, amarrados de pés e mãos dentro de dois helicópteros, a cidade de Munique pareceu acordar novamente. Desta vez, de verdade: o sonho olímpico estava terminado. Mais ainda: a guerra no Oriente Médio, circunscrita nos últimos tempos a pálidas negociações de paz, parecia mais uma vez iminente, com os clamores de vingança vindos de Israel. "Combateremos até os limites de nossa capacidade e força", anunciava o chanceler Abba Eban, um dos membros mais moderados do Gabinete. E surgiam as primeiras vítimas políticas do atentado - o chanceler egípcio Mohammed Ghaleb e o governo estadual da Baviera.

A primeira reação mundial, dura e injusta, culpou a própria cidade - antiga capital do nazismo - que havia procurado seu perdão organizando as Olimpíadas "mais fraternais e alegres da História". Esse era o sentido primordial dos XX Jogos e, quando ele desapareceu nas mãos dos terroristas árabes, tudo o mais perdeu a consistência. Todos os motivos de orgulho, a pista de ciclismo de madeira indiana, o lago artificial para os remadores, o estádio semicoberto de acrílico, os quase 2,5 bilhões de marcos gastos, pareciam ter sumido no ar, deixando no local dos jogos apenas o antigo terreno baldio onde em 1945 os alemães acumularam 10 milhões de metros cúbicos de escombros retirados de sua cidade.

Para os atletas, o despertar foi particularmente duro. O alarma foi dado logo cedo por um halterofilista americano que saía para o treino com duas toalhas enroladas na cabeça e foi jogado ao solo por um policial nervoso. A cortesia também tinha desaparecido.

Quanto maior o êxito alcançado, mais brusca também era a mudança. Mark Spitz, o nadador de origem judia que veio dos Estados Unidos a Munique para bater todos os recordes a poucos quilômetros do antigo campo de concentração de Dachau, ídolo absoluto dos Jogos, teve de empacotar às pressas suas sete medalhas de ouro e tomar o primeiro avião de volta. Só um punhado de jornalistas muito próximos, e com excelente audição, conseguiu ouvi-lo em sua última entrevista coletiva. A guarda de segurança improvisada impediu-o de expor-se à fácil mira, junto aos microfones. Receavam um eventual atentado. Era o medo, já dominando as Olimpíadas do terror. O esforço obstinado de mais de 10.000 atletas fora aniquilado pela pequena delegação palestina de terroristas não convidados. Entre os 122 povos que se fizeram representar em Munique, o palestino em o único que nada tinha a ganhar. Mas era também o único já sem mais nada a perder.

Quase uma semana após o desenrolar do atentado, a cronologia das 23 horas dramáticas de Munique ainda é confusa, conflitante, incompleta. Sabe-se que às 4h30 da manhã de terça-feira, dois carteiros alemães, em sua ronda matinal, viram cinco homens com uniformes de atletas pulando a cerca da Vila Olímpica. Nada parecia mais normal, uma vez que, nas noites anteriores, dezenas de atletas deram o mesmo salto não olímpico após terem passado a noite no bairro dos artistas ("Schwabing") e perdido a hora estipulada para seu regresso.

Dez minutos mais tarde, contudo, desfazia-se a normalidade. O grito heróico do treinador israelense Moshe Weinberg, de 33 anos, a seus companheiros de quarto - "Fujam" - durante os segundos em que conseguiu, com seu peso e desespero, manter a porta entreaberta apenas 20 centímetros custou-lhe a vida, cravado de balas. Mas permitiu a fuga, pela janela, de três colegas, perseguidos por rajadas de metralhadoras. Poucos minutos depois, outro israelense, num segundo apartamento, ouviu a campainha da porta, abriu e foi atropelado por quatro terroristas armados com metralhadoras Kalashnikov, de fabricação russa. Intimados a revelar onde se encontravam os outros membros da delegação de Israel, os treinadores, na esperança de subjugá-los pela força, conduziram os assaltantes aos aposentos dos halterofilistas e lutadores, evitando o quarto em que nadadores, esgrimistas, atletas e atiradores ainda dormiam. A mira das metralhadoras foi mais forte, obrigando os israelenses a saírem em fila indiana, com as mãos erguidas.

Ainda assim, o lutador Gad Tsabari aproveitou a virada de um corredor para fugir em zigue-zague, como aprendera no Exército, escapando entre as pilastras do edifício. E o treinador de halterofilismo Tuvia Sokolovsky, outro sobrevivente aterrorizado, podia relatar sua odisséia: "Quebrei a janela com uma cadeirada e escapei de pijama, descalço. Ainda me lembro de um homem com rosto pintado de negro, o som de uma rajada e um gemido. Corri como louco até o pavilhão vizinho e bati na janela de uma delegação sul-americana, mas ninguém abriu. Agarrei-me ao primeiro soldado que vi e contei o que vira". Nesse momento, o halterofilista Joseph Romano, de 31 anos, também já tinha sido alvejado mortalmente.

Às 5h20, toda a Vila Olímpica cercada por soldados postados de 2 em 2 metros ao longo da cerca de tela que marca os limites das acomodações dos atletas. Do ônibus que faz a ligação entre o centro de imprensa e a Vila Olímpica, os jornalistas perceberam a mudança, nos homens do serviço de segurança. Fisicamente, seu aspecto ainda era pouco marcial: uniforme de calças verde-escuro com uma risca lateral mais clara, a camisa cinza e, sob o quepe verde, muitos cabelos compridos ou longas costeletas. Mas, antes de entrar na Vila, a identidade de cada passageiro era minuciosamente controlada e só os atletas passavam. Sobre as calçadas vizinhas haviam surgido os Volks 1600 verde-petróleo da polícia e os carros Hanomag de transporte de tropas.

Aos poucos, o calor ia aumentando, juntamente com o número de curiosos que emergiam da boca do metrô situada a apenas 20 metros da entrada da Vila. Fotógrafos amadores se misturavam aos desocupados. Uma manifestação de judeus, vigorosamente vaiada, exigindo o fim das Olimpíadas (já se sabia da morte de dois reféns), era cortada por um garoto de onze anos anunciando as edições extraordinárias de todos os jornais locais. Ninguém sabia ao certo o que estava ocorrendo, e alguns também pareciam não se interessar muito. "Tudo que sei", dizia um argentino, jogador de hóquei, sem interromper seu banho de sol, "é que um dos prédios está bloqueado. Não sei por que, mas eles (os alemães) fazem isso toda hora."

Para outros, como o chanceler Willy Brandt, que correu a Munique após reunir o Gabinete em sessão extraordinária, era o início de uma grave crise - de confiança, de autoridade, de responsabilidade. Os terroristas haviam jogado da janela três folhas de papel datilografado em inglês, exigindo a libertação de duzentos prisioneiros políticos árabes detidos em Israel e salvo-conduto para levarem os reféns, em três aviões, para uma capital árabe.

Contudo, todos os canais de negociações pareciam bloqueados. De Tel Aviv, Golda Meir, chefe do governo de Israel, descartava qualquer possibilidade de entendimento. Do Cairo, o presidente Anuar Sadat rejeitava, segundo a versão alemã, uma solicitação pessoal de Willy Brandt para acolher e responsabilizar-se por reféns e terroristas. E, no bloco 31 da Conollystrasse, em frente ao alojamento de Israel, o impasse só aumentava a tensão. O ministro do Interior, Hans Dietrich Genscher, o secretário do Interior da Baviera, Bruno Merck, e o chefe da polícia de Munique, Manfred Schreiber, parlamentavam com o presumível chefe do grupo terrorista que, além de um chapéu branco, escondia a identidade sob uma máscara preta. Falavam em alemão, pois, como ele mesmo revelara, o líder guerrilheiro vivia há oito anos na Alemanha.

A cada proposta dos negociadores alemães - soma ilimitada de dinheiro, troca dos reféns pelo ministro Genscher, o secretário Merck ou qualquer outra personalidade da República Federal -, a sinistra cabeça preta de pano do terrorista se movia numa negativa. Os prazos expiravam, os Jogos Olímpicos estavam suspensos por 24 horas, o esporte mundial cedia ao crime e à política.

Durante toda a tarde, as ruas das principais cidades da Alemanha esvaziaram-se, pois a maior parte da população acompanhava o desenrolar do drama pela televisão e rádio. Mas a maior rede de TV jamais formada (quatro satélites) projetava apenas a imagem parada, medieval e macabra de um terrorista no balcão do alojamento dos israelenses. O atleta americano Alex Woodley, que se encontrava junto à delegação de Trinidad e Tobago, no mesmo prédio, observou tudo durante dez horas, petrificado. "Ele esteve calmo o tempo todo", contou Woodley, referindo-se ao chefe do grupo terrorista. "Acendia cigarros pausadamente e ofereceu uma banana a uma funcionária dos Jogos, refém temporária."

Finalmente, às 21h50, teve início o último ato do drama olímpico. O halterofilista brasileiro Tamer Chaim notou a descida de dois helicópteros na área de recreação, dentro da Vila. Pouco depois, um caminhão aparecia pelo subterrâneo da Conollystrasse, e estacionava em frente ao prédio 31. Um terrorista, o rosto coberto por um pano branco, parecia recusá-lo, após inspeção. De longe, os espectadores mal conseguiam discernir a dramática procissão: seqüestradores e seqüestrados, estes de mãos atadas e olhos vendados, entravam num ônibus maior, de onde passariam para dois helicópteros.

Ninguém sabia que, naquele exato momento, fracassava, antes mesmo de começar, o plano original da polícia alemã de alvejar os terroristas à sua saída do prédio. E que, nos minutos seguintes, enquanto Genscher e Merck subiam num terceiro helicóptero, decidia-se pôr em funcionamento um plano desesperado para impedir a todo custo a partida para o exterior da caravana do terror.

No centro de imprensa, 4.000 jornalistas surpreendidos pelos acontecimentos se perdiam numa agitação desordenada, incapazes de observar todas as informações contraditórias do dia interminável. De hora em hora, as autoridades alemãs convocavam entrevistas coletivas povoadas de hesitações e erros.

Pouco antes da meia-noite, finalmente, uma certeza: antes de embarcarem num Boeing da Lufthansa, os reféns tinham sido libertados na base aérea de Fuerstenfeldbruck pelo fogo protetor dos atiradores de elite da polícia alemã. Um dos palestinos tinha se suicidado e os outros estavam sendo perseguidos. O próprio presidente demissionário da Comissão Olímpica, Avery Brundage, chegou a concluir: "Foi uma vitória".

Foi dessa forma que todos os matutinos europeus saíram com falsas manchetes, na quarta-feira, e que o Estado de Israel adormeceu tranqüilo. Na Vila Olímpica, onde a notícia chegou quase instantaneamente, um punhado de pessoas - sobra da multidão de curiosos das últimas horas - assistia à exibição bem-humorada de um atleta sueco imitando um halterofilista, com a ajuda de um guarda-sol.

Três horas mais tarde, lívido e exausto, no centro de imprensa onde alguns jornalistas permaneciam em vigília, o secretário do Interior, Bruno Merck, pronunciava uma curta frase, que fez saltar os jornalistas alemães: "Alle Geiseln getoetet". Após uma espera angustiante, os que entendiam inglês ouviram a tradução do secretário de imprensa das Olimpíadas, Hans Klein, e a transcreveram nos teletipos: "Todos os reféns mortos". Os espantosos detalhes só seriam conhecidos dois dias mais tarde. Na manhã seguinte, o mundo acordava incrédulo. Na Alemanha, o verdadeiro choque do massacre atingiu a população que se dirigia ao trabalho e via nas repartições públicas de todo o país as bandeiras a meio pau. Dentro da perplexidade que se alastrou como um incêndio de verão operários de Berlim abandonaram seus locais de trabalho em sinal de protesto contra a violência, 120.000 trabalhadores da Volkswagen respeitaram um minuto de silêncio em sinal de reverência às vítimas. Em toda parte, conta Carlos Struwe, correspondente de VEJA na Alemanha, um silêncio surdo e incomum. "Por que nos fizeram isso? Logo a nós?"

A pergunta era martelada, sob formas diversas, em todo o país. Se em Munique, para explicar o atentado, um israelense dizia que "Israel não é um país como os outros", não resta dúvida que, ainda à sombra do III Reich, a Alemanha Federal também não é um país como todos os outros. A chacina de onze israelenses em seu território constitui uma tragédia especial para um povo que conseguiu soterrar algumas lembranças, mas que está longe de tê-las esquecido.

Todos sabiam que é praticamente impossível evitar um atentado cometido por terroristas que arriscam a própria vida por uma convicção política. Todos sabiam que nem os órgãos de segurança dos Estados Unidos conseguiram evitar o assassínio de presidentes e políticos, e que tampouco as autoridades internacionais conseguem impedir a pirataria aérea. Estas verdades, contudo, não livraram os alemães do desgosto de ver malograda, ou submetida até a uma infeliz inversão, a esperança de aumentar seu prestígio e fazer esquecer as Olimpíadas de 1936. As críticas contra eventuais negligências apenas começaram a se propagar. Em telegrama enviado a Golda Meir, o editor alemão Axel Springer sublinhou: "Lamento muito que os dispositivos de segurança tenham sido negligentes e que a ausência de uma estratégia eficaz tenha culminado com essa carnificina". Mais comprometedoras ainda eram as acusações provenientes de Israel, onde, à exceção do governo, a população irrompeu num só grito de indignação: "O descuido dos alemães é imperdoável". Sabe-se que, em fins de agosto, a Interpol havia sido informada da presença de Leila Khaled, terrorista palestina do grupo Setembro Negro, no aeroporto de Schiphol, em Amsterdam, e que os Jogos Olímpicos poderiam ser o cenário de uma ação espetacular dos terroristas. Mas a polícia alemã, alertada, teria concluído que, em caso de ataque, os terroristas visariam instalações e prédios, e não delegações.

"É inimaginável. A delegação de Israel era o alvo óbvio", desabafava Dani Schillon, chefe da equipe israelense de televisão. "O dramático é que, ao chegarmos em Munique, pedimos em vão medidas de segurança especiais para nossa delegação. Também não fomos autorizados a portar armas." Esther Shachamorov, corredora de vinte anos, recordava o espanto da delegação israelense ao ver que seus aposentos na Vila Olímpica eram conhecidos de todos, com os nomes dos atletas gravados nas portas.

Às 10 horas da manhã, como de hábito, atletas, jornalistas, delegados e personalidades - como o príncipe Philip, da Inglaterra, ou Rainier e Grace, de Mônaco - dirigiram-se novamente ao estádio lotado por mais de 80.000 espectadores. Não para assistir a competições esportivas. Mas para homenagear, durante duas horas, as vítimas do atentado. Entre os acordes da "Sinfonia Heróica" de Beethoven, tocada pela Filarmônica de Munique, os sobreviventes da delegação israelense - todos de paletó marrom e com "yarmulkas" brancas na cabeça - sentaram-se em silêncio. Na tribuna de honra coberta de crepe negro sucederam-se o presidente da Alemanha, Gustav Heinemann ("Responsáveis são também os países que toleram ações de terror"), o presidente do Comitê Olímpico Alemão, Willi Daume ("Foram derrubados os últimos tabus que existiam para o crime"), o embaixador de Israel em Bonn, Ben Horin ("Deste lugar, apelo ao mundo civilizado para que combata com toda energia a política dos homicídios"), e o chefe da delegação israelense, Shinuel Lalkin ("Apesar do barbarismo, os atletas israelenses deverão participar de futuras competições").

Na ala direita, o ex-campeão olímpico americano Jesse Owens, participante das Olimpíadas de 1936, e o ex-campeão olímpico checoslovaco Emil Zatopek enxugavam as lágrimas, enquanto os demais contavam as delegações ausentes: União Soviética, Egito, Kuwait, Líbano, Arábia Saudita, Síria, Argélia, Sudão e Líbia. Era a primeira vez na história que os Jogos Olímpicos eram suspensos e Avery Brundage concluiu, em desafio ao terror: "The Games must go on".

Mas antes mesmo que os sons do "Egmont" de Beethoven encerrassem a cerimônia, os relatos do que acontecera invadiram Munique, provocando o debate que se perpetuara: a chacina poderia ter sido evitada? As autoridades alemãs continuavam a fornecer informações desencontradas. Uma entrevista coletiva, 48 horas após o massacre, deveria responder às perguntas mais prementes. Contudo, transformou-se numa maratona de mais de cinco horas de recriminações e ásperas trocas de palavras entre a imprensa mundial e os quatro entrevistados: Genscher, Bruno Merck, Manfred Schreiber e o ministro do Interior da Baviera, Georg Wolf. Os quatro chegaram, por vezes, a ser silenciados pelos gritos dos jornalistas - "mentira", "incompetente". Após, o diário de maior circulação no país, "Bild Zeitung" (4 milhões de exemplares), indagaria: "Os reféns foram mesmo mortos pelos árabes, ou foram vítimas das balas da polícia?"

A primeira versão completa e oficial dos acontecimentos na base aérea foi dada por Georg Wolf. Depois de reconhecer que foi o autor da ordem de atirar "na melhor oportunidade possível", contou que as hélices dos helicópteros ainda não havia parado quando dois guerrilheiros saltaram, um de cada aparelho, para a pista fortemente iluminada. Quando mais dois apareceram, os atiradores da polícia abriram fogo, alvejando três terroristas. Mas o líder do grupo correu uns 50 metros, e conseguiu abrigar-se junto a um dos helicópteros. Em seguida, teria havido uma trégua durante a qual os guerrilheiros foram intimados em alemão, inglês e árabe a se renderem. Mas, ao notarem a chegada de carros blindados, começaram a alvejar os holofotes e a torre de comando. A partir desse momento, tiros foram disparados de todos os lados.

Um terrorista, ferido, lançou uma granada contra um dos helicópteros, morrendo ele e os reféns que o ocupavam. No fim, todos os nove israelenses e cinco terroristas mortos, três terroristas feridos. "Um deles fingiu-se de morto, mas felizmente conseguimos ressuscitá-lo logo", concluiu Wolf com um breve sorriso. Teria isso algo a ver com o guerrilheiro que perdeu a perna? - conjeturou um dos jornalistas presentes.

Em seguida, Manfred Schreiber, responsável pela ação policial no aeroporto, informou que os cinco atiradores colocados na torre de comando tinham rifles G-3 equipados com lunetas de longo aIcance. "O quê? Havia apenas cinco atiradores?" - perguntavam, aos gritos, os jornalistas. "Pensei que havia apenas quatro terroristas e assim cinco seriam suficientes", foi a resposta.

Somente no dia seguinte, Conrad Ahlers, porta-voz do governo federal, aceitou comentar a informação errada de que os reféns estavam vivos: ela teria sido passada por um policial da Baviera, "com vontade de aparecer". Além disso, como o sistema de comunicação do aeroporto havia sido danificado pelas balas, não havia meios de transmitir as últimas informações.

Todas as respostas das autoridades alemãs apenas serviram para levantar ainda mais dúvidas. "Se alguém puder provar que fui culpado, que cometi um único erro, arcarei com as conseqüências", disse Bruno Merck, puxando nervosamente com a mão direita a outra manga do paletó, vazia desde que perdeu um braço na Segunda Guerra Mundial. Seu nervosismo era o de todo o governo alemão, imerso em profundo mal-estar. Correndo o que talvez seja o maior risco político de sua carreira, Willy Brandt ordenou a preparação de um Livro Branco sobre o massacre, e a única dúvida é no item Alemanha, quem será responsabilizado: o governo federal, social-democrata, ou o governo estadual da Baviera, da oposição democrata-cristã. De qualquer forma, o sentimento de fracasso nacional não podia mais ser escondido.

Nem o clamor de vingança vindo de Israel. Enquanto os esquifes de madeira, cobertos com a bandeira branca e azul, chegavam ao aeroporto de Lod, ressuscitavam os tanques e a Aviação israelense na fronteira da Síria e do Líbano. "Pretendemos nos defender, e não apenas nos defender", profetizava o ministro do Interior, Yosef Burg. Com a Síria em estado de alerta e sete aldeias da fronteira arrasadas pela Aviação e por tropas de Israel, o Oriente Médio incendiava-se, mais uma vez.

No dia seguinte ao do massacre, visitando campos de refugiados perto de Beirute, o correspondente do jornal "Le Monde" ouviu os gritos de alegria com que era acompanhado o noticiário pelo rádio. Pelo menos para os cerca de cem militantes da organização Setembro Negro (o nome evoca a repressão do governo jordaniano contra os palestinos em setembro de 1970) o episódio não estava encerrado. "Prometemos duros golpes contra a Alemanha caso os três prisioneiros não sejam libertados logo", anunciava um comunicado distribuído no Cairo. A curta mas dramática folha de serviços da organização indica que eles continuam dispostos a tudo, por nada. Em novembro do ano passado, quando foi morto o primeiro-ministro da Jordânia, o odiado Wasfi Tell, ouviu-se pela primeira vez falar na organização. Desde então, Setembro Negro vem operando essencialmente em países europeus.

Para evitar maiores desastres, o Ministério do Interior, em Bonn, alertou os cerca de 32.000 judeus residentes na Alemanha sobre possíveis bombas em suas caixas de correio, e anunciou a expulsão do país de 14.000 árabes - primeira leva de um total de 57.000. Mas a medida pareceu dramaticamente insuficiente. Principalmente porque a grande lição da tragédia de Munique é que a violência costuma ignorar as fronteiras - assim como muitos acreditavam, e ainda acreditam, que os ideais olímpicos também estejam acima dos limites e das diferenças entre as nações.

No fim da semana passada, enquanto em toda a Europa, em Israel e nos países árabes sucediam-se manifestações e atos de violência, em Munique os Jogos Olímpicos teimosamente chegavam ao final. E alguns continuam vendo neles um oásis de confraternização e não uma perigosa arena de conflitos. Para estes, o símbolo dos XX Jogos Olímpicos não seria nem um superatleta como Mark Spitz nem os fanáticos jovens palestinos. Mas, talvez, um desconhecido como Saul Lodani, professor de matemática em Israel, calvo e ligeiramente barrigudo, um dos últimos colocados na exaustiva marcha de 50 quilômetros. Ao terminar a prova, ele saudava as arquibancadas com o braço erguido - onde ainda se vê a tatuagem de seu número de prisioneiro em Auschwitz -, resgatando a ilusão olímpica dos guetos da História para as luzes do estádio.

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Ronny, vc fez uma pequena pesquisa esses dias hein?

[Ronny]

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Que nada, bicho. Noite sem dormir!!!

Nada pra fazer!!!

[guidon]

Outro exército inútil

Helena Celestino
Correspondente NOVA YORK

Hollywood sempre teve mais medo de política do que o diabo da cruz. A expressão é tão antiga quanto os velhos filmes de guerra que o cinemão passou anos fazendo, com soldados americanos no papel de heróis levando a civilização aos países bárbaros. Essa longa tradição de filmes para se ver na “Sessão da Tarde” cambaleou com a Guerra do Vietnã e agora parece não ter mais forças para resistir diante da politização do país. É possível fazer um filme de guerra apolítico quando os Estados Unidos estão atolados numa guerra que o mundo e a maioria dos americanos consideram errada?

O premiadíssimo diretor Sam Mendes, uma unanimidade nacional desde “Beleza Americana”, acredita que sim. Para ele, “Soldado anônimo” (“Jarhead”), seu recém-lançado filme, está longe do debate atual sobre a ocupação no Iraque, pois é uma abordagem existencialista da Guerra do Golfo, aquela promovida por George Bush pai para tirar Saddam Hussein do Kuwait em 1991. A crítica foi impiedosa com ele: considerou ridícula a sua intenção de se manter acima do bem e do mal. Pior, achou que essa tentativa produziu um filme irrelevante sobre uma guerra irrelevante.

— O que penso da guerra de 2005? Acho que não deveríamos estar lá. Mas não tem nada a ver com o meu filme. Esse é um filme sobre a operação Tempestade no Deserto. As pessoas querem me ver fazendo declaração política sobre a guerra atual, mas isso é simplificar o meu filme. Os melhores filmes são sobre a inutilidade da guerra, e esta é a guerra mais inútil de todos os tempos — disse Sam Mendes, irritado, na entrevista para lançar seu filme, semana passada num hotel de Nova York.

“‘Apocalipse now’, meu filme favorito, também foi mal recebido”

Adaptado de um best-seller com o mesmo título, “Soldado anônimo” é um filme sobre o terror e a emoção da vida militar mas também sobre a frustração e o tédio. O livro é um testemunho profano da guerra, escrito com raiva e inteligência por Anthony Swofford e vivido nas telas por Jake Gyllenhaal — o mesmo ator da história de amor gay entre dois caubóis em “Brokeback Mountain”, o vencedor de Cannes. Com a ajuda de um roteirista veterano da Guerra do Vietnã, o diretor captura a mistura de estresse, fadiga e impaciência dos fuzileiros à espera de combates que nunca chegam a acontecer — a Guerra do Golfo foi aquela vendida pelos generais como uma intervenção cirúrgica cujas imagens pareciam com as de um videogame.

A rotina das tropas no deserto, basicamente preenchida por limpeza das armas, masturbação e água para não desidratar, é descrita com humor pelo diretor. Uma das melhores cenas é a dos soldados, antes de partir para o deserto, vendo filmes de guerra para matar o tempo: o vídeo escolhido para passar na televisão do quartel é “Apocalipse now”, e os recrutas cantam Wagner e gritam entusiasmados quando os helicópteros entram em cena na batalha do Vietnã.

— “Apocalipse now”, meu filme favorito, também foi mal recebido. Os críticos querem que se explique o significado da guerra e do filme mas obras de arte têm muitas interpretações. Fiz um filme com intenção de durar dez, 20 anos, para ser visto por pessoas que não têm idéia do atual clima político — defende-se Sam Mendes.

“Apocalipse now”, rebatem os críticos, era um filme declaradamente contra a guerra. Assim como “Nascido para matar”, a obra-prima de Stanley Kubrick, também citada pelo diretor em “Soldado anônimo”, ao reproduzir a cena antológica do pelotão correndo e cantando sob o comando do coronel sedento de sangue. Embora a Segunda Guerra seja a preferida de Hollywood, os cineastas americanos aventuraram-se pelo Vietnã nos anos 70 e 80 com resultados não muito brilhantes, mas, nos 90, os baby-boomers entraram nessa guerra e deixaram como herança alguns dos melhores filmes do gênero. Para Mendes, um cinéfilo educado em Cambridge, é preciso tempo para interpretar os acontecimentos históricos e seria impossível abordar agora a atual guerra do Iraque.

— Quantos anos Hollywood levou para fazer filmes do Vietnã? “Nascido para matar” precisou de 20 anos de distância para ser feito — diz.

Depois de um afastamento voluntário do cinema, Sam Mendes apaixonou-se pelo livro-testemunho sobre a guerra do Kuwait e deixou os produtores impressionados com as resenhas sobre o best-seller. Convenceu-os de que Hollywood estaria a salvo dos riscos políticos ao situar o filme no passado. Escudados num estranho conceito de guerra boa, ele e o roteirista William Broyles Jr. defendem a tese de que, como a Segunda Guerra Mundial, a primeira incursão contra Saddam era justa e apoiada pela ONU, capaz, portanto, de gerar bons filmes-pipoca.

— A Guerra do Vietnã era uma guerra ruim. A Segunda Guerra e a Guerra do Golfo eram boas. A atual é uma área cinzenta — diz Mendes.

— É um filme visto do ponto de vista das tropas, o que nunca ninguém mostra — diz Broyles, juntando-se ao coro dos apolíticos, apesar de ter um filho alistado na atual guerra do Iraque.

Como em qualquer superprodução no estilo tradicional, “Soldado anônimo” também tem helicópteros que cruzam os céus, campos de petróleo queimando, um ou outro melodrama perpassando o acampamento de soldados, povoado pelos personagens de sempre dos modernos filmes de guerra: o tímido nerd , o latino que mostra fotos da mulher grávida, o texano que só fala besteira, o sargento durão — uma ponta interpretada por Jamie Foxx, o premiado com o Oscar de melhor ator deste ano. Na última cena, numa metáfora para expressar o sentimento de que o soldado sempre carrega a guerra com ele, o personagem principal, numa voz em off sobre as imagens, comenta:

— E nós ainda estamos no deserto...

— Não brinca... E o que estamos fazendo lá? — respondeu com ironia o crítico do “New York Times”, debochando da tentativa de ignorar a sangrenta guerra estampada diariamente nos jornais.

Do Jornal O Globo.

[Ronny]

A Revista ENTERTAINMENT WEEKLY divulgou sua lista dos "10 FILMES MAIS ESPERADOS PARA O FINAL DO ANO". Entre os Oscarizáveis:

9° SYRIANA

RELEASE DATE Nov. 23, limited; Dec. 9, wide<?:namespace prefix = o ns = "urn:schemas-microsoft-com:office:office" />

WHY WE CAN'T WAIT Stephen Gaghan's interlocking screenplay for Traffic was so dazzling that we're eager to see if he can do for oil what he did for cocaine.

THE PREMISE Gaghan, who also directs, interweaves three stories: one about a CIA agent (George Clooney) in the Middle East, another focused on an oil-industry lawyer (Jeffrey Wright) working on a megamerger, and the third about an oil-company analyst and his wife (Matt Damon and Amanda Peet) mourning their dead son.

SOURCE Federal agent Robert Baer's 2002 book, See No Evil: The True Story of a Ground Soldier in the CIA's War on Terrorism

THE BACK STORY Don't recognize the bearded, bearish Clooney (pictured)? He pulled a De Niro and gained 35 pounds for the role in 30 days. ''It was actually like doing an athletic stunt because it was like eight meals a day, just as hard and fast as you can eat,'' he says. ''It really screwed with my health. I know people have done it before, but I don't know that they've done it at 44. You know, I think that was my mistake.''

BURNING QUESTION Will moviegoers want to open their wallets, fill up their gas tanks, and drive to the multiplex to see a film about the geopolitics of oil?

COME FOR Clooney, who with this and Good Night, and Good Luck is this year's king of the political thriller

STAY FOR The chameleonic Wright (Angels in America)

 

8º THE PRODUCERS

RELEASE DATE Dec. 16, limited; Jan. 13, wide

WHY WE CAN'T WAIT Pretty much the whole gang behind the Tony-grabbing Broadway smash is back for the big-screen version, including the hilarious, electric pairing of Nathan Lane (center) and Matthew Broderick (left).

THE PREMISE Lane and Broderick cook up a scheme to cadge a fortune by getting investors to back a surefire Broadway flop. Unfortunately, their show Springtime for Hitler becomes a campy hit.

SOURCE Mel Brooks' 2001 Broadway musical, based in turn on his 1968 film with Zero Mostel and Gene Wilder

THE BACK STORY Despite the death of his wife, Anne Bancroft, in June, Brooks remained a gag-generating machine on the set. ''Many times I'd say, 'Mel, we need one more joke here,''' says director Susan Stroman. ''Takes him about 30 seconds: out of his mouth and into the movie.''

BURNING QUESTION Can lightning strike twice? (Or is it three times?)

COME FOR Bialystock and Bloom — er, Lane and Broderick

STAY FOR Scene-swiping supporting actors Will Ferrell (right), as the pigeon-loving playwright, and Uma Thurman, as B&B's bombshell Scandinavian secretary

 

7º MEMOIRS OF A GEISHA

RELEASE DATE Dec. 9

WHY WE CAN'T WAIT This looks like the most sumptuous costume drama in years, starring three of the world's greatest movie actresses and directed by Rob Marshall, who did the impossible in translating Chicago to the screen.

THE PREMISE Think of it as a Cinderella story: A poor girl (House of Flying Daggers' Ziyi Zhang, pictured) is transformed into a celebrated geisha by a fairy-godmother type (Crouching Tiger, Hidden Dragon's Michelle Yeoh). Along the way, she confronts a wicked-stepmother type (Raise the Red Lantern's Gong Li) and meets her Prince Charming (The Last Samurai's Ken Watanabe).

SOURCE Arthur Golden's best-selling novel

THE BACK STORY Zhang is used to wire work and acrobatics from movies like Daggers and Crouching Tiger, but here, her biggest challenge was learning to dance in 12-inch platform shoes. ''First time I saw them, I told the choreographer, 'No, you're kidding!''' she says. ''Five hours a day, for several weeks I learned that dance. It was really difficult.''

BURNING QUESTION Will audiences flock to a big-budget spectacle set in Japan, without a single Hollywood star in the cast?

COME FOR The smoldering Ziyi Zhang

STAY FOR The even fierier Gong Li

 

5º TRANSAMERICA

RELEASE DATE Dec. 2, New York and Los Angeles; Dec. 23, limited

WHY WE CAN'T WAIT Desperate Housewives' Felicity Huffman can do just about anything, which includes pleasing critics who've been buzzing about this film since its festival debut last spring.

THE PREMISE Huffman (pictured) plays Bree, a preoperative male-to-female transsexual who finds herself on a cross-country road trip with the son (Kevin Zegers) she never knew she had.

SOURCE An original screenplay by director Duncan Tucker, making his feature debut

THE BACK STORY ''Even though a transsexual woman happens to be the main character, the movie is in no way about transsexuality,'' Tucker says. Rather, ''it's about family, it's about parenting, it's about growing up.''

BURNING QUESTION Might Huffman follow her recent Housewives Emmy with an Oscar?

COME FOR Leading man — er, lady Huffman

STAY FOR Dances With Wolves' Graham Greene, who may take a shine to Bree

 

4º MUNICH

RELEASE DATE Dec. 23, limited

WHY WE CAN'T WAIT A Steven Spielberg movie is always an event, and this one, an Oscar contender before the first frame was shot, marks the screenwriting debut of Tony- and Pulitzer Prize-winning playwright Tony Kushner (Angels in America).

THE PREMISE Israeli agents, led by Troy's Eric Bana (pictured), are ordered to hunt down and kill the Palestinian terrorists behind the massacre of 11 Israeli athletes at the 1972 Munich Olympics. But the men soon question whether their mission of bloody vengeance isn't turning them into the kind of killers they're fighting against.

SOURCE The true story of the Munich killings and their aftermath

THE BACK STORY How quick and efficient is Spielberg? He began shooting the movie in July, wrapped principal photography by September, and will finish editing it before Christmas, less than six months after the release of his War of the Worlds.

BURNING QUESTION Are Spielberg and Co. stepping into a political minefield, since their film appears to be neither pro-Israeli, pro-Palestinian, nor pro-War on Terror?

COME FOR Spielberg, at the top of his game these days

STAY FOR Future James Bond Daniel Craig in a key role

 

3° THE CHRONICLES OF NARNIA

RELEASE DATE Dec. 9

WHY WE CAN'T WAIT This could be the beginning of the next great fantasy franchise after The Lord of the Rings. Plus, director Andrew Adamson (Shrek) knows all about talking animals.

PREMISE Four English siblings, taking refuge in a country house during World War II, pass through a magical armoire into the fantasy world of Narnia, a land where a prophesy says four humans will herald the return of the heroic lion Aslan (voiced by Liam Neeson) and the defeat of the power-hungry White Witch (Tilda Swinton).

SOURCE The first of C.S. Lewis' seven kid-lit classics in the Chronicles of Narnia series

THE BACK STORY If you haven't read Lion in a while, you may have forgotten what a slim volume it is, as director Adamson did. ''All the stuff I remembered wasn't in the book! It was all stuff [my] 8-year-old imagination had expanded.'' So he fleshed out the characters and jazzed up the battle scenes. ''Everybody has their own interpretation of what this world looks like,'' he says. ''I hope my sensibilities are common enough.''

BURNING QUESTION Will the movie please both Christian audiences looking for Lewis' spiritual allegory and secular audiences looking for a fantasy adventure?

COME FOR The icy Swinton

STAY FOR Adorable kiddie newcomers Georgie Henley (Lucy), William Moseley (Peter; pictured left), Skandar Keynes (Edmund), and Anna Popplewell (Susan)

 

2° BROKEBACK MOUNTAIN

RELEASE DATE Dec. 9, limited

WHY WE CAN'T WAIT Festival audiences have given this multiple-hankie drama some of the year's best Oscar buzz.

PREMISE Two cowhands (Jake Gyllenhaal, right, and Heath Ledger, left) meet in 1963 Wyoming and carry on a decades-long affair, through many ordeals and tragedies.

SOURCE E. Annie Proulx's short story from The New Yorker magazine

THE BACK STORY The shoot proved an ordeal both physically and emotionally for the cast. ''It was just grueling, especially for the boys,'' says Dawson's Creek alumna Michelle Williams, Ledger's real-life girlfriend, who plays his anguished on-screen wife. ''It's like shell shock or something. We all had our little defenses. We smoked lots of cigarettes.''

BURNING QUESTION Is the multiplex ready for gay cowboys?

COME FOR The men, especially Ledger

STAY FOR The women, Williams and Princess Diaries star Anne Hathaway

 

1° KING KONG

RELEASE DATE Dec. 14

WHY WE CAN'T WAIT The film that Lord of the Rings director Peter Jackson has waited all his life to make is, without a doubt, this season's 8 zillion-pound gorilla.

THE PREMISE You know the story: Ape meets girl (Naomi Watts, in the Fay Wray role of Ann Darrow); girl brings ape back to the big city; ape dies falling off the Empire State Building.

SOURCE The 1933 film written by Merian C. Cooper and Edgar Wallace

THE BACK STORY You'd expect such an expensive, highly anticipated movie to keep production details under wraps, but much about the making of Kong has been made public in weekly video diaries that Jackson posted at kongisking.net. The director says there are plenty of surprises, though, like a sequence involving Shelob-like giant spiders that echoes a similar sequence cut from the 1933 movie. ''We've kept all the cool stuff secret,'' he says.

BURNING QUESTION Can Jackson recapture the awe, wonder, and terror that moviegoers felt when seeing the original movie for the first time?

COME FOR The king-size spectacle

STAY FOR The human-size relationship between Ann and ape. ''How your partner affects you, how you work problems out — I know it sounds silly, but it's what Kong and Ann have to deal with,'' says Watts.

[Ronny]

Em 10º e 6º lugares na lista da EW, respectivamente: FUN WITH DICK AND JANE (com Jim Carrey e Téa Leoni) e RUMOR HAS IT (com Jennifer Aniston e Mark Ruffallo)...

[Ronny]

Outro exército inútil

Helena Celestino
Correspondente NOVA YORK

Hollywood sempre teve mais medo de política do que o diabo da cruz. A expressão é tão antiga quanto os velhos filmes de guerra que o cinemão passou anos fazendo' date=' com soldados americanos no papel de heróis levando a civilização aos países bárbaros. Essa longa tradição de filmes para se ver na “Sessão da Tarde” cambaleou com a Guerra do Vietnã e agora parece não ter mais forças para resistir diante da politização do país. É possível fazer um filme de guerra apolítico quando os Estados Unidos estão atolados numa guerra que o mundo e a maioria dos americanos consideram errada?

O premiadíssimo diretor Sam Mendes, uma unanimidade nacional desde “Beleza Americana”, acredita que sim. Para ele, “Soldado anônimo” (“Jarhead”), seu recém-lançado filme, está longe do debate atual sobre a ocupação no Iraque, pois é uma abordagem existencialista da Guerra do Golfo, aquela promovida por George Bush pai para tirar Saddam Hussein do Kuwait em 1991. A crítica foi impiedosa com ele: considerou ridícula a sua intenção de se manter acima do bem e do mal. Pior, achou que essa tentativa produziu um filme irrelevante sobre uma guerra irrelevante.

— O que penso da guerra de 2005? Acho que não deveríamos estar lá. Mas não tem nada a ver com o meu filme. Esse é um filme sobre a operação Tempestade no Deserto. As pessoas querem me ver fazendo declaração política sobre a guerra atual, mas isso é simplificar o meu filme. Os melhores filmes são sobre a inutilidade da guerra, e esta é a guerra mais inútil de todos os tempos — disse Sam Mendes, irritado, na entrevista para lançar seu filme, semana passada num hotel de Nova York.

“‘Apocalipse now’, meu filme favorito, também foi mal recebido”

Adaptado de um best-seller com o mesmo título, “Soldado anônimo” é um filme sobre o terror e a emoção da vida militar mas também sobre a frustração e o tédio. O livro é um testemunho profano da guerra, escrito com raiva e inteligência por Anthony Swofford e vivido nas telas por Jake Gyllenhaal — o mesmo ator da história de amor gay entre dois caubóis em “Brokeback Mountain”, o vencedor de Cannes. Com a ajuda de um roteirista veterano da Guerra do Vietnã, o diretor captura a mistura de estresse, fadiga e impaciência dos fuzileiros à espera de combates que nunca chegam a acontecer — a Guerra do Golfo foi aquela vendida pelos generais como uma intervenção cirúrgica cujas imagens pareciam com as de um videogame.

A rotina das tropas no deserto, basicamente preenchida por limpeza das armas, masturbação e água para não desidratar, é descrita com humor pelo diretor. Uma das melhores cenas é a dos soldados, antes de partir para o deserto, vendo filmes de guerra para matar o tempo: o vídeo escolhido para passar na televisão do quartel é “Apocalipse now”, e os recrutas cantam Wagner e gritam entusiasmados quando os helicópteros entram em cena na batalha do Vietnã.

— “Apocalipse now”, meu filme favorito, também foi mal recebido. Os críticos querem que se explique o significado da guerra e do filme mas obras de arte têm muitas interpretações. Fiz um filme com intenção de durar dez, 20 anos, para ser visto por pessoas que não têm idéia do atual clima político — defende-se Sam Mendes.

“Apocalipse now”, rebatem os críticos, era um filme declaradamente contra a guerra. Assim como “Nascido para matar”, a obra-prima de Stanley Kubrick, também citada pelo diretor em “Soldado anônimo”, ao reproduzir a cena antológica do pelotão correndo e cantando sob o comando do coronel sedento de sangue. Embora a Segunda Guerra seja a preferida de Hollywood, os cineastas americanos aventuraram-se pelo Vietnã nos anos 70 e 80 com resultados não muito brilhantes, mas, nos 90, os baby-boomers entraram nessa guerra e deixaram como herança alguns dos melhores filmes do gênero. Para Mendes, um cinéfilo educado em Cambridge, é preciso tempo para interpretar os acontecimentos históricos e seria impossível abordar agora a atual guerra do Iraque.

— Quantos anos Hollywood levou para fazer filmes do Vietnã? “Nascido para matar” precisou de 20 anos de distância para ser feito — diz.

Depois de um afastamento voluntário do cinema, Sam Mendes apaixonou-se pelo livro-testemunho sobre a guerra do Kuwait e deixou os produtores impressionados com as resenhas sobre o best-seller. Convenceu-os de que Hollywood estaria a salvo dos riscos políticos ao situar o filme no passado. Escudados num estranho conceito de guerra boa, ele e o roteirista William Broyles Jr. defendem a tese de que, como a Segunda Guerra Mundial, a primeira incursão contra Saddam era justa e apoiada pela ONU, capaz, portanto, de gerar bons filmes-pipoca.

— A Guerra do Vietnã era uma guerra ruim. A Segunda Guerra e a Guerra do Golfo eram boas. A atual é uma área cinzenta — diz Mendes.

— É um filme visto do ponto de vista das tropas, o que nunca ninguém mostra — diz Broyles, juntando-se ao coro dos apolíticos, apesar de ter um filho alistado na atual guerra do Iraque.

Como em qualquer superprodução no estilo tradicional, “Soldado anônimo” também tem helicópteros que cruzam os céus, campos de petróleo queimando, um ou outro melodrama perpassando o acampamento de soldados, povoado pelos personagens de sempre dos modernos filmes de guerra: o tímido nerd , o latino que mostra fotos da mulher grávida, o texano que só fala besteira, o sargento durão — uma ponta interpretada por Jamie Foxx, o premiado com o Oscar de melhor ator deste ano. Na última cena, numa metáfora para expressar o sentimento de que o soldado sempre carrega a guerra com ele, o personagem principal, numa voz em off sobre as imagens, comenta:

— E nós ainda estamos no deserto...

— Não brinca... E o que estamos fazendo lá? — respondeu com ironia o crítico do “New York Times”, debochando da tentativa de ignorar a sangrenta guerra estampada diariamente nos jornais.

Do Jornal O Globo.

[/quote']

Oppppppppppa, vlw Guidon!!!

Grande resenha!!!

[guidon]

Disponha Ronny

[Christopher_P]

Hum... Fun with Dick and Jane vai estrear esse ano ainda? Achei que tinha ido pro ano que vem.

É uma boa aposta para o Globo de Ouro, hein.

[saulomeri]

Ronny valeu pela pesquisa. Estava excelente!

[Ronny]

Ronny valeu pela pesquisa. Estava excelente!

Nada disso, Saulo. Depois passo o número da minha conta bancária, blz???

rsssssssssss...

* Só não entendi porque THE NEW WORLD não entrou na lista da EW entre os 10 mais esperados...

* TRANSAMERICA em 5°? Uiui... Tenho dito: Huffman ainda está na disputa!!!

* E acho que os americanos vão "comprar" BROKEBACK MOUNTAIN numa boa. Li em algum lugar, acho que na VEJA, que a tolerância ao homossexualismo tem crescido bastante nos EUA. Enfim, o filme está causando burburinho e o debate está aberto. Com total aceitação mundial, acredito que os críticos americanos também vão bem acolhê-lo perfeitamente. E isso deve abranger também TRANSAMERICA e BREAKFAST ON PLUTO, claro que em menor escala. Mas que os dois vão se beneficiar do buzz do "Épico-libelo á homossexualidade" (?) de Lee, ah vai!!!

E pelas críticas iniciais, o novo filme de Neil Jordan vem agradando á crítica americana!

* E a TIME traz uma entrevista com a Keira Knightley, que fala de, claro, PRIDE AND PREJUDICE e carreira. O buzz só cresce á ex-dublê de luxo de Natalie Portman.

* Sou só eu ou mais alguém acha que a categoria de Melhor Animação terá 5 indicados nesse ano?

* E sou só eu ou mais alguém acha que o Oscar de Efeitos Visuais vai ou para a Weta (KING KONG) ou para a Weta (Crônicas de Nárnia)??

* E pq essa m****** não vai para a pag. 157??

 

[Administrator]

Um dos membros od site Oscarwatch foi a uma exibição de The White Countess e deixou suas impressões, numa pequena crítica bem escrita e interessante. Não ficou exatamente entusiasmado com o filme ,e afirmou que nenhuma das atuações é forte o suficiente para o Oscar - mas todos sabemos que isso é bem subjetivo...

 

It was with only the thrill of discovering a film which has remained stubbornly elusive for the better of the season that I entered a serendipitous local screening of The White Countess. I had never truly anticipated it otherwise, nor had I felt it would play too significantly into the race in the end. But there it was, playing at the film festival nearby, and the Oscarwatcher in me couldn't have been more excited.

To put it simply, this latest work by James Ivory is a lovely, remarkably well made film, with two very fine performances by Ralph Fiennes and Natasha Richardson at its heart. The White Countess effectively utilizes the unstable, chaotic pathos of 1930s Shanghai as the backdrop for its characters. In it we explore their histories--both illustrious and full of sadness---as well as their dreams and ambitions.

Ralph Fiennes, in yet another commendable performance following his work in The Constant Gardener, is the blind American diplomat Todd Jackson with a tragic past seeking to find solace in the elegant, politically charged nightlife of Shanghai. Natasha Richardson is positively luminous as the exiled Russian Countess Sofia Belinsky, who is now forced to make a living to provide for her daughter and other family members. Jackson and Sofia's paths collide memorably and it is a joy to watch the two interact and grow together. I won't go further into plot details for sake of spoilers.

The film is technically sound: particularly blessed with Christopher Doyle's lens, and costumed by John Bright's designs, The White Countess feels unique and authentic, capturing an era and story not often seen on film.

This is not to say the film isn't without its faults, but the overall cinematic experience overcomes many of my minor quibbles around pacing and storytelling technique. There is an instance where the plot takes a jagged step forward in an unexpected direction which both serves as a jumpstart for the remainder of the film and a moment where you the viewer either follow it to its inevitable conclusion or leave it hanging. That said, I am sure there will be a set of Oscarwatchers who will fall in love with The White Countess, and others who will be indifferent to its charms. Neither is necessarily wrong...it simply depends on your cinematic sensibilities.

Of course here on Oscarwatch, we all want to know how the film will do with the Oscars. With the very intelligent adage "nobody knows anything" in mind, I'll hazard some thoughts based on my one viewing. While I personally adore both performances, particularly Richardson (who I wished would never leave the screen), they aren't necessarily the kind to be considered Oscar locks. Fiennes has a few moments, but in such a tough year with such high profile acting performances (including his own in The Constant Gardener), he will struggle to gain the last minute push that is required of this limited release film. In addition, Richardson, while beautifully sublime, doesn't quite have that one moment where you can heartily say an Oscar is in store. But she does what she does wonderfully, and for that I still hold out hope that in the relatively uncompetitive Best Actress race there is still a chance for her.

As far as Lynn and Vanessa Redgrave, I think it's quite clear they are out of the running. Their parts are simply not substantial enough for me to suggest they stand any serious chance at an Oscar prize. Lynn had more to do in Kinsey she does here.

In the end, I think it would be foolish to cross The White Countess completely off just yet--while it is hindered by its limited run for the Academy and the mystery surrounding it until now, it is a film that, given the right reception from critics and proper timing, could play a marginal role in this year's race. In the end this is a solid and affecting film. Here's hoping you'll feel the same way.

[-felipe-]

Acho que a categoria de animação só pode ter 5 indicados se houverem mais de 16 filmes inscritos.

[saulomeri]

Sem problemas. Pode me dizer o número da conta que eu deposito mesmo.

Também confio na aceitação de Brokeback Mountain nos EUA. Inclusive continuo apostando que ele será o maior adversário de Spielberg no Oscar.

Quanto a indicação de Huffman ainda acho improvavel. Já não digo mais o mesmo sobre Keira Knightley. E vou mais além: Começo a achar cada dia mais possível a indicação de Orgulho e Preconceito ao Oscar de Melhor Filme.

Quanto ao Oscar de Efeitos Especiais, ainda aposto em Guerra dos Mundos como um dos favoritos à vitória (ao lado de King Kong, Harry Potter e Cronicas de Narnia).

[Administrator]

A Academia geralmente divulga a lista dos elegíveis antes, não? Acho que em Dezembro.

 

Walk the Line está com 14 críticas no RT, 1 negativa, média de 7.6/10. Mas os críticos mais "importantes" ainda não gostaram tanto. Vamos ver como o filme se sai... Eele está, no momento, como o nº1 nas minhas previsões.